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Europa: Las más recientes noticias y obras de arquitectura

Alcatraz en la colina: el auge y la vida posterior de Rozzol Melara en Trieste

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El patio de Rozzol Melara mide doscientos metros por lado, lo que lo convierte en un espacio más grande que cualquier plaza de Trieste. Dos bloques de concreto expuesto en forma de L lo delimitan —uno de ellos con el doble de altura que el otro—, elevándose de siete a quince pisos a medida que la ladera desciende hacia el golfo, a cuatro kilómetros de distancia. Pilares de concreto espaciados cada quince metros sostienen los bloques sobre una pendiente que nunca llegan a tocar, abriendo pórticos lo suficientemente profundos como para transitarlos, y sobre ellos las fachadas se resuelven en logias a la escala de una habitación individual. Desde la carretera costera, nada de esto resulta legible; solo se aprecia una línea gris dibujada sobre las colinas.

En el interior del recinto, el Istituto Autonomo Case Popolari de Trieste construyó el resto de la ciudad. Los 648 departamentos ocupan menos espacio en la planificación que las escuelas, la oficina de correos, el centro de salud, el salón parroquial, las más de veinte tiendas y el garaje de dos niveles. A todos estos servicios se accede a través de calles cubiertas que recorren longitudinalmente los bloques y cruzan el patio mediante una pasarela elevada, de modo que el trayecto desde la puerta de un hogar hasta una tienda o un aula transcurre por el espacio colectivo sin necesidad de salir al exterior. Un equipo de veintinueve arquitectos y arquitectas trabajó en el proyecto bajo la coordinación de Carlo Celli, basándose en estudios sociológicos encargados de manera previa al diseño.

De la selección a la fabricación: cuando los/las arquitectos/as se convierten en productores/as de materiales

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A los/las arquitectos/as se les capacita para seleccionar materiales, comparar sus propiedades y decidir cómo deben utilizarse. Sin embargo, algunos estudios están asumiendo una tarea distinta: desarrollar el material propiamente dicho.

Para Material Cultures, BC architects y Studio Ossidiana, este proceso puede comenzar con cáñamo cultivado para la construcción, tierra excavada de las obras o mezclas de concreto, pigmentos, piedra y conchas. Su trabajo vincula la investigación de materiales con el procesamiento, la fabricación y la construcción.

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El prototipo como método: TAKK, salazarsequeromedina y Ensamble Studio

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Los prototipos arquitectónicos se utilizan a menudo para poner a prueba decisiones antes de que comience la construcción. No obstante, en ciertas oficinas, la creación de prototipos empieza cuando esas decisiones aún están tomando forma. Llevar una idea del dibujo a la materia plantea interrogantes que dependen de la propia fabricación: cómo cortar o unir un material, cuánto pesa una pieza, cómo se articula un ensamblaje, si es posible reutilizar las partes o incluso qué forma debería adoptar el proyecto.

TAKK, salazarsequeromedina y Ensamble Studio integran la experimentación física en sus procesos de diseño, aunque le plantean preguntas distintas. Para TAKK, los prototipos ayudan a comprobar cómo se articulan los materiales y componentes dentro de un sistema constructivo. Para salazarsequeromedina, las maquetas y los sistemas construidos se mantienen abiertos al desmontaje, la recombinación y a futuros usos. Por su parte, Ensamble Studio utiliza los experimentos físicos para generar una geometría y un conocimiento constructivo capaces de trasladarse a la ingeniería y a la edificación a escala real. Lo que distingue a estos enfoques no es el simple hecho de prototipar, sino lo que cada oficina espera aprender a través del prototipo.

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Living Places – Premio Simon de Arquitectura 6.ª edición 2026

Living Places - Premio Simon de Arquitectura, una iniciativa de Simon desarrollada por la Fundació Mies van der Rohe tiene como vocación distinguir aquellas arquitecturas de excelencia que potencian la capacidad de adaptación de los espacios procurando el confort de sus habitantes. Arquitecturas que se convierten en lugares de calidad para las personas en su día a día: para trabajar, para aprender, para jugar... ¡Arquitecturas para ser vividas!

Guía de arquitectura de Birmingham: esplendor industrial y experimentación moderna

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La arquitectura de Birmingham refleja la historia de la ciudad como uno de los primeros centros industriales de Inglaterra. La riqueza generada tanto en la ciudad como en la región circundante dio lugar a la grandiosidad de la era victoriana durante el siglo XIX. Posteriormente, los intensos bombardeos de la Segunda Guerra Mundial causaron una destrucción generalizada, a la cual le siguió una rápida reconstrucción entre las décadas de 1950 y 1970. Este periodo introdujo un modernismo racional y una ambición brutalista que hoy en día caracterizan a gran parte del centro urbano. Pocas décadas después, los procesos de demolición y renovación regresaron a Birmingham al reconsiderarse algunas de las decisiones de mediados del siglo XX. Como es bien sabido, el Bullring Centre y la Biblioteca de Birmingham fueron demolidos para dar paso a proyectos de regeneración del siglo XXI, lo que aportó nuevas capas de complejidad y dinamismo al entorno construido de la ciudad.

