En su segunda entrevista con ArchDaily, Sir Peter Cook conversó con la editora en jefe, Christele Harrouk, en el World Architecture Festival 2025. Mientras que la primera conversación se centró en sus consejos para los/las jóvenes arquitectos/as, este encuentro surge a partir de su presentación durante el WAF sobre su próximo libro, Archigram Ten, un proyecto editorial que revive el espíritu de la revista original junto a miembros fundadores y diseñadores/as contemporáneos/as. A partir de estas ideas, reflexiona sobre la inteligencia artificial, el impacto del COVID-19 en su propia práctica y las pedagogías arquitectónicas actuales.
La arquitectura de mercados contemporánea en México suele inspirarse en sus precedentes prehispánicos. El mercado de Tlatelolco en la antigua Tenochtitlan, por ejemplo, contaba con una gran plaza abierta pavimentada con piedra y "calles" delimitadas, las cuales se dividían en secciones para mercancías específicas, funcionando como un importante punto de encuentro para el intercambio social y económico. Asimismo, la tradición del tianguis, una tipología de mercado efímero dentro de la tradición mesoamericana en general, también organizaba sus puestos en pasillos dentro de una plaza pública, reflejando los principios de organización observados en Tlatelolco. Estos modelos históricos sentaron las bases para la tradición de los mercados en México y los países de Centroamérica, donde fusionan el espacio público con distribuciones estructuradas para el comercio. Hoy en día, aun cuando muchos de los espacios comerciales de México —en particular la Central de Abasto de la Ciudad de México y otros mercados como el de Jamaica, la Merced y San Juan— han adoptado un enfoque sedentario o permanente para abastecer a sus comunidades, los tianguis mantienen un arraigo profundo en la sociedad mexicana.
Un proyecto puede trazarse a grandes rasgos, pero se construye en los detalles. Por simple que parezca, una escalera implica un grado de ingeniería significativo. Algunas resultan notablemente más fatigantes o difíciles de subir y bajar. Para abordar este problema, en el siglo XVII, el arquitecto François Blondel propuso una fórmula para asegurar la proporción ideal entre huella y contrahuella; una ecuación que, al respetarse, garantiza un recorrido cómodo. Sin embargo, existe otro factor igualmente decisivo: todos los escalones deben ser idénticos. Esto puede sonar trivial y lógico; no obstante, ejecutar cualquier elemento con precisión siempre representa un desafío constructivo. Nuestro cuerpo se adapta rápidamente a las dimensiones de los peldaños, y cualquier variación —por mínima que sea— puede provocar tropiezos o pasos en falso recurrentes. Un detalle aparentemente insignificante, si se resuelve de manera deficiente, puede comprometer el bienestar y la seguridad de todo un edificio.
La Casa Blanca ha presentado los planes para un nuevo espacio permanente de eventos en sus terrenos históricos. Diseñado para solucionar las limitaciones de espacio que persisten desde hace tiempo para las funciones ceremoniales a gran escala, el propuesto Salón de Recepciones de Estado de la Casa Blanca ofrecerá un recinto con mayor capacidad. McCrery Architects, una firma con sede en Washington reconocida por su trabajo en arquitectura clásica, fue designada inicialmente como firma de arquitectura principal. Clark Construction supervisará la obra, con el apoyo de ingeniería de AECOM. Se prevé que la construcción comience en septiembre de 2025, con una finalización proyectada dentro de la actual administración.
En 1982, en una conferencia sobre construcción de tierra en Tucson, Arizona, una presentación inusual desafió todo lo que los arquitectos/as pensaban saber sobre los recursos rurales. En lugar de centrarse en técnicas de construcción, el presentador, el arquitecto Pliny Fisk III, desplegó una serie de mapas dibujados a mano que revelaron algo extraordinario: Texas rural no era escaso en recursos, como sugiere la sabiduría convencional, sino rico en materiales más allá de la imaginación. Los mapas mostraban ceniza volcánica perfecta para concreto ligero, depósitos de caliche que se extendían a través de vastos territorios y bosques de mezquite que podrían suministrar tanto pisos de madera dura como aislamiento. La revelación redefinió las nociones predominantes de valor en la arquitectura.
