10月，由驻地建筑师苏马雅·瓦利（Sumayya Vally）在伦敦市中心重新构想的全新文化空间 Ibraaz 将正式开放。该倡议由卡梅尔·拉扎尔基金会（Kamel Lazaar Foundation）发起，旨在聚焦“全球多数群体”（Global Majority，即非洲裔、亚洲裔、原住民和拉丁美洲裔等占世界人口大多数的群体）的艺术、文化与思想。该项目试图通过在单一场所内创造一个“由许多世界组成的世界”（world of many worlds）来连接本地与全球的对话。这座六层、面积达10,000平方英尺（约930平方米）的建筑历经多次功能演变，曾先后作为犹太会堂、住宅、俱乐部，直至如今的文化中心。
在威尼斯，这座被无与伦比的建筑之美所环绕的城市——仅举几例，就有圣马可大教堂（Basilica di San Marco）的恢弘壮丽、圣马可广场的开阔气派，以及里亚尔托桥（Rialto Bridge）的典雅风姿 —— 人们很容易沉醉于那些标志性的景观意象与城市空间的壮美之中。然而，人们可能会忽略，在威尼斯建筑肌理的细节处理中，那些静谧却同样精湛的匠心所在。除了这些宏伟景观，这座城市还以其蜿蜒曲折的小巷、狭窄幽深的运河和充满活力的街头生活而丰富多姿 —— 每一处都为威尼斯独特的文化画卷增添了浓墨重彩的一笔。然而，在这些备受赞誉的元素之中，却隐藏着一些往往被人忽视的、微妙却非凡的建筑细节。这些细节值得更细致的观察与思考，因为它们展现出另一种精湛技艺 —— 这种技艺植根于材料的精准运用、工艺的匠心独运，以及与城市生活节奏的紧密契合。
距离标志性的圣马可广场仅几步之遥，两位建筑大师正展开一场静谧的建筑对话。步行短短一分钟内，两座精心雕琢的建筑便近在咫尺：一座是卡洛·斯卡帕（Carlo Scarpa）设计的奥利维蒂（Olivetti）展示厅，这座建筑长久以来都是建筑师与设计师心中的圣地；另一座则是近期重新开放的旧行政官邸大楼（Procuratie Vecchie），由大卫·奇普菲尔德建筑事务所（David Chipperfield Architects）修复完成。深入探究这两座建筑中蕴含的细节，便会发现一场跨越时空的精彩交流 —— 这场交流通过材料语言、空间精度以及对工艺的执着坚守而得以呈现。
随着城市和基础设施不断演进，以满足不断变化的文化、环境和社交需求，全新的建筑项目正在重新定义公共空间和市政机构的运营方式。本期Architecture Now汇集了不同语境和规模的方案：在屋久岛，让·努维尔（Jean Nouvel）将 NOT A HOTEL 的精品度假村嵌入了联合国教科文组织（UNESCO）列入名录的森林景观中；在纽约市，Rossetti 与 WSP 正在筹备阿瑟·阿什球场的大规模改造，以扩大容量并提升观众体验；在多伦多，Diamond Schmitt 与 gh3* 合作的大型重木结构、净零能耗急救站已动工；而在英吉利海峡对岸，Hollaway Studio 正在主导 LeShuttle 英国和法国航站楼的改造，致力于将其打造为更无缝、更可持续的出行门户。这些项目共同反映了设计如何使现有系统和景观适应新形式的公共生活。
剧院、音乐厅和歌剧院不仅仅是演出场所——它们是精心打造的环境，建筑、技术与人类情感在此交融汇聚。与普通建筑不同，这些空间必须兼顾声学效果、视线设计、舞台机械以及观众参与度之间的动态互动，同时还要保持一种与表演者和观众均能产生共鸣的建筑特质。无论是葡萄园式音乐厅所带来的沉浸式环绕体验，还是镜框式舞台剧院的恢宏气势，每一个设计决策都影响着人们对演出的感受与记忆。
戴蒙德·施密特建筑事务所（Diamond Schmitt Architects）近期出版的《场景片段：十五个片段中的表演艺术建筑》（SET PIECES: Architecture for the Performing Arts in Fifteen Fragments）一书，通过案例研究与反思探讨了这些复杂性。受该书启发，本文审视了表演空间设计需考虑的关键要素，从声学工程到剧院在城市生活中不断演变的作用。