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¿Qué es la arquitectura metamoderna? Entre la ironía posmoderna y una nueva sinceridad

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En un volumen delgado de cubiertas con bordes amarillos, publicado recientemente por la editorial de Oporto Circo de Ideias, el arquitecto Paulo Martins Barata (socio fundador de Promontório) plantea una afirmación engañosamente audaz: que la arquitectura producida en Europa desde la Gran Recesión no pertenece a ninguno de los dos bandos que estructuraron el debate disciplinar más feroz del siglo XX.

The Language of Metamodern Architecture toma prestado su título, con evidente ironía, de la obra de Charles Jencks de 1977, The Language of Post-Modern Architecture, el libro que declaró célebremente la muerte de la arquitectura moderna a las 15:32 del 15 de julio de 1972, con la demolición de Pruitt-Igoe. Su apuesta es que otra muerte, nunca certificada oficialmente, ocurrió alrededor de 2008, y que la arquitectura ha estado viviendo, en su gran mayoría sin percatarse de ello, en lo que creció alrededor de esa tumba.

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Un lenguaje arquitectónico del enfriamiento artificial: sombra, bruma y autonomía

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Concéntrico regresó a Logroño para su 12.ª edición en junio y transformó la ciudad en un laboratorio de trabajo para la arquitectura. Desde su fundación en 2015, el festival ha construido una identidad basada en resistirse a la exhibición distante y controlada del diseño mediante la construcción de instalaciones a escala real en las calles, plazas y terrenos baldíos de la ciudad, involucrando a residentes y visitantes como parte de la vida cotidiana. El programa de este año reunió más de veinte intervenciones de arquitectos/as, diseñadores/as e investigadores/as provenientes de una gran variedad de geografías y metodologías, donde cada participante contribuyó a un experimento a escala urbana para reimaginar el espacio público.

Cuando la movilidad se convierte en el suelo: arquitectura, adaptación y la búsqueda de continuidad

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Pocas condiciones han moldeado el discurso arquitectónico contemporáneo con tanta profundidad como la incertidumbre. En bienales, exposiciones y foros internacionales, la arquitectura imagina cada vez más su relación con el mundo a través de la flexibilidad, la reversibilidad y la capacidad de respuesta; cualidades destinadas a hacer frente a las emergencias climáticas, la inestabilidad política y una movilidad humana sin precedentes. Los edificios se diseñan para transformarse, las infraestructuras para evolucionar y las ciudades para albergar condiciones que parecen cada vez más impredecibles. Este énfasis en la agilidad ha expandido la capacidad de la disciplina para abordar el cambio ambiental, ofreciendo estrategias valiosas para un mundo en constante transformación.

No obstante, esta evolución apunta a un cambio más profundo en la forma en que la arquitectura media la condición humana. Durante mucho tiempo, la arquitectura ha funcionado como un mecanismo de orientación existencial: una manera de que la conciencia humana talle una coordenada inteligible en medio de un cosmos indiferente, anclando la memoria y la identidad a un punto fijo. En gran parte del discurso arquitectónico contemporáneo, la incertidumbre aparece cada vez menos como una condición externa que debe mitigarse y más como el horizonte a partir del cual comienza el pensamiento arquitectónico. La experiencia espacial se ve cada vez más moldeada por entornos diseñados en torno a la persistencia del flujo, donde los puntos de referencia estáticos dan paso a condiciones de transformación continua.

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Convocatoria: 25ª edición de los Premios Tile of Spain de Arquitectura e Interiorismo

Presenta tu proyecto en la 25.ª edición de los Tile of Spain Awards

Museos en debate: lo que el MuNA de Ecuador revela sobre la identidad nacional

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El anuncio de la propuesta ganadora para el nuevo Museo Nacional de Ecuador (MuNA) desató uno de los debates arquitectónicos más significativos del país en los últimos años. Desde entonces, la respuesta del público ha reformulado el concurso mismo, al tiempo que plantea interrogantes más amplias sobre cómo un museo nacional otorga forma arquitectónica a la interpretación de una nación. Si bien la discusión comenzó con un único diseño, terminó por exponer un desafío que trasciende las fronteras de Ecuador.

