今年，Maison&Objet（巴黎家居装饰博览会）与全市瞩目的巴黎设计周（Paris Design Week）携手合作，旨在发掘新锐设计师，为法国手工艺（métiers d'art）注入新价值，并以当代设计视角暂时重塑历史地标。两项活动均于9月4日开幕，使整个巴黎化身为一座全城狂欢的设计节日。各大画廊、展厅及概念店悉数开放，来自30多个国家的创意设计作品纷纷入驻著名历史遗迹。其丰富且多元的活动议程不仅被拿来与米兰设计周相媲美，同时也为巴黎在全球设计日程中赢得了独特的地位。本文精选了一系列具有建筑学意义的装置与展览，展现这两大设计盛会协同合作的丰硕成果。
英国皇家建筑师学会（RIBA）公布了2025年RIBA斯特林奖（RIBA Stirling Prize）的六个入围项目。自1996年设立以来，该奖项旨在表彰应对当代挑战、同时塑造更具包容性未来的建筑作品。今年的入围名单涵盖了多种规模和功能类型，包括英国最具标志性的地标之一的修复项目、一个先锋医学研究设施、一座旨在减少老年居民孤立感的当代救济院、一所大学的“时尚工厂”、一栋完全无障碍住宅，以及一个极具创意的住宅扩建项目。最终获奖者将于10月16日在伦敦圆屋剧场（Roundhouse）举行的斯特林奖颁奖典礼上现场揭晓。
在第19届威尼斯国际建筑双年展上，菲律宾国家馆推出了由艺术总监雷南·拉鲁-安（Renan Laru-an）策划的展览《土之生灵》（Soil-beings (Lamánlupa)）。该展通过跨学科合作，汇集了建筑师、技术专家、原住民领袖、艺术家、决策者以及当地社群，共同探讨土壤在文化、生态和技术维度的内涵。展览旨在挑战传统的建筑范式，将关注焦点从“结构”转向“土壤”——不仅将其视为一种被动的材料，更视其为一种拥有能动性、历史和力量的生命力量。
“舞吧，舞吧……否则我们便迷失了。”皮娜·鲍什（Pina Bausch）这句常被引用的名言，不仅道出了身体移动的紧迫性，也揭示了其展现空间本身的能力。在她的编舞中，空间绝非中立的背景，而是化作了伙伴、障碍与记忆。地板倾斜，座椅堆叠，墙壁或带来压迫，或赋予释放。这些都是建筑情境，是通过身体来呈现并进行博弈的过程。鲍什所揭示的——也是建筑学常常遗忘的——是空间不仅是被建造出来的，更是被演绎出来的。她的作品邀请建筑师不仅要从材料和形式的角度去思考，还要从姿态、关系和节奏的维度去考量。它表明，建筑与舞蹈一样，归根结底关乎我们如何栖居、构建并在我们穿行的空间中注入情感。
在历史上，建筑与舞蹈一直平行发展，通过身体在时空中的定位来塑造人类体验。从古典神庙中编排好的仪式，到巴洛克宫殿的轴线逻辑，建成空间始终暗示着运动。包豪斯（Bauhaus）则更进一步，奥斯卡·施莱默（Oskar Schlemmer）的《三女神芭蕾》（Triadic Ballet）将空间具象化为身体的几何延伸。这不仅是舞台布景，更是转化为动态的空间思维。到了20世纪，诸如威廉·福赛斯（William Forsythe）和安妮·德雷莎·德·凯尔斯马科（Anne Teresa De Keersmaeker）等编舞家将建筑的约束条件融入他们的舞谱中；与此同时，诸如斯蒂文·霍尔（Steven Holl）、Diller Scofidio + Renfro以及伊东丰雄（Toyo Ito）等建筑师则设计出了如空间序列般展开的建筑，引导人们在其中穿行、流连与驻足。
