Museu Nacional do Uzbequistão, Render por Tadao Ando Architect & Associates. Imagem cortesia de The Uzbekistan Art and Culture Development Foundation
A Fundação de Desenvolvimento de Arte e Cultura do Uzbequistão (ACDF) anunciou o início das obras do Museu Nacional do Uzbequistão, projetado pelo arquiteto japonês Tadao Ando. Como o primeiro grande projeto de Ando na Ásia Central, o museu foi concebido como um marco arquitetônico e cultural em Tashkent. Com abertura prevista para março de 2028, o edifício reflete a linguagem arquitetônica minimalista de Ando, integrando referências ao patrimônio do Uzbequistão com seu uso característico da geometria, da luz natural e da clareza espacial.
As crianças vivenciam o espaço de forma diferente das pessoas adultas. Para elas, o mundo ainda não está racionalizado em termos de função e circulação, sendo experimentado por meio da emoção e da curiosidade. Enquanto as pessoas adultas tendem a percorrer os ambientes pelo hábito, as crianças os habitam pela imediatez. Um feixe de sol torna-se um acontecimento. A curva de um corredor convida ao explorar. O som dos passos sobre a madeira ou a suavidade de um tecido sob a ponta dos dedos não são mero plano de fundo, mas sim informação. Aquilo que as pessoas adultas costumam descartar como momentos periféricos medeia silenciosamente seu senso de segurança, autonomia, pertencimento e possibilidade. A arquitetura é a oportunidade para a pedagogia se materializar.
A trajetória de Susanna Moreira na arquitetura foi moldada precocemente por seu envolvimento com a teoria e a pesquisa arquitetônica durante a graduação. Nascida em Salvador, ela também viveu e estudou em Milão e São Paulo — experiências que enriqueceram sua compreensão das dinâmicas interseções entre arte, arquitetura e ambientes urbanos. Esses interesses interdisciplinares continuam a fundamentar sua abordagem curatorial e seu trabalho editorial.
Como Curadora de Projetos do ArchDaily para países de língua portuguesa, Susanna busca projetos que ofereçam contribuições significativas para o debate arquitetônico. Ela valoriza a originalidade, a qualidade e a relevância, questionando constantemente quais lições uma obra pode oferecer em termos de materiais inovadores, técnicas construtivas ou abordagens conceituais. Em uma era de sobrecarga de informações, ela acredita que uma curadoria criteriosa é essencial para construir confiança, aprimorar o aprendizado e destacar trabalhos que realmente se sobressaem.
O modelo Design-Build é um método de entrega de projetos cada vez mais atraente, oferecendo benefícios como maior controle, redução de riscos, eficiência de custos e prazos de conclusão mais rápidos. No cerne dessa abordagem estão o trabalho em equipe e a colaboração, contrastando fortemente com o método tradicional, que separa a etapa de projeto da licitação com preço fechado por parte das construtoras. O Design-Build motiva naturalmente todos os envolvidos a buscar formas de aumentar a produtividade e a qualidade, garantindo equidade e transparência nos custos.
Com curadoria do escritório Cotter & Naessens Architects, o pavilhão da Irlanda na 19ª Mostra Internacional de Arquitetura - La Biennale di Venezia em 2025 apresenta Assembly, que explora o papel da arquitetura na criação de espaços para encontros, discussões e trocas democráticas. Comissionado pela Culture Ireland em parceria com o Arts Council of Ireland, o pavilhão é inaugurado oficialmente por Yvonne Farrell, do Grafton Architects, ao lado de Sharon Barry, diretora da Culture Ireland, e Fionnuala Sweeney, chefe de arquitetura do Arts Council.
https://www.archdaily.com.br/pt/1142844/trabalho-em-pequim-heli-architects-arquiteto-a-de-conceito-arquiteto-a-de-projeto-designer-de-detalhamento-de-interiores-estagiario-a韩爽 - HAN Shuang
Todos os materiais têm uma origem, inseridos em uma cadeia de extração, fornecimento, produção e descarte que, a depender de sua escala, deixa marcas mais ou menos profundas no meio ambiente. Na arquitetura, costumamos abordar essa trajetória sob a ótica da circularidade dos materiais, considerando como eles podem reingressar nos ciclos de produção em vez de se tornarem resíduos. No entanto, ampliar nosso olhar para lugares inesperados revela sistemas paralelos nos quais os subprodutos de uma indústria se transformam em recursos para outra. Essa abordagem encontrou terreno fértil no reaproveitamento de resíduos orgânicos transformados em biomateriais, sendo um dos exemplos mais recentes o trabalho do coletivo Fahrenheit Works. Com a instalação "From the Tagus to the Tile" (Do Tejo ao Azulejo), o grupo reaproveita conchas de ostras inicialmente descartadas pela indústria alimentícia para criar uma releitura dos icônicos azulejos de Lisboa.
