汇聚了为期一周的展览、装置与行业交流，在经历了展馆及全市范围内为期六天的丰富活动后，2026年米兰设计周与第64届米兰国际家具展（Salone del Mobile.Milano）于4月26日圆满落幕。本届盛会于4月20日至26日举行，再次彰显了米兰在全球设计日程中的核心地位。其中，米兰国际家具展吸引了来自167个国家的超过31.6万名观众。本届设计周汇聚了1900个品牌，展现出强劲的国际影响力，在应对市场不确定性的同时，再次发挥了文化平台与经济引擎的双重作用，并继续保持其在全球范围内凝聚设计师、学术机构及行业领袖的能力。
是什么定义了住宅的氛围？除了材料搭配和自然光线，声音在空间的感知与居住体验中也起着决定性的作用。脚步在石材地面上的回响、织物饰面房间带来的静谧感，或是音乐在开放式室内空间中的流动，都在塑造着住宅空间的感官特征。人们对建筑的体验不仅是视觉上的，更是听觉上的。
“声景”（soundscape）这一概念，描述的正是在人、声音与人造环境之间的这种关系。在住宅建筑中，声音不仅是背景噪音或技术指标，它还直接影响着隐私性、专注力、休息质量和情感上的舒适度。空间几何形态和材料属性是主要的“声学导体”：混凝土、玻璃和石材会反射并放大声音，而木材和软装织物则能使其柔化并吸收。天花板高度、动线规划以及房间比例，则会进一步塑造声音在空间中的传播与留存方式。
Daryan Knoblauch 的作品立足于建筑与即时文化生产的交汇点，致力于探讨如何通过张力与氛围使空间变得清晰可读。他并未将临时性作品视为次等建筑，而是将装置、舞台和活动建筑视为严谨的学科课题——在这些项目中，围合、结构稳定、光影与动线必须以对待任何常规建筑一样的严肃态度来攻克，且往往面临着更苛刻的限制和更紧迫的时间节点。
纵观其设计，贯穿始终的是高现代主义的精密性与刻意保留的质朴装配清晰度之间所产生的积极张力。膜材料与轻量化系统绝非仅仅用于营造表面视觉效果，而是作为结构和空间的媒介——根据风荷载、结构荷载和使用状态进行精确调试，从而营造出一种既能被视觉感知、又能被身体感悟的崇高感。在这些作品中，瞬时性不仅代表着存续的维度，更是一种设计的前提条件：时间的流逝让风雨侵蚀、日常磨损和行为介入等种种力量变得更加直观，同时也催生出一种兼具严苛标准与应变能力的建造伦理。
建筑正越来越多地被要求“做减法”，而非“做加法”。在充满持续流动、喧嚣与预期压力的环境中，那些允许人们驻足、停歇并感受当下的空间，已变得愈发罕见，却也愈发不可或缺。许多公共和半公共场所的设计初衷，都是为了促使人们不停移动、消费或做出反应，从而几乎没有给徘徊、观察或仅仅是无目的地存在留出余地。
作为回应，越来越多的建筑实践正将注意力从“激活”转向“在场”。这些空间并非要求使用者进行互动或参与，而是创造了支持停留的条件。舒适感、连续性和开放性让人们得以在毫无压力或义务的情况下留下来，从而使“在场”成为一种空间品质，而非一种活动。
不论是在文化平台、历史遗迹，还是在机构开发项目中，本周的新闻都反映出建成环境是如何通过转型、重新诠释和公众参与而被重塑的。从考古遗址的重新激活、适应性利用策略，到美术馆扩张和大型国际盛会，建筑在多重时间维度中运作，在保护与当代利用、空间连续性与不断演变的文化项目之间寻找平衡。在这一背景下，ArchDaily 精选的 2026 年米兰设计周装置与展览突显了米兰设计周如何日常发挥实验性策展框架的作用，同时，全球性盛会和机构项目也持续拓展着建筑生成、共享和探讨的形式。
历经数年的翻新改造后，江户东京博物馆已重新向公众开放。馆内展示了由 重松象平主持的 OMA 建筑事务所设计的一系列场景化干预与装置。作为该事务所在日本的首个公共项目，此次委托是该博物馆地标性建筑整体更新的一部分，该建筑最初由新陈代谢派建筑师菊竹清训设计。博物馆于 1993 年开馆，是首个专门展示东京历史的博物馆，旨在追溯这座城市从江户时代至今的发展演变。此次全新的干预设计旨在加强馆方与当代观众的联系，同时保留菊竹清训原作建筑的独特个性。