Promocionado como la nueva era de la construcción, el modelado de información de construcción (BIM, por sus siglas en inglés) ha captado la atención mundial con su promesa de una coordinación fluida, presupuestos reducidos y nuevas eficiencias. Sin embargo, en el panorama de la construcción de la India, la adopción de esta tecnología revela una historia más compleja sobre barreras culturales y limitaciones técnicas.
"La mayor barrera no es la tecnología, sino la cultura de planificación", explica Rahul Bahl, director general de Krishna Buildestates Pvt Ltd, destacando lo que podría ser el desafío más fundamental para el BIM en la India. "El BIM exige que cada detalle esté definido antes de que comience la construcción, desde la ubicación de los interruptores eléctricos hasta los acabados finales. En la India, a menudo comenzamos la obra teniendo resuelta únicamente la estructura básica y pasamos los siguientes meses haciendo ingeniería de valor sobre la marcha".
La 19ª Exposición Internacional de Arquitectura de La Biennale di Venezia cuenta con una notable presencia de la comunidad de SCI-Arc, incluyendo a estudiantes, exalumnos/as y docentes. Su trabajo se presenta en una variedad de contextos—desde pabellones nacionales hasta instalaciones independientes y proyectos de investigación—, dialogando críticamente con el tema de este año, Intelligens. La exhibición ofrece una plataforma atractiva para explorar interrogantes fundamentales de la pedagogía de SCI-Arc: el futuro del diseño, el papel de la tecnología y las posibilidades de la experimentación arquitectónica.
La contribución de Alemania a la 19ª Bienal de Arquitectura de Venecia 2025 expone física y psicológicamente a los visitantes al futuro clima urbano: un "STRESSTEST" (prueba de estrés) que hace palpable la necesidad de actuar de inmediato. La exposición adopta una postura clara: el cambio climático es una realidad imparable y las medidas adoptadas hasta ahora son insuficientes. Presenta un escenario en el que el cambio climático se manifiesta globalmente a través del aumento de las temperaturas, el clima extremo y el aumento del nivel del mar, con efectos que se sienten de forma directa a nivel local: espacios urbanos que sufren de estrés térmico. El equipo curatorial, integrado por Nicola Borgmann, Elisabeth Endres, Gabriele G. Kiefer y Daniele Santucci, diseñó una exhibición que destaca las repercusiones del calentamiento global en la vida urbana en un urgente llamado a la acción, enfatizando que esta realidad amenaza la vida social en las ciudades, la productividad, y la salud y supervivencia de sus habitantes.
El Monumento de Sardarapat y el boceto original del arquitecto. Imagen vía risraelyan.com/en/, cortesía de Aram Ghanalanyan
En una época en la que gran parte de la arquitectura global puede parecer desconectada de la identidad local, la obra de Rafayel Israelyan destaca por estar profundamente arraigada en el lugar, la cultura y la memoria. Con su práctica desarrollada a mediados del siglo XX en Armenia, Israelyan creó una arquitectura que trasciende lo puramente funcional o monumental para volverse culturalmente resiliente. Su empleo de motivos, materiales y formas simbólicas tradicionales de Armenia otorgó a sus diseños una segunda vida tras la caída de la Unión Soviética, un periodo en el que muchos edicios de los antiguos Estados soviéticos fueron abandonados o demolidos. Armenia, en cambio, preservó gran parte de sus obras, probablemente debido a que su enfoque de diseño no solo respondía a un momento histórico específico, sino que también narraba un relato de mayor alcance. Mucho antes de que se popularizaran conceptos como la sustentabilidad o el regionalismo crítico, Israelyan comprendió que las edificaciones adquieren un mayor sentido y permanencia cuando reflejan la identidad y las características específicas de su entorno.
Ante una crisis climática planetaria interconectada, la pérdida de biodiversidad y el agotamiento de recursos, el diseño regenerativo surge como un camino hacia la construcción de futuros rurales resilientes y ecológicamente sintonizados. En la intersección de arquitectura, agricultura y ecosistemas locales, están surgiendo nuevos modelos de prácticas agrícolas resilientes y autosuficientes. Estos proyectos no son grandes sistemas industriales, sino intervenciones arquitectónicas de pequeña escala, precisas y profundamente contextuales que crean espacios que fomentan el cultivo sostenible mientras respetan los ritmos ambientales, materiales locales y el conocimiento comunitario.
