En una época en la que gran parte de la arquitectura global puede parecer desconectada de la identidad local, la obra de Rafayel Israelyan destaca por estar profundamente arraigada en el lugar, la cultura y la memoria. Con su práctica desarrollada a mediados del siglo XX en Armenia, Israelyan creó una arquitectura que trasciende lo puramente funcional o monumental para volverse culturalmente resiliente. Su empleo de motivos, materiales y formas simbólicas tradicionales de Armenia otorgó a sus diseños una segunda vida tras la caída de la Unión Soviética, un periodo en el que muchos edicios de los antiguos Estados soviéticos fueron abandonados o demolidos. Armenia, en cambio, preservó gran parte de sus obras, probablemente debido a que su enfoque de diseño no solo respondía a un momento histórico específico, sino que también narraba un relato de mayor alcance. Mucho antes de que se popularizaran conceptos como la sustentabilidad o el regionalismo crítico, Israelyan comprendió que las edificaciones adquieren un mayor sentido y permanencia cuando reflejan la identidad y las características específicas de su entorno.

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Ante una crisis climática planetaria interconectada, la pérdida de biodiversidad y el agotamiento de recursos, el diseño regenerativo surge como un camino hacia la construcción de futuros rurales resilientes y ecológicamente sintonizados. En la intersección de arquitectura, agricultura y ecosistemas locales, están surgiendo nuevos modelos de prácticas agrícolas resilientes y autosuficientes. Estos proyectos no son grandes sistemas industriales, sino intervenciones arquitectónicas de pequeña escala, precisas y profundamente contextuales que crean espacios que fomentan el cultivo sostenible mientras respetan los ritmos ambientales, materiales locales y el conocimiento comunitario.

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Helmut Swiczinsky, cofundador del colectivo de arquitectura vienés Coop Himmelb(l)au y figura clave de la arquitectura experimental y deconstructivista, falleció el 29 de julio de 2025 a la edad de 81 años. Nacido en 1944 en Poznań, Polonia, estudió arquitectura en la Universidad Tecnológica de Viena y en la Architectural Association de Londres.

En 1968, Swiczinsky cofundó Coop Himmelb(l)au junto a Wolf D. Prix y Michael Holzer. El estudio obtuvo rápidamente reconocimiento internacional por su enfoque de diseño radical, definido por geometrías fragmentadas, sistemas estructurales expuestos y una gran complejidad espacial. Tras la partida de Holzer en 1971, Swiczinsky y Prix continuaron liderando la oficina durante las décadas de 1980 y 1990, consolidándola como una de las voces más destacadas del movimiento deconstructivista.

Archinfo, el Centro de Información de Arquitectura Finlandesa, ha anunciado el tema, la curaduría y el equipo de la exposición para el Pabellón de Finlandia en la 19ª Exposición Internacional de Arquitectura de La Biennale di Venezia. La exposición, titulada "The Pavilion – Architecture of Stewardship", se centrará en el diverso trabajo que implica la construcción y el mantenimiento de la arquitectura, desde las contribuciones de diseño de los/las profesionales de la arquitectura e ingenieros/as hasta los esfuerzos de los/las trabajadores/as de la construcción, arquitectos/as de restauración, personal de mantenimiento y personal de limpieza, quienes desempeñan un papel fundamental en la creación y el mantenimiento del entorno construido. Bajo la curaduría de Ella Kaira y Matti Jänkälä, del estudio de arquitectura Vokal con sede en Helsinki, la muestra utilizará el Pabellón de Finlandia de Alvar y Elissa Aalto para explorar la arquitectura como un esfuerzo colaborativo.

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En el discurso arquitectónico contemporáneo, la planificación maestra se reconoce cada vez más como un medio para conciliar el crecimiento con las prioridades sociales, culturales y ambientales a largo plazo. Más allá de ordenar edificios e infraestructura, estas propuestas a gran escala buscan regenerar el tejido urbano, adaptar sitios históricos o subutilizados y establecer marcos para comunidades inclusivas y resilientes. Enviados por la comunidad de ArchDaily, los proyectos presentados en esta edición de Arquitectura No Construida destacan cómo los planes maestros pueden responder a los desafíos contemporáneos al tiempo que preparan a las ciudades para un futuro incierto.