日本建筑师隈研吾及其事务所隈研吾建筑都市设计事务所（KKAA）在哥本哈根当代艺术中心（Copenhagen Contemporary）推出了特定场域装置“Earth | Tree”。该项目是与丹麦木材制造商 Dinesen 合作开发的，作为该艺术中心 CCreate 项目的一部分，于 2026 年 3 月 28 日开幕。该项目选址于一处旧工业厂房，通过木材、砖块和光线创造了一个独特的空间干预。该装置由合伙人池口由纪（Yuki Ikeguchi）领衔，团队成员包括 Asger T. Taarnberg、Nicolas Guichard 和 Yasemin Shiner，这不仅标志着 KKAA 在斯堪的纳维亚的首次展览，也将其注重材料的实践融入到了展览形式中。
智利建筑师斯米连·拉迪奇·克拉克（Smiljan Radić Clarke）荣获2026年度普利兹克建筑奖。该奖项被誉为建筑领域的最高荣誉之一。此番授奖旨在表彰拉迪奇通过材料实验、空间感知以及对景观与文脉的审慎回应所展开的建筑探索。拉迪奇出生于智利圣地亚哥并在此生活和工作，他领导着创立于1995年的斯米连·拉迪奇·克拉克建筑事务所。作为继2016年亚历杭德罗·阿拉维纳之后第二位获此殊荣的智利建筑师，他加入了历届杰出得主之列，包括2025年的中国建筑师刘家琨、2024年的山本理显、2023年的戴卫·奇普菲尔德以及2022年的迪埃贝多·弗朗西斯·凯雷。
拉迪奇的建筑实践游刃于一个独特的领域：在这里，对空间的现象学体验先于理性的阐释。他的作品往往呈现出一种静谧、纯粹的气质，拒绝轻易落入言语的解构，转而引导到访者通过身体的游走、氛围的营造以及直觉的感知去体验空间，而非单纯依赖形式上的表达。
一年一度的“冬季驿站”（Winter Stations）设计竞赛再次回归多伦多，迎来其第十二届活动。该竞赛致力于将伍德拜恩海滩上的救生瞭望塔转化为临时的公共艺术作品。本届展览将于2026年2月16日至3月30日举行，以“海市蜃楼”（Mirage）为主题，邀请参赛者探讨感知、错觉，以及所见与所筑之间不断变化的边界。评委会从300多份国际参赛作品中选出了三项获奖方案，分别来自加拿大、美国以及一个德国与乌克兰的合作团队，它们将与两项由高校团队设计的装置共同展出。这些项目坐落于安大略湖结冰的湖岸线上，将季节性的基础设施重新诠释为冬季进行空间实验的平台。
近年来，食物在建筑领域扮演了新的角色，它不仅是一种功能或空间类型，更成为一种共享的空间实践。除了餐饮设计或餐厅空间，公共用餐空间正越来越多地被视为临在性、仪式与时间交织的场所，让人们得以在此聚集、停留和共存。在这些场景中，饮食不仅仅发生在空间之内，它还在积极地塑造着空间，将普通的、借用的或临时搭建的环境转变为交流的场所。
这种转变在广泛的建成项目、装置和社区空间中清晰可见，这些设计通过共享用餐将人们聚集在一起。例如 Fondo Supper Club 等倡议，将用餐定义为一种社交平台，通过食物媒介，以对话与合作连接艺术家、设计师和当地社区。无独有偶，在 2024年米兰设计周 上展出的 sit.feast，则将餐桌视作一种空间装置，共同落座与进餐在这里成为了共同创造空间的主要手段。
位于深圳大湾区、由扎哈·哈迪德建筑事务所设计的 OPPO 新总部园区建设工地已启动外立面安装工作，这标志着该项目取得了显著进展。该园区计划作为中国科技企业 OPPO 的一体化办公场所，坐落于城市快速发展区域。总部旨在满足公司不断扩张的员工规模需求，同时将办公功能与可供公众使用的空间融为一体。目前的建设工作包括外部围护结构的组装，这体现了项目既定的建筑体量、塔楼布局以及整体空间规划。