无论是设计竞赛还是建筑奖项评选，建筑物往往因其所提供的价值而受到评判 —— 诸如规划的功能、建筑形态，或是视觉美感。然而在少数案例中，恰恰是“不介入”或“减少介入”的设计策略成就了项目的成功。1971 年，巴黎一场备受瞩目的建筑竞赛中，获胜方案仅使用了半数可用场地，将剩余空间作为城市公共区域归还给城市。1994 年，伦敦某设计竞赛的获奖方案提出以最小化加建改造一座废弃发电站，保留其大面积原始空间。2017 年，英国最具声望的建筑奖项 —— 斯特林奖（Stirling Prize）的得主，竟是一个近乎空置的平台式建筑。这些来自西北欧的文化建筑案例表明：有时候，“不介入”反而能创造更多价值。
“舞吧，舞吧……否则我们便迷失了。”皮娜·鲍什（Pina Bausch）这句常被引用的名言，不仅道出了身体移动的紧迫性，也揭示了其展现空间本身的能力。在她的编舞中，空间绝非中立的背景，而是化作了伙伴、障碍与记忆。地板倾斜，座椅堆叠，墙壁或带来压迫，或赋予释放。这些都是建筑情境，是通过身体来呈现并进行博弈的过程。鲍什所揭示的——也是建筑学常常遗忘的——是空间不仅是被建造出来的，更是被演绎出来的。她的作品邀请建筑师不仅要从材料和形式的角度去思考，还要从姿态、关系和节奏的维度去考量。它表明，建筑与舞蹈一样，归根结底关乎我们如何栖居、构建并在我们穿行的空间中注入情感。
在历史上，建筑与舞蹈一直平行发展，通过身体在时空中的定位来塑造人类体验。从古典神庙中编排好的仪式，到巴洛克宫殿的轴线逻辑，建成空间始终暗示着运动。包豪斯（Bauhaus）则更进一步，奥斯卡·施莱默（Oskar Schlemmer）的《三女神芭蕾》（Triadic Ballet）将空间具象化为身体的几何延伸。这不仅是舞台布景，更是转化为动态的空间思维。到了20世纪，诸如威廉·福赛斯（William Forsythe）和安妮·德雷莎·德·凯尔斯马科（Anne Teresa De Keersmaeker）等编舞家将建筑的约束条件融入他们的舞谱中；与此同时，诸如斯蒂文·霍尔（Steven Holl）、Diller Scofidio + Renfro以及伊东丰雄（Toyo Ito）等建筑师则设计出了如空间序列般展开的建筑，引导人们在其中穿行、流连与驻足。
首届哥本哈根建筑双年展于今日开幕，并将持续至10月19日。在此期间，哥本哈根市将转变为一个开展建筑对话与交流的平台。这一全新双年展由CAFx（哥本哈根建筑论坛）主办，在原先的哥本哈根建筑节基础上发展而来，从一年一度的活动模式转型为一个范围更广、更具雄心的建筑探索平台。双年展由 CAFx 首席执行官兼创始人、2023年威尼斯建筑双年展丹麦馆策展人 Josephine Michau 领衔，并以“慢下来”（Slow Down）为主题启动。该主题旨在反思社会如何通过重新思考建成环境的变革节奏，来应对人口快速增长、资源消耗和环境挑战带来的压力。这一主题立足于“大减速”（Great Deceleration）的概念，邀请参与者共同设想能够促进可持续性、长寿性以及对建成环境进行审慎互动的空间。
扎哈·哈迪德建筑事务所（Zaha Hadid Architects）为香港北大屿海岸公园保护区设计的数字化制造海洋栖息地，近日在伦敦举办的世界设计大会（World Design Congress）展览上展出。此次活动于9月9日至10日在巴比肯艺术中心（Barbican Centre）举行，该中心是世界上最著名的粗野主义建筑代表之一。大会以“为地球设计”（Design for Planet）为主题，呼吁设计师和设计委托方承担起迄今为止最关键的任务：面对气候变化，设计一个具有再生能力的未来，并探讨设计作为环境行动工具的作用。在此背景下，扎哈·哈迪德建筑事务所推出了“Nereid”——这是一个由 D-Shape 采用先进3D打印技术开发的数字化制造栖息地，旨在支持海洋生态系统的自然再生。
公共空间长久以来一直是建筑思想的核心议题，其讨论往往围绕规划、基础设施和管理规范展开。从奥斯曼改造的巴黎到当代总体规划，建筑师们一直致力于通过空间工具来界定和规范集体生活。然而，在这些框架之外，艺术家们不断提供理解与栖居公共空间的别样方式 —— 这些方式不依赖于建造或永久性，而是依托于在场、感知与参与。通过行动、物件或氛围的营造，艺术家们将城市视为摩擦与想象的场域。这些举动挑战了建筑领域的传统惯例，并促使人们重新审视公共空间，它并非一种已解决的固定形态，而是一个充满变数且开放的过程。