Skidmore, Owings & Merrill（SOM）为2026年米兰-科尔蒂纳丹佩佐冬季奥运会及冬季残奥会设计了奥运村，该项目坐落于米兰原罗马门（Porta Romana）铁路货场旧址。项目目前已接近完工，计划于今年秋季，即本届冬奥会开幕前，移交给米兰-科尔蒂纳基金会（Milano Cortina Foundation）。2025年4月，ArchDaily 编辑有幸实地探访了该项目的施工现场，实地察看了住宅楼、公共空间以及修复后的历史建筑的建设进展，这些建筑将共同定义这一全新的城市街区。该奥运村是罗马门铁路货场总体规划的核心组成部分，承担着双重使命：在赛事期间为奥运运动员提供住宿，赛后则将转型为学生公寓和保障性住房。
意大利欧洲文化中心（ECC）自2010年起便开始组织ECC奖，旨在表彰各领域的艺术家、建筑师、设计师和学者。该奖项重点关注“时间·空间·存在”（Time Space Existence）展览中的参展项目。该展览与威尼斯建筑双年展同期举办，展示了实现可持续建筑的切实途径，旨在将建筑视作推动环境与社会修复的力量。第七届“时间·空间·存在”是一场联合展览，横跨三个威尼斯展区：本博宫（Palazzo Bembo）、莫拉宫（Palazzo Mora）以及玛丽娜莱萨花园。今年，展览聚焦于“修复、再生和重用”（Repair, Regenerate, and Reuse）的主题，强调了建筑师 and 设计师作为积极变革的推动者，在塑造可持续、包容和再生生活方式中所扮演的关键角色。
长期以来，窗户在建筑中一直扮演着微妙而双重的角色，它既界定并封闭了室内，又同时建立了与外界的联系。这种双重功能不仅限于满足建筑规范或提供自然采光，更直接影响着居住者体验和感知景观的方式。20世纪，钢、铝和玻璃等材料的引入催生了不同类型的窗户，其特点是边框更细、玻璃面更宽，从而增强了通透感，并强化了与周围环境的视觉联系。
美国建筑师如弗兰克·劳埃德·赖特（Frank Lloyd Wright）和菲利普·约翰逊（Philip Johnson）探索了这些可能性，以实现建筑与景观的和谐共生。在流水别墅中，窗户和露台将住宅与瀑布及周围的森林无缝相连；而玻璃之家的极简框架则几乎消融了室内外的边界，将生机盎然的自然环境融入室内。在不断演进的过程中，窗已成为连接空间、材料与感知的纽带，为探索建筑与其环境之间的关系开辟了全新路径。
Utopian Hours 作为欧洲首屈一指的城市共建与城市创新盛会，将重返都灵。为期三天的活动灵感澎湃，涵盖大师班、主题演讲、工作坊、圆桌论坛和展览。来自全球的实践方案与案例研究将展示城市（及社会）创新的发生路径，并揭示“城市塑造”这一概念如何朝着大胆的新方向拓展。届时，40多位国际嘉宾、最具影响力的媒体、顶尖的城市规划大师以及欧洲最敏锐的市政官员将齐聚都灵，共同交流想法、工具、经验、解决方案、愿景与激情。
每年，火人节（Burning Man）都会将内华达州的黑石沙漠转变为一座临时城市。在这里，大型装置不仅塑造了景观，也定义了人们的集体体验。作为实验性设计的平台，这一盛会汇集了艺术家、建筑师以及跨学科团队，共同创作出模糊雕塑与建筑边界的作品。这些临时结构通常充当聚集空间、地标或沉浸式环境，体现了该节日关于“无常”的核心理念。
2025年的火人节引入了探讨生态、记忆与联结等主题的项目，同时也回应了在沙漠中进行建造的挑战。这些装置形制各异，既有亲密的互动作品，也有宏伟的地标。在活动结束消逝前，这些装置激发了人们的思考、参与和社群互动。
