Al momento de crear espacios de exposición, el diseño de la experiencia, la propuesta de recorrido o la transmisión de ciertas percepciones y sentidos aportan a la creación de diferentes vínculos y conexiones entre los objetos exhibidos y sus visitantes. Entendiendo el carácter de un showroom como aquel espacio pensado para mostrar productos y servicios de forma creativa y experiencial, ¿qué estrategias de diseño podrían mejorar las experiencias interiores de sus usuarios? ¿cómo dialoga el diseño de interiores con la arquitectura de exposición?

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"Los límites de nuestro lenguaje de diseño son los límites de nuestro pensamiento de diseño". La declaración de Patrik Schumacher sugiere sutilmente un cambio en el entorno construido, que va más allá de la mera integración tecnológica para adoptar la inteligencia en los espacios y ciudades que habitamos. El futuro plantea la posibilidad de que los edificios cumplan funciones que trasciendan el albergar la actividad humana, participando activamente en la configuración de la vida urbana.

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Studio Gang, liderado por Jeanne Gang, ha revelado su diseño para el paseo peatonal Colorado 150 (Colorado 150 Pedestrian Walkway), un nuevo proyecto de infraestructura cívica encargado por el gobernador Polis y la Comisión América 150-250. Con una superficie de 1,020 metros cuadrados (11,000 pies cuadrados), el paseo se concibe tanto como un hilo conductor urbano como un paisaje conmemorativo que celebra el 150.° aniversario de la condición de estado de Colorado. Ubicada estratégicamente en el centro de Denver, la intervención conecta espacios públicos y monumentos clave, mejorando la accesibilidad peatonal y fomentando al mismo tiempo una experiencia multifacética de arte, cultura e historia. Con su finalización prevista para julio de 2026, diversos atractivos como miradores, monumentos, nuevas obras de arte público de artistas de Colorado, áreas de juego y elementos interpretativos buscarán invitar a las personas usuarias a explorar, reunirse y reflexionar a lo largo de la ruta.

El diseño preliminar para la restauración arquitectónica y la rehabilitación funcional del Teatro Romano se presentó el martes 8 de abril de 2025 en el Auditorio del Museo de Santa Giulia en Brescia. El proyecto fue desarrollado por la oficina de Milán de David Chipperfield Architects, por encargo de la Fondazione Brescia Musei en colaboración con el Ayuntamiento de Brescia y la Cámara de Comercio, Industria, Artesanía y Agricultura de Brescia. Chipperfield recibió la tarea de identificar los elementos arquitectónicos esenciales para guiar las futuras fases de diseño, lo que condujo a la redacción del Proyecto de Viabilidad Técnico-Económica (PFTE) y del proyecto final, incluyendo las autorizaciones necesarias. Esta iniciativa cuenta con el apoyo financiero de la Cámara de Comercio Italiana en virtud de un decreto ministerial de 2019 que prioriza el patrimonio cultural, especialmente cuando este impulsa el turismo.

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ArchDaily busca un/a copywriter independiente con experiencia en arquitectura y un agudo instinto de marketing para ayudarnos a contar nuestra historia de manera clara, segura y creativa. Este rol representa una oportunidad emocionante para contribuir estratégicamente a la voz y el mensaje de nuestra marca, definiendo la forma en que nos conectamos con los/las arquitectos/as y el público en general. No se trata de un puesto editorial de tiempo completo con una alta demanda de volumen, sino de una colaboración bajo demanda, ideal para alguien con sólidas habilidades de redacción que comprenda la arquitectura pero que, a la vez, piense como estratega de marca, narrador/a de historias y especialista en marketing.

Como un espacio de renacimiento, la ciudad de Muharraq en Baréin ha experimentado una visionaria transformación cultural y urbana, consolidándose como un modelo pionero de regeneración de base cultural en el mundo árabe, particularmente en la región del Golfo. Antigua capital de la industria de la pesca de perlas del país, Muharraq ha preservado, reinterpretado e integrado su legado histórico en su tejido urbano en constante evolución.