Abarcando diversas geografías, desde Europa hasta Medio Oriente y las Américas, los proyectos seleccionados reinterpretan complejos industriales, sitios culturales y barrios residenciales a través de estrategias que priorizan la sostenibilidad, la movilidad y la identidad colectiva. Muchos de ellos comparten un enfoque de diseño regenerativo: reabrir canales históricos, crear espacios públicos adaptados al clima e introducir corredores verdes y centros comunitarios para reconectar a las personas con sus entornos. En conjunto, demuestran cómo la planificación maestra está evolucionando hacia una herramienta fundamental para repensar la manera en que las ciudades crecen, se adaptan y sostienen la vida cívica.

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Las fundaciones establecidas por arquitectos/as se han involucrado cada vez más en la educación arquitectónica a través de becas, subvenciones y programas académicos interdisciplinarios. Estas iniciativas suelen tener como objetivo apoyar a estudiantes, promover la investigación y facilitar un mayor compromiso con la arquitectura y el entorno construido. Algunas fundaciones iniciadas por arquitectos/as, como la Fundación Zaha Hadid, que lanzó recientemente el Programa de Becas Zaha Hadid en la Universidad Americana de Beirut, junto con la Fundación Norman Foster y la Fundación SOM, han introducido programas educativos conectados a sus misiones. Aunque estos programas difieren en estructura y enfoque, comúnmente buscan extender los legados de sus fundadores al abordar desafíos contemporáneos en la educación en diseño. Sus actividades van desde la oferta de becas localizadas hasta colaboraciones de investigación global, reflejando un enfoque diverso para nutrir el talento emergente y avanzar en el discurso arquitectónico.

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El concreto suele considerarse el material de la modernidad, definido por su resistencia estructural, su acabado aparente y su inconfundible tono gris. Se convirtió en la paleta predeterminada de la arquitectura del siglo XX, un símbolo de funcionalidad y permanencia. Sin embargo, el concreto no está condicionado a esta identidad cromática. Su color es el resultado directo del cemento, los agregados y la composición química de su mezcla, y puede alterarse de manera intencionada mediante la pigmentación. Entre las múltiples tonalidades exploradas, el rojo destaca, no solo por su intensidad visual, sino también por su capacidad para arraigar las obras a su entorno, evocar referencias culturales e infundir en la arquitectura una presencia material que resulta a la vez elemental y expresiva.

Pigmentar el concreto implica añadir colorantes de base mineral —generalmente óxidos de hierro— durante el proceso de mezclado. A diferencia de las pinturas o recubrimientos superficiales, estos pigmentos se integran directamente en la masa del concreto, lo que garantiza que el color penetre en el material y permanezca estable a lo largo del tiempo. Los pigmentos rojos, en particular, suelen derivarse del óxido de hierro (Fe₂O₃), un compuesto de origen natural que se encuentra en la arcilla, la hematita y otros minerales ricos en hierro. Su tono profundo y terroso vincula la construcción contemporánea con técnicas milenarias, desde los morteros de puzolana romanos hasta las edificaciones de tierra roja de África Occidental y Sudamérica.

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Riken Yamamoto, nacido en Pekín en 1945 y criado en Yokohama poco después de la Segunda Guerra Mundial, es un arquitecto japonés reconocido por fomentar la comunidad a través de la arquitectura. Tras fundar su estudio, Riken Yamamoto & Field Shop, en 1973, ganó renombre por obras que abarcan desde viviendas colectivas, como Hotakubo Housing y Pangyo Housing, hasta proyectos cívicos como la Estación de Bomberos de Hiroshima Nishi y la Universidad Prefectural de Saitama, todos unidos por una simplicidad modular. Galardonado en marzo de 2024 con el Premio Pritzker de Arquitectura, fue elogiado por el presidente del jurado, Alejandro Aravena, por "desdibujar las fronteras entre lo público y lo privado", fomentar la interacción social espontánea y "aportar dignidad a la vida cotidiana" al permitir que la comunidad florezca a través de un diseño reflexivo. En esta entrevista con Louisiana Channel, el arquitecto reflexiona sobre la función social de la arquitectura, destacando el vínculo inseparable entre la vivienda y su contexto, así como la necesidad de crear espacios que propicien relaciones visibles y significativas.