En 1968, Swiczinsky cofundó Coop Himmelb(l)au junto a Wolf D. Prix y Michael Holzer. El estudio obtuvo rápidamente reconocimiento internacional por su enfoque de diseño radical, definido por geometrías fragmentadas, sistemas estructurales expuestos y una gran complejidad espacial. Tras la partida de Holzer en 1971, Swiczinsky y Prix continuaron liderando la oficina durante las décadas de 1980 y 1990, consolidándola como una de las voces más destacadas del movimiento deconstructivista.
Archinfo, el Centro de Información de Arquitectura Finlandesa, ha anunciado el tema, la curaduría y el equipo de la exposición para el Pabellón de Finlandia en la 19ª Exposición Internacional de Arquitectura de La Biennale di Venezia. La exposición, titulada "The Pavilion – Architecture of Stewardship", se centrará en el diverso trabajo que implica la construcción y el mantenimiento de la arquitectura, desde las contribuciones de diseño de los/las profesionales de la arquitectura e ingenieros/as hasta los esfuerzos de los/las trabajadores/as de la construcción, arquitectos/as de restauración, personal de mantenimiento y personal de limpieza, quienes desempeñan un papel fundamental en la creación y el mantenimiento del entorno construido. Bajo la curaduría de Ella Kaira y Matti Jänkälä, del estudio de arquitectura Vokal con sede en Helsinki, la muestra utilizará el Pabellón de Finlandia de Alvar y Elissa Aalto para explorar la arquitectura como un esfuerzo colaborativo.
En el discurso arquitectónico contemporáneo, la planificación maestra se reconoce cada vez más como un medio para conciliar el crecimiento con las prioridades sociales, culturales y ambientales a largo plazo. Más allá de ordenar edificios e infraestructura, estas propuestas a gran escala buscan regenerar el tejido urbano, adaptar sitios históricos o subutilizados y establecer marcos para comunidades inclusivas y resilientes. Enviados por la comunidad de ArchDaily, los proyectos presentados en esta edición de Arquitectura No Construida destacan cómo los planes maestros pueden responder a los desafíos contemporáneos al tiempo que preparan a las ciudades para un futuro incierto.
Abarcando diversas geografías, desde Europa hasta Medio Oriente y las Américas, los proyectos seleccionados reinterpretan complejos industriales, sitios culturales y barrios residenciales a través de estrategias que priorizan la sostenibilidad, la movilidad y la identidad colectiva. Muchos de ellos comparten un enfoque de diseño regenerativo: reabrir canales históricos, crear espacios públicos adaptados al clima e introducir corredores verdes y centros comunitarios para reconectar a las personas con sus entornos. En conjunto, demuestran cómo la planificación maestra está evolucionando hacia una herramienta fundamental para repensar la manera en que las ciudades crecen, se adaptan y sostienen la vida cívica.
El concreto suele considerarse el material de la modernidad, definido por su resistencia estructural, su acabado aparente y su inconfundible tono gris. Se convirtió en la paleta predeterminada de la arquitectura del siglo XX, un símbolo de funcionalidad y permanencia. Sin embargo, el concreto no está condicionado a esta identidad cromática. Su color es el resultado directo del cemento, los agregados y la composición química de su mezcla, y puede alterarse de manera intencionada mediante la pigmentación. Entre las múltiples tonalidades exploradas, el rojo destaca, no solo por su intensidad visual, sino también por su capacidad para arraigar las obras a su entorno, evocar referencias culturales e infundir en la arquitectura una presencia material que resulta a la vez elemental y expresiva.