当今世界，学习不再局限于教室，也不再仅仅由正规教育来定义，它以多种形式无处不在地发生。从音乐厅、感官图书馆，到神经多样性训练中心以及重构的公立学校，承载学习的空间正变得与我们的学习方式一样多元。这批由ArchDaily社区提交的未建成教育项目，正反映了这一转变。它们探索了建筑如何包容差异、激发好奇心，并创造出能够满足广泛认知、情感和社交需求的环境。
从历史角度看，现代模式的首批大学在欧洲建立之初，是旨在为国家和教会培养精英的机构，而并非为了促进社会解放。随着资本主义的发展，这些大学固化为现代西方文化生产与再生产的特权空间。然而，从20世纪60年代开始——尤其是经历了1968年的“五月风暴”学生运动之后——学术重心转向了与市场相关的价值观，取代了原有的人道主义和批判性理想。人文学科逐渐边缘化，而技术领域则开始占据核心地位，并在很大程度上脱离了对其社会影响的批判性反思。
自然光是建筑设计中强有力的媒介之一。它能营造独特的空间氛围、提升舒适度，并降低建筑能耗。然而，若想完美地引入自然光，从概念草图到施工详图的每一个项目阶段都必须精准把控。VELUX BIM 工具正为建筑师提供了兼具灵活性与严谨验证的数据支持，让这一切成为可能。
2025年9月6日至10月15日，位于柏林的Aedes建筑论坛将举办芬兰建筑事务所Helin & Co的展览。该展览旨在探讨该事务所在过去二十年中对塑造赫尔辛基城市风貌所发挥的作用。展览以《心灵与地平线》（Heart and Horizon）为题，折射出该事务所将人文尺度（“心灵”）与滨水区城市空间互动（“地平线”）相结合的设计理念。展览重点关注了对赫尔辛基城市转型至关重要的三个项目：坎皮中心（Kamppi Centre）——一个集交通枢纽、文化和居住区于一体的网络化城市街区；卡拉萨塔玛中心（Kalasatama Centre）——位于前港口遗址上的新兴街区，将城市密度与海景有机融合；以及位于埃斯波（Espoo）的塞洛地区中心（Sello District Centre）——一个融合了图书馆、音乐学校和音乐厅的多功能综合体。
Lina Ghotmeh — Architecture 建筑事务所近期公布了“阿尔乌拉沉浸式住宅”（AlUla Immersive Living）项目的效果图。该项目是一座设想自沙特阿拉伯沙漠景观中生长而出的住宅。其建筑形态由场地的光影与风向塑造，根植于当地气候，介于巨石与沙丘之间。设计遵循“避难所既属于沙漠，也属于其居住者”的理念，并呈现出一种“活着的景观”状态。建筑主体由厚重的夯土墙构成，与框景天空的开放式平台形成对比。它被视为一种“不为主导，只为盛纳”的建筑宣言，在提供庇护的同时又不切断与外界的联系，充分体现了建筑师莉娜·高特玛（Lina Ghotmeh）融汇文脉、手艺与人文关怀的设计立足点。
椰枣树（Phoenix dactylifera）根系深茂、树干坚韧，且能承受极端温度，是自然界中最能适应干旱荒漠环境的物种之一。在许多当地原住民文化中，椰枣树被誉为“生命之树”，这绝非偶然。千百年来，它们的果实、叶片和树干源源不断地为人类提供食物、庇护所和建筑材料。可以说，若没有椰枣树，人类在荒漠地区的大部分定居活动便无从谈起。如今，这一物种已在世界各地的沙漠地区广泛种植，继续支撑着传统的农业实践；而在当代研究人员的推动下，其潜在价值有望得到更深层次的挖掘与拓展。