在今年第16届阿卡汗建筑奖的七个获奖项目中，包括了位于埃及南部的“历史名城埃斯纳复兴项目”。该项目由总部位于开罗的 Takween 事务所主导，其意义远超单纯的古迹修复。这是一个将深度社区参与同物质与非物质文化遗产保护有机结合的综合性城市更新实践。该倡议通过创造数千个就业岗位并修复历史中心，为避免大拆大建提供了一条强有力的替代路径。阿卡汗文化信托基金（Aga Khan Trust）盛赞其为“可复制的可持续发展模式”。
今年迎来了首届 VELUX 日光研讨会举办 20 周年。二十年来，这一平台见证了人们对建筑环境中日光作用的无数真知灼见、创意灵感与不懈探索。自 2005 年初创以来，该研讨会已逐渐成长为日光领域跨学科对话的国际顶尖论坛。
第十届研讨会将在哥本哈根市中心举行，届时将再次汇聚科研人员、建筑师、工程师及政策制定者，共同探讨日光在建筑与设计中不断演变的角色。在这里，科学研究与行业实践将碰撞交融，共同总结过往经验，并展望城市及空间中日光的未来。欢迎于 2025 年 9 月 18 日 09:00 至 17:30（中欧夏令时间）加入线上直播。
《内在性：旨在实现地域平衡的建筑构想》是第 19 届威尼斯建筑双年展西班牙展览的主题。该展览由加利西亚建筑师 Roi Salgueiro Barrio 和 Manuel Bouzas Barcala, 联合策展，展馆中央展厅所呈现的项目旨在“探索西班牙建筑脱碳的关键策略”。
克里斯蒂安·德·包赞巴克（Christian de Portzamparc）被宣布为由创意者设计奖（CDA）颁发的2026年安德烈·普特曼终身成就奖获得者。该奖项表彰了他在建筑与城市规划领域的深远影响，使他跻身于以作品塑造建成环境和文化话语的杰出实践者之列。颁奖典礼将于2026年1月17日在巴黎举行，届时包赞巴克将亲自出席领奖。
2014年至2019年间，极端组织“达伊沙”（ISIS）占领并控制了伊拉克和叙利亚的部分领土，其中包括北部城市摩苏尔。据联合国教科文组织估算，在此期间，摩苏尔古城80%的历史建筑遭到损毁，这也促成了近几十年来最具雄心的重建行动之一：“重振摩苏尔精神”（Revive the Spirit of Mosul）。自2019年以来，联合国教科文组织致力于重塑该市的城市景观与历史遗迹，重建了老城内的3处宗教和文化地标、124栋历史民居以及其他建筑。该项目主要围绕三大支柱展开：修复重要文化遗产、促进文化生活回归以及强化教育空间。2025年9月1日，伊拉克总理为三大地标建筑——努里清真寺建筑群、阿尔萨阿修道院和阿尔塔赫拉教堂举行了落成典礼，标志着这一修复工程圆满竣工。
自 1987 年建成启用以来，作为双A级小联盟球队南弯小熊队（South Bend Cubs）主场的四风球场（Four Winds Field）历经了多次改建与蜕变。在每一次的变化中，砖石始终是核心的建筑元素，传递着传统、持久感以及鲜明的城市特质。如今，随着一项重大扩建工程的推进，该体育场在延续这一历史传承的同时，积极引入创新的建造技术——最显著的便是将薄砖（thin brick）作为一种当代解决方案融入其中，既向历史致敬，又确保了技术性能毫不妥协。
椰枣树（Phoenix dactylifera）根系深茂、树干坚韧，且能承受极端温度，是自然界中最能适应干旱荒漠环境的物种之一。在许多当地原住民文化中，椰枣树被誉为“生命之树”，这绝非偶然。千百年来，它们的果实、叶片和树干源源不断地为人类提供食物、庇护所和建筑材料。可以说，若没有椰枣树，人类在荒漠地区的大部分定居活动便无从谈起。如今，这一物种已在世界各地的沙漠地区广泛种植，继续支撑着传统的农业实践；而在当代研究人员的推动下，其潜在价值有望得到更深层次的挖掘与拓展。
Utopian Hours 作为欧洲首屈一指的城市共建与城市创新盛会，将重返都灵。为期三天的活动灵感澎湃，涵盖大师班、主题演讲、工作坊、圆桌论坛和展览。来自全球的实践方案与案例研究将展示城市（及社会）创新的发生路径，并揭示“城市塑造”这一概念如何朝着大胆的新方向拓展。届时，40多位国际嘉宾、最具影响力的媒体、顶尖的城市规划大师以及欧洲最敏锐的市政官员将齐聚都灵，共同交流想法、工具、经验、解决方案、愿景与激情。