Organizada pela Fundação de Istambul para a Cultura e as Artes (İKSV), a 18ª Bienal de Istambul será realizada em três etapas entre 2025 e 2027, mantendo-se como a maior exposição internacional da Turquia dedicada à arte contemporânea. Com curadoria de Christine Tohmé sob o título The Three-Legged Cat, a primeira etapa acontecerá de 20 de setembro a 23 de novembro de 2025. Dando continuidade à abordagem da Bienal de dialogar diretamente com Istambul por meio de um modelo disperso, em vez de uma sede fixa, esta edição utilizará oito locais situados a uma curta distância a pé ao longo do eixo Beyoğlu–Karaköy. Durante esse período, obras de 47 artistas de mais de 30 países serão apresentadas ao público, acompanhadas por uma programação de performances, exibições e eventos ao vivo durante a semana de abertura.
Entre 19 e 20 de agosto de 2025, milhares de espectadores assistiram a um dos maiores edifícios de madeira da Suécia ser suspenso sobre vigas e transportado sobre rodas pela cidade. A Igreja de Kiruna, construída entre 1909 and 1912, foi projetada para remeter à forma de uma cabana Sámi no extremo norte do país, dentro do Círculo Polar Ártico. A edificação foi projetada pelo arquiteto Gustaf Wickman, que atuava como arquiteto da igreja na época, e combina elementos do estilo neogótico com um altar em Art Nouveau. O edifício, uma das principais atrações turísticas da cidade, foi transferido para um novo local, entre o cemitério e o novo centro urbano, a fim de evitar danos causados pela expansão da mina local.
Fundado em Xangai em 2016, a atuação do Atelier Tao&C abrange projetos de diversas escalas e tipologias, desde uma luminária de suspensão até um quarteirão inteiro, de interiores de microapartamentos urbanos à reforma de antigas casas rurais, de pequenas lojas de rua a residências compartilhadas para jovens. Alinhados à nossa prática projetual, também nos dedicamos a pesquisas voltadas para a reabilitação de edifícios existentes e a organização espacial de habitações.
Nossos projetos não se limitam por tipologia ou escala. Em cada processo de design, dedicamos atenção especial à escala, à tectônica, às relações de proximidade e intimidade, e à harmonia entre o passado e o imediato. Por meio da investigação e compreensão das tipologias, buscamos revelar o potencial latente de cada local.
Nossa abordagem metodológica consiste em recuar para o interior, permitindo que o espaço se desenvolva de dentro para fora e rompa seus limites, estabelecendo conexões no interstício frequentemente negligenciado entre a arquitetura e os espaços internos. Buscamos criar uma percepção de escala global, sutil e equilibrada entre o exterior e o interior por meio de formas elementares, proporções claras e variações inesperadas de corte. Ao resgatar materiais locais diretos e cotidianos, bem como técnicas vernáculas de construção, traduzimo-los em uma expressão profunda de artesanato e detalhamento, permitindo que a vida cotidiana se desdobre com toda a sua complexidade a partir da simplicidade.
As obras do escritório foram publicadas em livros de editoras renomadas como Gestalten e Phaidon, além de amplamente divulgadas em importantes mídias de arquitetura e design nacionais e internacionais, tais como The Architectural Review, Domus, The Plan, AIT, Azure, Wallpaper*, ArchDaily, Dezeen, Yellowtrace e Divisare.
À medida que o entusiasmo em torno da inteligência artificial continua a reformular a nossa visão de mundo, o ano de 2025 se aproxima como mais um marco na trajetória do avanço tecnológico. Enquanto parte da sociedade se preocupa com o domínio da tecnologia no cotidiano, profissionais de arquitetura direcionam sua atenção para as fundações de um futuro digital: os data centers. O projeto de data centers desafia profissionais de design a conciliar as demandas de funcionalidade tecnológica com os princípios da excelência arquitetônica. À medida que se aprofunda a dependência em relação à computação em nuvem, aos ecossistemas de IoT e à análise de big data, a arquitetura dos data centers exige maior atenção. Conforme o consumo de dados dispara, as taxas de consumo dessas instalações acompanham essa demanda de forma proporcional. Antes relegadas a zonas industriais genéricas, essas estruturas agora se tornam componentes essenciais dos ambientes urbanos e suburbanos. Embora parte da comunidade local se mostre preocupada com o avanço dos data centers em suas regiões, outros grupos os enxergam como vetores de desenvolvimento econômico.