在第19届威尼斯国际建筑双年展上，韩国馆以“小蟾蜍，小蟾蜍：解构展馆”（Little Toad, Little Toad: Unbuilding Pavilion）迎来其落成30周年。该展览由韩国艺术委员会（ARKO）委托，并由郑多英（Chung Dahyoung）、金熙贞（Kim Heejung）和郑成奎（Jung Sungkyu）组成的策展建筑集体（CAC）策划。展览汇聚了建筑师和艺术家金贤钟（Kim Hyunjong）、朴希灿（Heechan Park）、杨艺娜（Young Yena）以及李丹美（Lee Dammy），批判性地重新审视了作为物理结构和符号空间的展馆，在追溯其自1995年落成以来的发展轨迹之余，也对其未来的可能性展开了推测。
2014年至2019年间，极端组织“达伊沙”（ISIS）占领并控制了伊拉克和叙利亚的部分领土，其中包括北部城市摩苏尔。据联合国教科文组织估算，在此期间，摩苏尔古城80%的历史建筑遭到损毁，这也促成了近几十年来最具雄心的重建行动之一：“重振摩苏尔精神”（Revive the Spirit of Mosul）。自2019年以来，联合国教科文组织致力于重塑该市的城市景观与历史遗迹，重建了老城内的3处宗教和文化地标、124栋历史民居以及其他建筑。该项目主要围绕三大支柱展开：修复重要文化遗产、促进文化生活回归以及强化教育空间。2025年9月1日，伊拉克总理为三大地标建筑——努里清真寺建筑群、阿尔萨阿修道院和阿尔塔赫拉教堂举行了落成典礼，标志着这一修复工程圆满竣工。
扎哈·哈迪德建筑事务所（Zaha Hadid Architects）为香港北大屿海岸公园保护区设计的数字化制造海洋栖息地，近日在伦敦举办的世界设计大会（World Design Congress）展览上展出。此次活动于9月9日至10日在巴比肯艺术中心（Barbican Centre）举行，该中心是世界上最著名的粗野主义建筑代表之一。大会以“为地球设计”（Design for Planet）为主题，呼吁设计师和设计委托方承担起迄今为止最关键的任务：面对气候变化，设计一个具有再生能力的未来，并探讨设计作为环境行动工具的作用。在此背景下，扎哈·哈迪德建筑事务所推出了“Nereid”——这是一个由 D-Shape 采用先进3D打印技术开发的数字化制造栖息地，旨在支持海洋生态系统的自然再生。
随着城市和基础设施不断演进，以满足不断变化的文化、环境和社交需求，全新的建筑项目正在重新定义公共空间和市政机构的运营方式。本期Architecture Now汇集了不同语境和规模的方案：在屋久岛，让·努维尔（Jean Nouvel）将 NOT A HOTEL 的精品度假村嵌入了联合国教科文组织（UNESCO）列入名录的森林景观中；在纽约市，Rossetti 与 WSP 正在筹备阿瑟·阿什球场的大规模改造，以扩大容量并提升观众体验；在多伦多，Diamond Schmitt 与 gh3* 合作的大型重木结构、净零能耗急救站已动工；而在英吉利海峡对岸，Hollaway Studio 正在主导 LeShuttle 英国和法国航站楼的改造，致力于将其打造为更无缝、更可持续的出行门户。这些项目共同反映了设计如何使现有系统和景观适应新形式的公共生活。
10月，由驻地建筑师苏马雅·瓦利（Sumayya Vally）在伦敦市中心重新构想的全新文化空间 Ibraaz 将正式开放。该倡议由卡梅尔·拉扎尔基金会（Kamel Lazaar Foundation）发起，旨在聚焦“全球多数群体”（Global Majority，即非洲裔、亚洲裔、原住民和拉丁美洲裔等占世界人口大多数的群体）的艺术、文化与思想。该项目试图通过在单一场所内创造一个“由许多世界组成的世界”（world of many worlds）来连接本地与全球的对话。这座六层、面积达10,000平方英尺（约930平方米）的建筑历经多次功能演变，曾先后作为犹太会堂、住宅、俱乐部，直至如今的文化中心。