Pigmentar el concreto implica añadir colorantes de base mineral —generalmente óxidos de hierro— durante el proceso de mezclado. A diferencia de las pinturas o recubrimientos superficiales, estos pigmentos se integran directamente en la masa del concreto, lo que garantiza que el color penetre en el material y permanezca estable a lo largo del tiempo. Los pigmentos rojos, en particular, suelen derivarse del óxido de hierro (Fe₂O₃), un compuesto de origen natural que se encuentra en la arcilla, la hematita y otros minerales ricos en hierro. Su tono profundo y terroso vincula la construcción contemporánea con técnicas milenarias, desde los morteros de puzolana romanos hasta las edificaciones de tierra roja de África Occidental y Sudamérica.
Riken Yamamoto, nacido en Pekín en 1945 y criado en Yokohama poco después de la Segunda Guerra Mundial, es un arquitecto japonés reconocido por fomentar la comunidad a través de la arquitectura. Tras fundar su estudio, Riken Yamamoto & Field Shop, en 1973, ganó renombre por obras que abarcan desde viviendas colectivas, como Hotakubo Housing y Pangyo Housing, hasta proyectos cívicos como la Estación de Bomberos de Hiroshima Nishi y la Universidad Prefectural de Saitama, todos unidos por una simplicidad modular. Galardonado en marzo de 2024 con el Premio Pritzker de Arquitectura, fue elogiado por el presidente del jurado, Alejandro Aravena, por "desdibujar las fronteras entre lo público y lo privado", fomentar la interacción social espontánea y "aportar dignidad a la vida cotidiana" al permitir que la comunidad florezca a través de un diseño reflexivo. En esta entrevista con Louisiana Channel, el arquitecto reflexiona sobre la función social de la arquitectura, destacando el vínculo inseparable entre la vivienda y su contexto, así como la necesidad de crear espacios que propicien relaciones visibles y significativas.
Titulado "Chinampa Veneta", la exposición mexicana para la 19ª Exposición Internacional de Arquitectura – La Biennale di Venezia busca promover la reflexión sobre cómo habitamos, cultivamos y diseñamos el mundo que compartimos. Ante la crisis ecológica global, el proyecto llama la atención sobre las chinampas, un antiguo sistema agrícola mesoamericano con más de cuatro mil años de historia. Este conocimiento ancestral, que entrelaza paisaje, infraestructura y técnica, se reimagina en el contexto de la Biennale, activando un ambiente vivo dentro de la ciudad de Venecia. El Pabellón Mexicano consta de dos "representaciones", una ubicada en el Arsenale y la otra construida sobre agua.
La Unión Internacional de Arquitectos (UIA), en colaboración con ONU-Hábitat, ha anunciado el lanzamiento del tercer ciclo del Premio UIA 2030 Award. Creado en 2021, este galardón internacional bienal destaca el papel de la arquitectura en la promoción de la Agenda 2030 de la ONU para el Desarrollo Sostenible, con especial énfasis en el ODS 11: Ciudades y comunidades sostenibles y en la Nueva Agenda Urbana. Organizado por la Comisión de la UIA para los 17 ODS de la ONU, el premio reconoce proyectos construidos que asocian el diseño arquitectónico con contribuciones medibles a los Objetivos de Desarrollo Sostenible (ODS). Estructurado para coincidir con el calendario del Foro Urbano Mundial (WUF), el certamen se desarrollará a lo largo de cinco ciclos.
Nacida y radicada en la región de Transilvania, en Rumania, Maria-Cristina aborda la arquitectura desde una perspectiva rica y multifacética, moldeada por una trayectoria académica y profesional diversa. Con maestrías de la UTCN y la KU Leuven, ha combinado una rigurosa formación arquitectónica con una amplia curiosidad que abarca tanto los aspectos creativos como analíticos de la disciplina. Al inicio de su carrera, trabajó en estudios de arquitectura pequeños y medianos, donde adquirió una valiosa experiencia práctica, antes de incorporarse al trabajo editorial en ArchDaily en 2022. Desde entonces, ha ascendido a Editora Jefa, al mismo tiempo que cursa un doctorado en estudios de arquitectura y se desempeña como asistente de docencia, lo que refleja su profundo compromiso tanto con la práctica como con la academia.