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Titulado "Chinampa Veneta", la exposición mexicana para la 19ª Exposición Internacional de Arquitectura – La Biennale di Venezia busca promover la reflexión sobre cómo habitamos, cultivamos y diseñamos el mundo que compartimos. Ante la crisis ecológica global, el proyecto llama la atención sobre las chinampas, un antiguo sistema agrícola mesoamericano con más de cuatro mil años de historia. Este conocimiento ancestral, que entrelaza paisaje, infraestructura y técnica, se reimagina en el contexto de la Biennale, activando un ambiente vivo dentro de la ciudad de Venecia. El Pabellón Mexicano consta de dos "representaciones", una ubicada en el Arsenale y la otra construida sobre agua.

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La Unión Internacional de Arquitectos (UIA), en colaboración con ONU-Hábitat, ha anunciado el lanzamiento del tercer ciclo del Premio UIA 2030 Award. Creado en 2021, este galardón internacional bienal destaca el papel de la arquitectura en la promoción de la Agenda 2030 de la ONU para el Desarrollo Sostenible, con especial énfasis en el ODS 11: Ciudades y comunidades sostenibles y en la Nueva Agenda Urbana. Organizado por la Comisión de la UIA para los 17 ODS de la ONU, el premio reconoce proyectos construidos que asocian el diseño arquitectónico con contribuciones medibles a los Objetivos de Desarrollo Sostenible (ODS). Estructurado para coincidir con el calendario del Foro Urbano Mundial (WUF), el certamen se desarrollará a lo largo de cinco ciclos.

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Nacida y radicada en la región de Transilvania, en Rumania, Maria-Cristina aborda la arquitectura desde una perspectiva rica y multifacética, moldeada por una trayectoria académica y profesional diversa. Con maestrías de la UTCN y la KU Leuven, ha combinado una rigurosa formación arquitectónica con una amplia curiosidad que abarca tanto los aspectos creativos como analíticos de la disciplina. Al inicio de su carrera, trabajó en estudios de arquitectura pequeños y medianos, donde adquirió una valiosa experiencia práctica, antes de incorporarse al trabajo editorial en ArchDaily en 2022. Desde entonces, ha ascendido a Editora Jefa, al mismo tiempo que cursa un doctorado en estudios de arquitectura y se desempeña como asistente de docencia, lo que refleja su profundo compromiso tanto con la práctica como con la academia.

El enfoque de Maria-Cristina hacia la arquitectura está arraigado en la comprensión de su complejidad y diversidad. Concibe la arquitectura no como una definición fija, sino como un campo en constante evolución donde se entrelazan las estructuras, la física, los materiales, la estética, la filosofía y la experiencia humana. Su interés por el trabajo editorial surgió de esta visión del mundo, al descubrir que la escritura y el diseño comparten paralelismos: ambos implican la construcción de ideas que se conectan y se apoyan mutuamente, de manera muy similar a los elementos de un edificio. Bajo esta mirada, disfruta de elaborar ensayos que comunican ideas complejas de forma clara y sencilla, haciendo hincapié en la singularidad de los conceptos más que en las palabras.

Desde el diseño de interiores de establecimientos para la práctica deportiva hasta espacios de bienestar, la arquitectura contemporánea continúa experimentando con la incorporación de diferentes usos, instalaciones y materialidades que permitan expandirse a públicos amplios, generar nuevas espacialidades y potenciar el desarrollo de diferentes actividades en simultáneo. Si bien cada deporte demanda su propio tipo de arquitectura como por ejemplo el entrenamiento de escalada, desde Australia hasta Países Bajos, profesionales de la arquitectura y el diseño apuestan por crear atmósferas donde el ejercicio se vuelva más que una experiencia física sino también psicológica, conectando la mente y el cuerpo con un estado de renovación física, distención y sociabilidad.