传统上，建筑师的角色相对明确：设计建筑、主导项目、协调资源，并指导施工直至竣工。然而，随着专业领域的不断细分，加之社会经济的快速变革，建筑实践已走向多样化，为建筑师服务社会开拓了更多元的路径。
自20世纪80年代以来，最显著且持续的转变之一或许是“方案设计建筑师（design architect）”与“执行建筑师（architect of record）”的分离。过去，一个设计事务所通常会全权负责项目从概念到落成的全过程；而如今，国际化进程——伴随着跨境合作、执业许可制度、采购模式以及责任架构的变化——催生了这种分工。设计团队越来越多地负责确立概念与方案方向，随后将深化设计移交给当地的执行建筑师，进行技术细节完善、报批报建和现场配合。这种模式优势显而易见——专业度更高、效率提升，且往往能带来更可观的利润（或能以较低的费用提供服务）——但它同时也割裂了整个行业，并可能导致原创设计与最终交付之间的脱节。
那么，下一次转变将指向何方？又有哪些新的协同效应能够重塑建筑师的角色？面对不断变化的行业气候，建筑师该如何自处？一个极具前景的方向是：从创造单一、永久性的实体建筑，转向持续不断的场所营造（placemaking）——即通过迭代的、因地制宜的项目，在公共空间中对空间构想进行原型塑造、测试与完善。这种模式不再致力于打造一个将场地定格数十年的大型地标性作品，而是更看重在社区尺度上进行“建造—使用—评估—调整”的循环往复。
Jonathan Yeung 的建筑之旅，始于他对穿行于精心构筑的空间中所获得的切身体验的深切体悟。他曾在香港、京都、剑桥和伯克利等多地生活与求学，这段成长经历让他对建筑如何引发文化共鸣形成了高度的敏感性，而这种共鸣往往超越了直白言语的解释。对 Jonathan 而言，建筑已从最初的切身体验，逐步演变为一种强有力的表达形式，涵盖了设计、建造与写作。而编辑工作自然而然地成为了这一探索历程的延伸，为他提供了一个从多重维度反思建筑理念的平台。
在编辑策划中，他侧重于探讨那些具有持续当下性的议题——即植根于社会、文化或建筑困境，能引发多层次、复杂对话的主题。在项目筛选上，他倾向于那些兼具明确意图与卓越品质的作品：它们或勇于突破边界，或将日常事物提炼为非凡之作，亦或揭示了塑造人与人造环境互动体验的微妙空间与材料细节。他对建筑细部的关注是一个反复出现的主题，这不仅彰显了工匠精神与精确度，也揭示了这些往往在宏大叙事中被忽略的元素是如何构筑出经久不衰的永恒空间的。
在今年第16届阿卡汗建筑奖的七个获奖项目中，包括了位于埃及南部的“历史名城埃斯纳复兴项目”。该项目由总部位于开罗的 Takween 事务所主导，其意义远超单纯的古迹修复。这是一个将深度社区参与同物质与非物质文化遗产保护有机结合的综合性城市更新实践。该倡议通过创造数千个就业岗位并修复历史中心，为避免大拆大建提供了一条强有力的替代路径。阿卡汗文化信托基金（Aga Khan Trust）盛赞其为“可复制的可持续发展模式”。
阿拉木图艺术博物馆在哈萨克斯坦正式开馆，为中亚乃至国际建立起一座致力于当代艺术的新文化地标。该博物馆由查普曼·泰勒（Chapman Taylor）设计，坐落于天山山脉脚下，总建筑面积达10,060平方米。其设计灵感源自阿拉木图城市与其周边山地环境的对比，这一关系通过两个相互连接、分别覆盖着石灰石和铝板的体量得以展现。这两个体量围绕一个光线充足的中央中庭展开。该中庭被称为“艺术街”，是主要的交通流线和人员聚集空间。