“Glen and Anna Harder House, Mountain Lake, Minnesota,” 1970. Transparência colorida, 4 x 5 pol. Copyright J. Paul Getty Trust, Getty Research Institute, Los Angeles (2004.R.10). Foto: Julius Shulman. Doação de 2025 ao Art Institute of Chicago para a exposição “Bruce Goff: Material Worlds”. Imagem cortesia de Graham Foundation
A Graham Foundation for Advanced Studies in the Fine Arts anunciou US$ 573.300 em subsídios para 39 organizações em todo o mundo. Selecionados entre mais de 200 propostas, os prêmios de 2025 apoiam uma ampla gama de iniciativas, incluindo exposições, instalações, publicações, podcasts, periódicos editados por estudantes, eventosinternacionais de arquitetura e programas públicos que contribuem para o avanço do debate arquitetônico e da experimentação no design. Ao longo de quase sete décadas, a Graham Foundation destinou mais de US$ 45 milhões em apoio direto a mais de 5.200 projetos. Ao incluir os novos premiados de 2025, a Fundação busca continuar fortalecendo sua rede internacional de profissionais e organizações que promovem ideias arquitetônicas e o engajamento público em escala global.
Strada Brutalissima. Pavilhão da República da Macedônia do Norte na 19ª Bienal de Arquitetura de Veneza, 2025. Imagem cortesia de Blagoja Bajkovski
O Pavilhão da República da Macedônia do Norte na 19ª Bienal de Arquitetura de Veneza é dedicado à arquitetura brutalista de sua capital, Skopje. Esse movimento arquitetônico conferiu à cidade uma identidade marcante após o terremoto que a atingiu em 1963. Segundo o curador do pavilhão, o arquiteto Blagoja Bajkovski, no período posterior ao desastre, Skopje adotou o brutalismo a partir de diversas fontes. Uma das mais importantes foi o plano de reconstrução de Kenzo Tange, desenvolvido após um concurso internacional organizado pelas Nações Unidas em 1965. A exposição, intitulada Strada Brutalissima, retrata essa identidade, os eventos que a moldaram e as edificações que continuam a representá-la por meio de uma série de maquetes de arquitetura. Inspirado na Strada Novissima da Bienal de Arquitetura de Veneza de 1980, o projeto reinterpreta o conceito de uma "rua" expográfica, desta vez centrada no patrimônio brutalista de Skopje.
No design contemporâneo de escolas de educação infantil no Japão e na China, arquitetos e arquitetas estão transformando os espaços internos, deixando de lado o conceito de mero recipiente para criar um ambiente multissensorial ativo. Essa transição parece acompanhar estudos em psicologia do desenvolvimento que sugerem que a experiência espacial da criança começa com um engajamento sensório-motor, por meio do toque e da manipulação. Dessa forma, esses projetos dão grande ênfase ao uso de materiais e à abordagem do aprender brincando. Arquitetos e arquitetas parecem estar indo além das salas de aula tradicionais, criando ambientes táteis, estimulantes e enraizados em seus contextos específicos. Os próprios edifícios se tornam ferramentas pedagógicas, incentivando as crianças a aprender e explorar por meio do engajamento físico direto.
Historicamente, a arquitetura produziu muitos edifícios icônicos moldados por visões singulares — muitas vezes projetados de forma unilateral para usuários/as, comunidades e cidades. Se por um lado essa abordagem de cima para baixo (top-down) viabilizou uma forte coerência formal e clareza conceitual, por outro, ela priorizou a autoria em detrimento do engajamento. O resultado: projetos que podem ser celebrados como visionários, mas que frequentemente parecem desconectados das realidades cotidianas de quem os habita.
Projetar para o outro é inerentemente complexo. Na condição de arquitetos/as, frequentemente recebemos a tarefa de criar ambientes para comunidades com as quais podemos não ter nenhuma familiaridade pessoal ou cultural. Esse distanciamento, contudo, pode oferecer uma objetividade valiosa. Ele nos permite abordar perspectivas diversas com um novo olhar, analisando criticamente as necessidades e limitações de múltiplas partes interessadas. Por meio desse processo, a disciplina da arquitetura avançou — expandindo fronteiras no pensamento espacial, na inovação de materiais e na experimentação estrutural.
Seja para concursos de projeto ou prêmios de arquitetura, os edifícios são frequentemente julgados pelo que oferecem — as funções programadas, a forma ou o deleite visual. Em uma minoria de casos, é a ausência ou a redução da intervenção que torna um projeto bem-sucedido. Em 1971, um renomado concurso de arquitetura em Paris foi vencido por uma proposta que utilizava apenas metade do terreno disponível, destinando o restante como espaço urbano para a cidade. Em Londres, uma proposta de conversão de uma usina de energia desativada com adições mínimas, deixando grandes espaços intocados, venceu um concurso de projeto em 1994. O Stirling Prize, o prêmio de arquitetura mais prestigiado do Reino Unido, foi vencido em 2017 por uma proposta que consistia em pouco mais do que uma plataforma vazia. Esses exemplos de edifícios culturais no noroeste da Europa ilustram como a ausência de intervenção pode oferecer mais.