A los museos nacionales no se les pide simplemente representar a una nación, sino darle forma arquitectónica. No obstante, la identidad no se puede construir de manera directa: antes de convertirse en arquitectura, debe ser interpretada y traducida mediante decisiones de diseño.

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Primeros auxilios para el patrimonio en peligro: una entrevista con Ambulance for Monuments

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Ambulance for Monuments es una iniciativa de primeros auxilios dedicada a salvaguardar el patrimonio edificado en peligro de Rumania, operando en una carrera contra el tiempo para evitar el colapso y la pérdida irreversible. El proyecto responde a la creciente vulnerabilidad de las estructuras históricas, desde iglesias sajonas fortificadas y casonas señoriales hasta templos de madera e hitos rurales, muchos de los cuales ya no se benefician de las redes comunitarias que alguna vez los sostuvieron. En un país profundamente afectado por la emigración desde 1990, donde casi la mitad de la población aún vive en zonas rurales, pueblos enteros han perdido a la gente, los oficios y el cuidado cotidiano que alguna vez mantuvieron en pie a estos monumentos.

Organizada en torno a una unidad móvil de intervención —una "Ambulancia" equipada con herramientas, andamios y equipos de obra—, la iniciativa lleva a cabo trabajos urgentes de estabilización que permiten ganar tiempo para los edificios en peligro. En lugar de reemplazar una restauración completa, estas intervenciones estratégicas preservan el tejido histórico, garantizan la seguridad estructural y mantienen abierta la posibilidad de una conservación y reutilización adaptativa a largo plazo.

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«Durante décadas hemos valorado más lo nuevo que lo viejo»: En diálogo con el equipo ganador del Premio OBEL 2025, HouseEurope!

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El potencial de los edificios existentes para dar forma a ciudades y comunidades en constante cambio a través de la reutilización y la adaptación es el enfoque principal de HouseEurope! y su activismo: hacer frente al apremiante desafío en gran parte de Europa, donde a menudo resulta más fácil, económico y rápido demoler edificios que renovarlos. Durante décadas, las políticas de construcción, las prácticas industriales y los sistemas de mercado han favorecido las nuevas construcciones, subestimando con frecuencia la relevancia cultural, social y ambiental de las estructuras existentes. Por su labor de promoción de un cambio sistémico en la arquitectura, HouseEurope! recibió el Premio OBEL 2025 bajo la temática "Ready Made". En conversación con ArchDaily, Alina Kolar y Olaf Grawert, integrantes del colectivo HouseEurope!, analizaron el enfoque de la organización hacia la arquitectura, las políticas públicas y la acción colectiva.

Reimaginar el barrio completo a través de la renaturalización urbana

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El proyecto ReGreeneration, una iniciativa de Horizonte Europa liderada por Inetum y respaldada por C40 Cities, ARUP, Placemaking Europe y varias otras organizaciones, funciona como una colaboración activa con gobiernos locales, empresas privadas, el sector académico y organizaciones de la sociedad civil en la intersección de la regeneración urbana, los espacios públicos verdes y el diseño a escala barrial. Su premisa aborda la forma en que se construyen y mantienen las ciudades europeas y cómo experimentan un clima cambiante, bajo el argumento de que las urbes deben transformarse de manera fundamental para seguir siendo habitables ante las crecientes presiones climáticas.

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Decisiones arquitectónicas, implicaciones planetarias: Entrevista al equipo curatorial de la UIA 2026 Barcelona

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Barcelona es la primera ciudad en la historia del Congreso Mundial de Arquitectos de la UIA en albergar el evento en dos ocasiones. La edición de 1996, Presente y futuros: arquitectura en las ciudades, llegó en un momento de gran efervescencia, cuando la urbe posolímpica consolidaba un modelo urbano que se convertiría en uno de los más estudiados y cuestionados del urbanismo contemporáneo, y cuando la arquitectura aprendía a pensarse a través de la gran metrópoli como su principal espacio de indagación. Treinta años después, la misma ciudad vuelve a plantear la pregunta bajo una condición muy distinta: una en la que el entorno construido ya no puede entenderse como un objeto autónomo, sino únicamente a través de los sistemas ecológicos, materiales y políticos más amplios que lo sostienen. El tema del Congreso de 2026 —Becoming. Arquitecturas para un planeta en transición— no abandona las preocupaciones urbanas de 1996, sino que las replantea desde una escala planetaria.