Frente al desafío de redefinir su futuro —marcado por una traza urbana intacta pero con estructuras arquitectónicas en deterioro—, Muharraq proyectó una narrativa urbana lineal que entrelaza la memoria de esta industria a través de una secuencia de edificios clave. La ciudad se propuso conectar los distintos inmuebles vinculados a su pasado perlero, como las viviendas de quienes se dedicaban al buceo, la capitanía de barcos y el comercio de perlas.

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El agua actúa como un catalizador de experiencias sensoriales: se manifiesta mediante el contacto físico al tacto, por su presencia al ser escuchada o vista reflejada, y a través de sus transformaciones, ya sea por la temperatura —del frío al calor— o por su estado físico —de líquido a vapor—. Es un elemento clave en el diseño para los sentidos, capaz de evocar atmósferas que se perciben tanto física como emocionalmente. Como sugiere Juhani Pallasmaa, la arquitectura no se dirige únicamente a la vista, sino que involucra a todo el cuerpo y a la memoria sensorial. El cuarto de baño, en particular, concentra gran parte de la experiencia física y emocional asociada al agua, lo que abre la posibilidad de crear entornos que intensifiquen esa conexión sensorial. Ante esto, surge una pregunta: ¿qué elementos o conceptos deben dar forma a este espacio para que la experiencia de la ducha escape de lo ordinario?

En la arquitectura, la mayoría de las prácticas giran en torno a la entrega de proyectos a los clientes. Las oficinas están moldeadas por plazos, presupuestos y documentos claros. Aunque esta estructura produce edificios, rara vez deja espacio para que los arquitectos/as cuestionen temas más amplios — sobre cómo vivimos, cómo están cambiando las ciudades, o qué exige el futuro del diseño. Pero junto a este sistema enfocado en la producción, ha surgido un movimiento más silencioso: estudios, colectivos y fundaciones que priorizan la investigación, la experimentación y la reflexión. Estos son los think tanks de arquitectura — espacios diseñados no para construir de inmediato, sino para pensar primero.

La idea de un think tank no es nueva. Tradicionalmente encontrados en la política, la economía o la ciencia, los think tanks reúnen a expertos para estudiar problemas complejos y proponer soluciones. En la arquitectura, su auge revela una tensión en el corazón de la disciplina. Si la arquitectura ha de seguir siendo social y ambientalmente relevante, ¿puede seguir confiando solo en prácticas impulsadas por los clientes? ¿O debe abrir espacio para una indagación más lenta y profunda?

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El Máster en Arquitectura Avanzada del IAAC celebra su 25.º aniversario como uno de los programas con mayor visión de futuro en la enseñanza de la arquitectura. Fundado en el año 2000 en Barcelona, el programa nació como un espacio de experimentación donde el diseño se encuentra con la tecnología, la ecología y el pensamiento crítico, lejos de las convenciones de la formación arquitectónica tradicional.

A lo largo de los años, el programa ha recibido a más de 1,000 estudiantes de más de 80 países. Esta diversidad internacional no es fortuita; al contrario, refleja la manera en que el IAAC entiende la innovación: como un proceso que se nutre del diálogo, la diversidad y la ambición compartida. El resultado es una red de profesionales que trabajan en la intersección del diseño, la investigación y el cambio sistémico.

En la 19ª Exposición Internacional de Arquitectura de La Biennale di Venezia, el Dicasterio para la Cultura y la Educación presenta "Opera Aperta", un proyecto que posiciona a la arquitectura como una práctica de cuidado y responsabilidad colectivos. Bajo la curaduría de Marina Otero Verzier y Giovanna Zabotti, Opera Aperta se sitúa en el Complejo de Santa Maria Ausiliatrice, en el distrito de Castello en Venecia. Diseñado por Tatiana Bilbao ESTUDIO y MAIO Architects, el proyecto transforma el espacio de 500 metros cuadrados en un lugar para la restauración colaborativa y la participación ciudadana. Concebida como una obra en desarrollo y no como una instalación terminada, Opera Aperta funciona como una plataforma para el intercambio continuo, la participación y el compromiso arraigados en el contexto local. Este enfoque abierto y orientado al proceso fue reconocido durante los eventos de inauguración, en los cuales el Pabellón de la Santa Sede recibió la Mención Especial del León de Oro a la Participación Nacional.