我们生活的空间充满了活动、行为与相遇：准备食物的厨房、汇聚交流的客厅、高效工作的办公室。在这一切之中，有一些元素虽不显眼，却将我们的体验与周围环境紧密相连：开关、插座与电工面板。这些装置不仅承担着电能分配的功能，更构建并促进了人与空间的互动。它们作为连接功能与动线的节点，同时也强化了室内空间的美学特征。
在第19届威尼斯国际建筑双年展上，韩国馆以“小蟾蜍，小蟾蜍：解构展馆”（Little Toad, Little Toad: Unbuilding Pavilion）迎来其落成30周年。该展览由韩国艺术委员会（ARKO）委托，并由郑多英（Chung Dahyoung）、金熙贞（Kim Heejung）和郑成奎（Jung Sungkyu）组成的策展建筑集体（CAC）策划。展览汇聚了建筑师和艺术家金贤钟（Kim Hyunjong）、朴希灿（Heechan Park）、杨艺娜（Young Yena）以及李丹美（Lee Dammy），批判性地重新审视了作为物理结构和符号空间的展馆，在追溯其自1995年落成以来的发展轨迹之余，也对其未来的可能性展开了推测。
英国建筑师、高技派建筑先驱及 Grimshaw 建筑事务所创始人尼古拉斯·格雷姆肖爵士（Sir Nicholas Grimshaw）逝世，享年85岁。在长达五十余年的职业生涯中，他致力于公共与基础设施项目的设计，强调结构的清晰性、先进的工程技术以及实用性。他的代表作包括：原伦敦“欧洲之星”终点站——滑铁卢国际车站；位于康沃尔郡的伊甸园项目（Eden Project）；《金融时报》印刷厂；以及遍布全球的众多大型交通枢纽。2002年，他因对建筑领域的杰出贡献而被授予爵士勋衔，协助定义了英国乃至国际设计的一个时代。他曾于2004年至2011年间担任皇家艺术研究院院长，并于2019年荣获英国皇家建筑师学会（RIBA）皇家金奖。
在柏拉图的洞穴隐喻中，光象征着知识：正是光指引着人类走出愚昧的阴影，走向真理。在许多宗教中，光也常与神性相联，是神圣之物的具象化呈现。随着时间的推移，光不再仅仅是理性的符号，而是化身为一种诉诸感知的媒介，一种能够塑造氛围、影响知觉并揭示深层意义的“活性材料”。
例如，在安藤忠雄静谧的空间中，光得到了大师级的运用，如神圣之物般在混凝土墙壁间悄然渗入。在阿尔瓦·阿尔托的建筑中，光经过精细的调校，与北欧的天空进行着温和的对话。在詹姆斯·特瑞尔的沉浸式装置中，光则幻化为实体、色彩与切身体验。然而，光同样显现于最寻常的笔触之中：每一个定位精准的窗洞，或是每一道精心勾勒、旨在揭示隐秘之物的阴影。犹如面对乐谱和管弦乐队的指挥家，建筑师得以“以光谱曲”，借此强调体量、柔化边界，并为我们所栖居的空间注入律动与张力。
构思的初始阶段往往是设计过程中最令人兴奋、也最具挑战性的部分。灵感涌现虽快，却往往抽象且难以沟通，容易导致反复和挫败，从而浪费宝贵的时间。
如今，建筑师、设计师和艺术家可以通过将传统构思方法与 AI 辅助的视觉化工具相结合，从而缩短从初始草图到确立设计决策之间的距离。这些工具旨在增强而非取代人类的创造力。Chaos 工具将创作者始终置于流程的核心，在不牺牲设计主导权或控制力的前提下，赋予他们更高效、更直观的表达能力。
阿拉木图艺术博物馆在哈萨克斯坦正式开馆，为中亚乃至国际建立起一座致力于当代艺术的新文化地标。该博物馆由查普曼·泰勒（Chapman Taylor）设计，坐落于天山山脉脚下，总建筑面积达10,060平方米。其设计灵感源自阿拉木图城市与其周边山地环境的对比，这一关系通过两个相互连接、分别覆盖着石灰石和铝板的体量得以展现。这两个体量围绕一个光线充足的中央中庭展开。该中庭被称为“艺术街”，是主要的交通流线和人员聚集空间。
Lina Ghotmeh — Architecture 建筑事务所近期公布了“阿尔乌拉沉浸式住宅”（AlUla Immersive Living）项目的效果图。该项目是一座设想自沙特阿拉伯沙漠景观中生长而出的住宅。其建筑形态由场地的光影与风向塑造，根植于当地气候，介于巨石与沙丘之间。设计遵循“避难所既属于沙漠，也属于其居住者”的理念，并呈现出一种“活着的景观”状态。建筑主体由厚重的夯土墙构成，与框景天空的开放式平台形成对比。它被视为一种“不为主导，只为盛纳”的建筑宣言，在提供庇护的同时又不切断与外界的联系，充分体现了建筑师莉娜·高特玛（Lina Ghotmeh）融汇文脉、手艺与人文关怀的设计立足点。