O Ministério do Planejamento Espacial, Urbanismo e Bens Estatais de Montenegro anunciou os resultados do concurso internacional para o novo Distrito de Museus e Parque de Arte e Cultura em Podgorica. A proposta vencedora, liderada pelo escritório a-fact architecture factory (com sedes em Milão e Londres) em colaboração com LAND, Maffeis Engineering e Charcoalblue, foi selecionada entre 48 candidaturas por um júri internacional. O projeto prevê um novo distrito cultural que reunirá três instituições — o Museu de Arte Contemporânea, o Museu de História Natural e a Casa da Arquitetura — em uma paisagem que reconecta a cidade ao Rio Morača.
O pedido de licenciamento urbanístico do Oxford United Football Club para um novo estádio de futebol totalmente elétrico foi aprovado pelo Conselho Distrital de Cherwell. O projeto foi desenvolvido por uma equipe que inclui o escritório AFL Architects, os serviços de engenharia da Mott Macdonald, o projeto de paisagismo da Fabrik landscape design e a consultoria de ambiente construído Ridge and Partners. Projetado para uma capacidade de 16.000 espectadores, o plano diretor também prevê um espaço para eventos com capacidade para 1.000 pessoas, um hotel com 180 quartos, um restaurante, um centro de saúde e bem-estar e uma nova praça pública com jardins.
Esta edição do Architecture Now reúne projetos que exploram como a arquitetura está remodelando portais globais, destinos culturais e a vida urbana. O projeto do SOM para o novo Saguão de Embarque e Desembarque em Austin e a proposta da Scott Brownrigg para o Heathrow West destacam o aeroporto como um limiar cívico, enquanto o complexo de três torres do escritório Kerry Hill Architects em Brisbane prioriza o espaço público e as paisagens subtropicais na habitação de alta densidade. A torre à beira-mar do escritório Zaha Hadid Architects na Flórida dá continuidade à tradição costeira escultórica de Miami, e o Japa Valley Tokyo, de Pharrell Williams e NIGO, apresenta um distrito cultural temporário que mescla arte, hospitalidade e varejo. Juntas, essas iniciativas refletem como infraestrutura, estilo de vida e design se cruzam para definir a experiência urbana contemporânea.
As casas-pátio representam uma das tipologias arquitetônicas mais perenes, sintetizando a dualidade entre abertura e reclusão ao mesmo tempo em que promovem uma profunda conexão com a natureza. Embora o termo também seja utilizado no mercado imobiliário norte-americano contemporâneo para descrever residências térreas de baixa manutenção em lotes pequenos, seu significado arquitetônico clássico refere-se a um projeto introvertido, organizado em torno de um pátio central privado. É essa forma tradicional, tema deste artigo, que remonta a milhares de anos. As casas-pátio surgiram de forma independente em várias regiões do mundo, respondendo universalmente a necessidades humanas fundamentais: privacidade, adaptabilidade climática e coerência espacial. Apesar das diversas expressões geográficas e culturais, os princípios fundamentais de introversão, abertura controlada e sensibilidade ambiental permanecem notavelmente consistentes ao longo da evolução dessa tipologia.
Há quase 65 anos, a marca DETAIL é sinônimo de pesquisa minuciosa e documentação arquitetônica abrangente. Os artigos da revista e os livros especializados demonstram como uma arquitetura excepcional é planejada, projetada e executada. Eles oferecem um conhecimento aprofundado sobre construção civil, tipologias edilícias e aspectos técnicos da arquitetura.
A DETAIL tornou-se especialmente renomada por seus desenhos construtivos, que são cuidadosamente pesquisados pela equipe editorial e redesenhados por uma equipe interna de CAD em um estilo padronizado.
A República do Kosovo leva este ano para a 19ª Bienal de Arquitetura de Veneza a exposição intitulada Lulebora nuk çel më. Emerging Assemblages. A mostra foi encomendada pela Galeria Nacional do Kosovo e tem curadoria do/a arquiteto/a, designer interdisciplinar e pesquisador/a Erzë Dinarama. Ao refletir sobre a transformação das paisagens agrícolas do país no contexto do desenraizamento ecológico e dos sistemas de conhecimento corporificados sob pressão climática, a instalação oferece uma exploração sensorial do trabalho de campo kosovar. Combinando uma variedade de solos locais com um calendário olfativo suspenso, o Pavilhão convida os/as visitantes a imaginar por meio do tato e do olfato.