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En una época en la que la práctica arquitectónica está cada vez más vinculada al clima y al contexto, la frontera entre lo construido y lo natural se ha convertido en un escenario crítico de experimentación. Esta selección de proyectos no construidos del mes reúne ocho propuestas conceptuales que operan en los límites del paisaje. En Ramia, de João Teles Atelier, la arquitectura se inspira directamente en la metáfora de una semilla que brota de la tierra, utilizando madera, concreto y agua para crear un recorrido sensorial por la ecología de Tulum. Por su parte, el Muelle Mobius de X Atelier se despliega suavemente sobre la orilla del río, convirtiéndose a la vez en infraestructura y punto de observación. De manera similar, *Il mare degli Umbri* aborda el umbral desde otra perspectiva, restaurando la línea de costa histórica del lago Trasimeno y reintroduciendo las ecologías de humedales locales. Cada propuesta de esta colección refleja una postura singular: algunas tratan el límite como una experiencia espacial, otras como una línea reguladora y otras tantas como un punto de retorno cultural o ecológico.

En la búsqueda de fomentar el sentido de pertenencia de sus habitantes, valorar sus culturas ancestrales y preservar su identidad, el territorio latinoamericano reconoce una arquitectura con amplios matices y características regionales. El uso de técnicas constructivas y materiales locales o el diálogo entre lo modular y lo vérnaculo, entre otras cuestiones, reconocen la intención de promover la participación de comunidades nativas, estudiantes y sus familias, pueblos originarios y constructores locales durante el proceso de construcción y diseño de una gran variedad de escuelas rurales a lo largo de la extensión de América Latina.

Un pabellón en una Bienal funciona como plataforma de expresión cultural, lo que permite a una nación articular su identidad arquitectónica al tiempo que responde a los desafíos globales. Estas exposiciones nacionales reflejan cómo cada país interpreta el tema central del evento bajo el prisma de sus propios paisajes, historias y aspiraciones futuras, reforzando la capacidad de la arquitectura para actuar no solo como una disciplina construida, sino también como un catalizador para la reflexión, la transformación y el diálogo. En este contexto, la contribución de Montenegro resuena con particular fuerza. Bajo el título Terram Intelligere: INTERSTITIUM, el pabellón se inspira en el concepto de un sistema anatómico de reciente comprensión: una red de espacios llenos de fluido que recorren el cuerpo humano, facilitando la conexión y el intercambio. El intersticio, que alguna vez se consideró denso e inerte, se revela ahora como una red de interrelación dinámica; una metáfora que la curaduría utiliza para replantear la arquitectura como una indagación activa y viva en torno a la inteligencia natural, artificial y colectiva, en sintonía con el tema de esta edición: Natural. Artificial. Colectiva.

Adjaye Associates ha presentado el diseño del Centro Internacional de Investigación del Cáncer Infantil (ICCRC, por sus siglas en inglés) en Kyebi, Ghana. Encargado por la Fundación Wish4Life, el proyecto representa un paso adelante en el desarrollo de la atención médica pediátrica en África Occidental. Ubicado en un terreno de 225,000 metros cuadrados en las laderas orientales de la cordillera de Atewa, el ICCRC se concibe como una instalación integrada dedicada a la curación, la investigación, la educación y la participación comunitaria. Será el primer centro de la región enfocado exclusivamente en el tratamiento del cáncer infantil. Actualmente, el proyecto se exhibe en la muestra Time Space Existence, como parte de la Bienal de Arquitectura de Venecia 2025, que se lleva a cabo en el Palazzo Bembo hasta el 23 de noviembre de 2025.

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El Premio Diversity in Architecture (DIVIA) 2025 ha sido otorgado a la arquitecta vietnamita Trần Thị Ngụ Ngôn, fundadora de Tropical Space, en una ceremonia celebrada el 10 de mayo de 2025 en el Centro Cultural Europeo, en el Palazzo Mora de Venecia. El galardón incluye el reconocimiento internacional y un premio de 10.000 €, reconociendo a las arquitectas cuyo trabajo contribuye a la diversidad cultural y la inclusión en la arquitectura. La edición de este año contó con otras cinco finalistas: Carolina Rodas y Carla Chávez de Ecuador, Izaskun Chinchilla de España, Cazú Zegers de Chile, Patcharada Inplang de Tailandia y Surella Segú de México, todas ellas presentadas como parte de la exposición Time Space Existence organizada por el ECC.