El enfoque de Maria-Cristina hacia la arquitectura está arraigado en la comprensión de su complejidad y diversidad. Concibe la arquitectura no como una definición fija, sino como un campo en constante evolución donde se entrelazan las estructuras, la física, los materiales, la estética, la filosofía y la experiencia humana. Su interés por el trabajo editorial surgió de esta visión del mundo, al descubrir que la escritura y el diseño comparten paralelismos: ambos implican la construcción de ideas que se conectan y se apoyan mutuamente, de manera muy similar a los elementos de un edificio. Bajo esta mirada, disfruta de elaborar ensayos que comunican ideas complejas de forma clara y sencilla, haciendo hincapié en la singularidad de los conceptos más que en las palabras.
Desde el diseño de interiores de establecimientos para la práctica deportiva hasta espacios de bienestar, la arquitectura contemporánea continúa experimentando con la incorporación de diferentes usos, instalaciones y materialidades que permitan expandirse a públicos amplios, generar nuevas espacialidades y potenciar el desarrollo de diferentes actividades en simultáneo. Si bien cada deporte demanda su propio tipo de arquitectura como por ejemplo el entrenamiento de escalada, desde Australia hasta Países Bajos, profesionales de la arquitectura y el diseño apuestan por crear atmósferas donde el ejercicio se vuelva más que una experiencia física sino también psicológica, conectando la mente y el cuerpo con un estado de renovación física, distención y sociabilidad.
La manera en que percibimos un espacio no depende únicamente de su escala o de su forma, sino de una serie de decisiones que, desde el interior, moldean nuestra experiencia. Algunos gestos son determinantes: la altura libre, la organización de los planos verticales o el tamaño de la cama. Otros actúan con mayor sutileza, como la incidencia de la luz, la tonalidad de los materiales o el uso del color. Todas estas variables influyen en la forma en que se manifiesta el espacio—si lo sentimos abierto o contenido, seccionado o continuo. En esa misma línea, el uso de pisos en grandes formatos se vuelve una operación clave: reduce la fragmentación visual y refuerza la continuidad de las superficies.
https://www.archdaily.cl/es/1032420/espacios-sin-juntas-como-los-grandes-formatos-transforman-el-lenguaje-arquitectonicoEnrique Tovar
¿Qué significa construir con cuidado, utilizando lo que otros dejan atrás? Esta pregunta define el trabajo de Matter Matters Lab, una iniciativa fundada por la arquitecta e investigadora Catherine Söderberg Esper durante el aislamiento de la pandemia. A partir de experiencias multiculturales y motivada por una transformación personal durante la maternidad, Catherine comenzó a investigar los desechos cotidianos como materia prima para sistemas constructivos regenerativos. Su primer experimento consistió en aglutinar su propio cabello cortado con pegamento blanco, dando inicio a un enfoque radicalmente íntimo y artesanal. Desde entonces, el laboratorio se ha centrado en transformar residuos orgánicos en materiales arquitectónicos de bajo impacto, inspirándose en los sistemas de conocimiento indígenas y buscando romper con los modelos extractivos de la construcción. Proyectos como los Avocado Bricks, elaborados a partir de semillas de aguacate desechadas, ejemplifican este enfoque local, circular y arraigado en la idea de reciprocidad entre materia, lugar y cuidado, ofreciendo una nueva forma de construir con residuos.
Museum of Emotions es un concurso internacional de diseño anual que desafía a los y las participantes a explorar hasta qué punto la arquitectura puede utilizarse como una herramienta para evocar emociones. El programa requiere el diseño de un museo conceptual con dos salas de exposición: una diseñada para inducir emociones negativas y otra para inducir emociones positivas. Quienes participen tienen libertad para elegir cualquier sitio de su agrado, real o imaginario, así como la escala del proyecto. El significado de 'positivo' y 'negativo' queda abierto a la interpretación: ¿Qué dos emociones podría contrastar un/a diseñador/a? ¿Cómo podría un/a arquitecto/a concebir espacios que provoquen miedo, ira, ansiedad, amor o felicidad?
Museum of Emotions es un concurso 'silencioso': es decir, los y las participantes deben comunicar sus ideas sin texto, utilizando únicamente imágenes. No se permite ningún tipo de texto, ya sean descripciones de diseño, anotaciones o incluso etiquetas de diagramas.