受第五届首尔建筑与城市双年展（SBAU）总监托马斯·赫斯维克（Thomas Heatherwick）邀请，MAD Architects 的艺术装置作品《呼吸细胞》（Breathing Cells）于 2025 年 9 月 26 日开幕，在韩国首尔松岘公园展出。
第五届首尔建筑与城市设计双年展于9月26日在首尔市中心的松岘绿色广场（Songhyeon Green Plaza）盛大开幕。作为亚洲规模最大的公共建筑盛会，本届双年展由托马斯·赫斯维克（Thomas Heatherwick）担任总策划，以“如何让城市变得‘更加人性化’”为核心策展主题。展览将持续至11月18日，期间将汇聚各类展览、全球论坛以及由市民主导的项目，共同探讨建筑在塑造更具包容性与可持续性城市环境中所发挥的作用。
公共空间长久以来一直是建筑思想的核心议题，其讨论往往围绕规划、基础设施和管理规范展开。从奥斯曼改造的巴黎到当代总体规划，建筑师们一直致力于通过空间工具来界定和规范集体生活。然而，在这些框架之外，艺术家们不断提供理解与栖居公共空间的别样方式 —— 这些方式不依赖于建造或永久性，而是依托于在场、感知与参与。通过行动、物件或氛围的营造，艺术家们将城市视为摩擦与想象的场域。这些举动挑战了建筑领域的传统惯例，并促使人们重新审视公共空间，它并非一种已解决的固定形态，而是一个充满变数且开放的过程。
在第 19 届威尼斯国际建筑双年展上，北欧国家在斯维尔·费恩（Sverre Fehn）那座备受赞誉的 1962 年北欧馆中布展。这座建筑现代主义的地标性建筑，代表着瑞典、挪威和芬兰三国。今年，北欧国家带来了一场融合建筑、表演与艺术装置的展览，将建成环境视作展现化石燃料文化社会政治规范的舞台。该展览由赫尔辛基建筑与设计博物馆的凯萨·卡尔维宁（Kaisa Karvinen）策展，名为《行业力量：建筑的五重乐谱》（Industry Muscle: Five Scores for Architecture），从跨性别者视角审视现代建筑，展出了芬兰艺术家 Teo Ala-Ruona 的作品。他融合了行为艺术、戏剧和编舞创作。
在第 19 届威尼斯建筑双年展上，中国馆推出名为“共生（Coexist）”的展览，该展览由 MAD 建筑事务所创始人马岩松担任策展人。中国馆汇聚了十支跨学科团队，成员涵盖建筑师、学者、学生、科学家，甚至还有社交媒体参与者，共同探究建筑在调和传统与未来、人工与自然、科技与情感之间的矛盾时所蕴含的潜力。“共生”展览并非呈现单一视角，而是旨在为回应塑造当代建筑的多元现实留出空间。在威尼斯现场，ArchDaily 的编辑们有机会与策展人就影响中国馆创作理念的相关问题展开探讨。
斯堪的纳维亚设计以其简约美学与实用功能而备受赞誉，它珍视简单事物，深深植根于“Hygge”（舒适惬意）的理念之中。这种崇尚之情不仅体现在室内设计领域，还延伸至自然世界，催生出高品质的建筑与景观装置设计，强化了人与未受破坏的自然环境之间的联系。斯堪的纳维亚设计风格并不主张在环境中强行构建宏伟建筑，而是倾向于进行微妙而精准的干预。这些项目并非旨在主宰环境，而是旨在与现有景观展开对话，通过深思熟虑的设计来凸显其固有形态、色彩与质感。其目标是实现互补与提升，打造出既具备实用功能，又能加深访客与周边环境情感联结的空间。
加拿大艺术委员会在加拿大馆呈现《微型浮游生物》这一作品，作为第 19 届国际建筑展 —— 2025 威尼斯双年展（展览将持续至 2025 年 11 月 23 日）的一部分。该装置由“客厅集体”（Living Room Collective）开发，通过一种基于推测、以研究为导向的设计方法，来应对当下全球性的生态挑战。装置中包含 3D 打印的建筑结构，这些结构内嵌有具备碳封存能力的活体蓝藻。该项目由安德烈亚·申·灵（Andrea Shin Ling）牵头，与一群跨学科贡献者历经四年合作完成，旨在探究与生命系统共同构建建成环境的可能性。