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Durante la última década, el diseño arquitectónico ha dependido de métodos de representación bidimensionales, tales como alzados, secciones y plantas, combinados con renderizados digitales de modelos 3D. Si bien estas herramientas son esenciales para transmitir la geometría y la intención del proyecto, siguen estando limitadas por su formato bidimensional. Incluso las visualizaciones más realistas, creadas mediante programas como SketchUp, Revit o AutoCAD, aplanan el espacio y distancian a los/las espectadores/as de la experiencia habitada de un proyecto. En el último tiempo, los/las arquitectos/as han comenzado a explorar tecnologías inmersivas como una forma de cerrar esta brecha entre el dibujo y la experiencia, ofreciendo nuevas maneras de habitar y evaluar las propuestas espaciales.

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A lo largo de la historia, las puertas —y, más tarde, las puertas automáticas— han cumplido un propósito mucho mayor que el de simplemente marcar un acceso de entrada o salida. Definen umbrales, guían el flujo de movimiento y moldean sutilmente la manera en que las personas interactúan dentro de un espacio. Su evolución se remonta al siglo I, cuando Herón de Alejandría ideó una puerta accionada por vapor: un ejemplo temprano de la fusión entre tecnología y arquitectura. Desde entonces, los sistemas de puertas automáticas sin contacto han incorporado avances tecnológicos que optimizan su funcionamiento y redefinen su función en las edificaciones. En la actualidad, se integran en una gran variedad de tipologías y escalas edilicias, actuando como elementos de transición que mejoran el confort, la eficiencia energética y la calidad general de los espacios interiores.

La arquitectura es, por naturaleza, una práctica basada en el lugar. La cantidad de conocimiento local necesario para diseñar un edificio ha significado que los arquitectos/as, incluso muchos de aquellos con obras ampliamente distribuidas, han tenido concentraciones de proyectos construidos en ciudades individuales. Giovanni "Gio" Ponti, nacido y criado en la ciudad italiana de Milán, es uno de esos arquitectos. Sus proyectos fuera de Milán incluyen el Museo de Arte de Denver en EE.UU. y la Villa Planchart en Caracas, Venezuela, así como edificios universitarios en Padua y Roma, y la Catedral de Taranto. Sin embargo, sus obras en su ciudad natal, como la Torre Pirelli, rastrean mejor el desarrollo de su arquitectura y su contribución al diseño de productos y la publicación.

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Buildner ha anunciado los resultados de su concurso Last Nuclear Bomb Memorial No.5. Este certamen se celebra anualmente para apoyar la prohibición universal de las armas nucleares. En 2017, en el marco del 75.º aniversario de los bombardeos de Nagasaki e Hiroshima de 1945 —que cobraron la vida de más de 100,000 personas—, las Naciones Unidas adoptaron el Tratado sobre la Prohibición de las Armas Nucleares.

En consonancia con este tratado, Buildner convoca a presentar propuestas conceptuales para un memorial situado en cualquier sitio conocido de pruebas de armas nucleares que haya sido desmantelado. Este memorial conceptual busca reflexionar sobre la historia y la amenaza latente de las armas nucleares, con el objetivo de promover la concienciación pública sobre el desarme nuclear. 

El desafío tiene como propósito visibilizar la historia y los peligros de las armas nucleares. Los/las participantes tienen la tarea de diseñar un espacio que conmemore a las víctimas de la guerra nuclear y transmita la necesidad de un futuro libre de armas nucleares. Al tratarse de un concurso "silencioso", las propuestas entregadas no pueden incluir ningún tipo de texto, títulos ni anotaciones.

La próxima edición de este concurso, Last Nuclear Bomb Memorial No. 6, ya está abierta y cuenta con un plazo de inscripción anticipada hasta el 12 de junio de 2025.