El equipo curatorial detrás de esta edición, integrado por Pau Bajet, Maria Giramé, Mariona Benedito, Tomeu Ramis, Pau Sarquella y Carmen Torres, aborda la arquitectura como una herramienta crítica y transformadora arraigada en el territorio, con una labor que abarca la práctica profesional, la investigación y la docencia. Su programa estructura el Congreso en torno a seis líneas temáticas interconectadas (Devenir más que humano, Devenir circular, Devenir encarnado, Devenir interdependiente, Devenir hiperconsciente y Devenir sintonizado) y lo distribuye en tres sedes de carácter muy diverso —Les Tres Xemeneies del Besòs, el Disseny Hub en Glòries y el CCIB—, cada una elegida tanto por su carga simbólica como por su capacidad de aforo.

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La función sigue a la forma: diseñar edificios adaptables que perduren más allá de su uso original

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Con cuarenta y ocho camas psicogeriátricas y sesenta y ocho departamentos accesibles para sillas de ruedas, alojamiento para cuidadores/as informales y espacio para atención médica a domicilio, el edificio De Keyzer se inauguró en Ámsterdam en 2011. Su programa se había concebido íntegramente para personas mayores que requerían asistencia; sin embargo, poco después de su terminación, el inmueble se vendió a un fondo de inversión y los departamentos comenzaron a alquilarse a familias jóvenes con niños/as.

Para los/las arquitectos/as del proyecto, Tom Frantzen y Karel van Eijken, el episodio podría haberse interpretado como un fracaso de previsión. Lejos de ello, se convirtió en una confirmación. "Demostró, con total claridad, que los edificios pueden terminar utilizándose de formas completamente distintas a las previstas originalmente", recuerda Frantzen. La transformación solo fue posible gracias a la amplitud de los departamentos y a que la estructura permitía usos más diversos que los previstos en el programa original. Si el edificio se hubiera diseñado únicamente para su función inicial, el cambio de uso probablemente habría requerido una remodelación destructiva o, en un caso extremo, la demolición.

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Los Premios EU Mies 2026 revelan las 40 obras preseleccionadas en 18 países

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La Comisión Europea y la Fundació Mies van der Rohe han anunciado las 40 obras preseleccionadas para el Premio de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea 2026 – Premios Mies van der Rohe, seleccionadas de entre un total de 410 nominaciones. La lista de finalistas reúne proyectos de 18 países y 36 ciudades, ofreciendo un panorama de la producción arquitectónica contemporánea en toda Europa. Entre las obras seleccionadas, Francia cuenta con nueve proyectos, seguida de España con siete y Dinamarca con cuatro, mientras que el resto de las propuestas se distribuyen en una amplia variedad de contextos europeos. Las propuestas finalistas se anunciarán en febrero de 2026 y las ganadoras se darán a conocer en abril del mismo año, antes de las jornadas de los Premios EUmies en mayo.

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Se anuncian los siete finalistas de los Premios EU Mies de Arquitectura Contemporánea Europea 2026

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La Comisión Europea y la Fundación Mies van der Rohe han anunciado los siete proyectos finalistas de la edición 2026 del Premio de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea - Premios Mies van der Rohe, que cuenta con el apoyo del programa Europa Creativa de la Unión Europea. Esta selección se presenta tras el anuncio de las 410 obras nominadas en noviembre y la preselección de 40 proyectos revelada a principios de enero. De los siete finalistas, cinco pertenecen a la categoría de Arquitectura y dos a la de Emergente. Según el jurado presidido por Smiljan Radić, las propuestas finalistas representan aportaciones ejemplares para el futuro de la arquitectura europea, pues demuestran cómo la disciplina puede responder de manera simultánea a las condiciones locales específicas y a retos sociales, culturales y ambientales más amplios. Las obras seleccionadas abarcan desde intervenciones en antiguos emplazamientos industriales, pequeños pueblos y áreas urbanas periféricas hasta proyectos cuidadosamente calibrados dentro de grandes ciudades. En todos estos contextos diversos, los proyectos evidencian la capacidad de la arquitectura para transformar entornos ignorados o cotidianos en espacios inclusivos y de alta calidad para habitar, aprender y propiciar el intercambio social.

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Drama contemplativo: cómo Gaudí moldeó la luz y el color en la Sagrada Familia

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Es una tarde de verano y la nave de la Sagrada Família está saturada de colores cálidos. Haces de luz ámbar y carmesí barren el suelo de piedra, se desplazan cuando una nube pasa sobre Barcelona y luego vuelven a intensificarse. A su alrededor, quienes la visitan disminuyen el paso sin darse cuenta. Algunos levantan sus teléfonos, no para capturar la arquitectura, sino para adentrarse en la luz misma, posicionándose en un destello naranja o dorado como si los colores fueran algo que se pudiera vestir.

Sin saberlo, están haciendo exactamente lo que Gaudí pretendía: entregarse, aunque sea por un instante, a la sensación de dejarse bañar por algo más grande que uno mismo.

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