Diseñado por Zaha Hadid Architects, recientemente comenzaron las obras de construcción del Museo Asaan. Ubicado en el histórico distrito de At-Turaif en Diriyah, Arabia Saudita, el Museo Asaan busca ser una nueva institución cultural diseñada para preservar y celebrar el patrimonio de la nación. Su nombre, que deriva de la palabra árabe que significa "herencia transmitida de generación en generación", subraya su papel de conectar el pasado con el presente. Situado en un sitio reconocido por su arquitectura de ladrillos de barro y su tejido urbano de siglos de antigüedad, el museo se inspira en las técnicas de construcción tradicionales najdíes. Planificado para ser construido con ladrillos de arcilla y barro de origen local, el Museo Asaan marcará el primer proyecto de Zaha Hadid Architects en emplear la construcción con adobe.

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La arquitecta de origen nigeriano Blossom Eromosele ha desarrollado AllSpace, un diseño de vivienda modular inspirado en la arquitectura tradicional africana. El diseño fue creado como parte de la cuarta edición del programa global de mentorías y subvenciones Creatives for Our Future de la Fundación Swarovski, desarrollado en colaboración con la Oficina de las Naciones Unidas para las Alianzas. Entre los seis proyectos seleccionados, AllSpace busca responder a la actual crisis de refugiados en Nigeria con una solución de vivienda de bajo costo y alimentada por energía solar para campamentos.

A finales del milenio, el mundo entero vivía bajo la sombra del error del milenio (Y2K), un fallo potencial de los sistemas informáticos que amenazaba con paralizar desde la banca hasta la aviación. A medida que se acercaba la medianoche del 31 de diciembre de 1999, la gente retiraba sus ahorros, las grandes corporaciones emitían advertencias y los gobiernos se apresuraban a evitar la histeria colectiva. Sin embargo, con el amanecer del 1 de enero de 2000, el temido fallo no tuvo un impacto real y la crisis se disipó tan rápido como había surgido. No obstante, esta época dejó su huella en lugares inesperados, especialmente en la arquitectura. En medio de la ansiedad en torno a la tecnología digital, nació una de las salas de conciertos más emblemáticas de nuestro tiempo, la Casa da Música en Oporto. Diseñada por OMA (Office for Metropolitan Architecture), sus orígenes se remontan a un proyecto mucho menor: la Casa Y2K. Lo que comenzó como una exploración de la domesticidad privada durante la psicosis digital evolucionó hasta convertirse en una imponente estructura pública: una transición arquitectónica del hogar a una sala de conciertos.

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El pabellón nacional del Reino de Bahréin en la 19ª Exposición Internacional de Arquitectura de La Biennale di Venezia fue premiado con el León de Oro por Mejor Participación Nacional de este año. Titulada Ola de Calor, la exposición fue curada por el arquitecto Andrea Faraguna y se ubicó en las históricas Artiglierie del Arsenale. A través de una instalación específica para el sitio, Ola de Calor reimagina el diseño del espacio público al explorar estrategias de enfriamiento pasivo arraigadas en las realidades climáticas y el contexto cultural de Bahréin. El objetivo del proyecto, ofrecer una respuesta arquitectónica especulativa pero fundamentada a la urgencia ambiental que moldea la vida urbana hoy en día, fue reconocido por el jurado internacional de la Biennale, que elogió sus "propuestas viables para condiciones de calor extremo."

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Sin espacios dedicados a la concentración privada —un elemento crucial para una colaboración eficaz—, incluso la idea más brillante se apaga. En efecto, la oficina debe equilibrar la conectividad con el espacio personal de forma óptima, permitiendo que el personal transite entre tareas sin fricciones. Cabinas como hushFree.XS, hushFree.S.Hybrid y hushFree.S son parte de esto, y juntas forman un trío de cabinas individuales que resuelven la mayor parte de las necesidades de espacios de trabajo individuales en la oficina.

HushFree.XS, hushFree.S.Hybrid y hushFree.S funcionan como un sistema completo que garantiza que los/las colaboradores/as cuenten con las condiciones adecuadas para un trabajo individual productivo a lo largo del día, demostrando ser herramientas invaluables para los/las arquitectos/as al momento de diseñar espacios que respondan plenamente a las diversas necesidades del personal. Este tipo de cabinas se convierten en refugios de primer nivel para llamadas que requieren concentración, espacios sumamente inmersivos para videoconferencias y burbujas de enfoque profundo.