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La manera en que percibimos un espacio no depende únicamente de su escala o de su forma, sino de una serie de decisiones que, desde el interior, moldean nuestra experiencia. Algunos gestos son determinantes: la altura libre, la organización de los planos verticales o el tamaño de la cama. Otros actúan con mayor sutileza, como la incidencia de la luz, la tonalidad de los materiales o el uso del color. Todas estas variables influyen en la forma en que se manifiesta el espacio—si lo sentimos abierto o contenido, seccionado o continuo. En esa misma línea, el uso de pisos en grandes formatos se vuelve una operación clave: reduce la fragmentación visual y refuerza la continuidad de las superficies.

¿Qué significa construir con cuidado, utilizando lo que otros dejan atrás? Esta pregunta define el trabajo de Matter Matters Lab, una iniciativa fundada por la arquitecta e investigadora Catherine Söderberg Esper durante el aislamiento de la pandemia. A partir de experiencias multiculturales y motivada por una transformación personal durante la maternidad, Catherine comenzó a investigar los desechos cotidianos como materia prima para sistemas constructivos regenerativos. Su primer experimento consistió en aglutinar su propio cabello cortado con pegamento blanco, dando inicio a un enfoque radicalmente íntimo y artesanal. Desde entonces, el laboratorio se ha centrado en transformar residuos orgánicos en materiales arquitectónicos de bajo impacto, inspirándose en los sistemas de conocimiento indígenas y buscando romper con los modelos extractivos de la construcción. Proyectos como los Avocado Bricks, elaborados a partir de semillas de aguacate desechadas, ejemplifican este enfoque local, circular y arraigado en la idea de reciprocidad entre materia, lugar y cuidado, ofreciendo una nueva forma de construir con residuos.

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Buildner ha anunciado los resultados de la Edición 6 de su Concurso Museum of Emotions.

Museum of Emotions es un concurso internacional de diseño anual que desafía a los y las participantes a explorar hasta qué punto la arquitectura puede utilizarse como una herramienta para evocar emociones. El programa requiere el diseño de un museo conceptual con dos salas de exposición: una diseñada para inducir emociones negativas y otra para inducir emociones positivas. Quienes participen tienen libertad para elegir cualquier sitio de su agrado, real o imaginario, así como la escala del proyecto. El significado de 'positivo' y 'negativo' queda abierto a la interpretación: ¿Qué dos emociones podría contrastar un/a diseñador/a? ¿Cómo podría un/a arquitecto/a concebir espacios que provoquen miedo, ira, ansiedad, amor o felicidad?

Museum of Emotions es un concurso 'silencioso': es decir, los y las participantes deben comunicar sus ideas sin texto, utilizando únicamente imágenes. No se permite ningún tipo de texto, ya sean descripciones de diseño, anotaciones o incluso etiquetas de diagramas.

El Deutsches Architekturmuseum (DAM) en Frankfurt inauguró el 14 de junio su nueva exposición Architecture and Energy: Building in the Age of Climate Change, la cual estará abierta al público hasta el 5 de octubre de 2025. Desarrollada en colaboración con el ingeniero y defensor de la sostenibilidad Werner Sobek, la muestra explora las intersecciones entre la arquitectura, la energía y el clima, centrándose en el impacto ambiental del entorno construido y el papel de la arquitectura en la mitigación del cambio climático. Al presentar a la arquitectura como un desafío y a la vez una oportunidad en el contexto de la crisis climática, la exposición busca contribuir a un cambio de mentalidad más amplio, que posicione al diseño como un componente vital para un futuro sostenible.

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Contar una obra de arquitectura es siempre un desafío. Las imágenes de un proyecto, por más acertadas o espectaculares que sean, muchas veces dejan fuera de la vista todo el proceso que las hizo posibles. El registro de esos procesos —la "cocina" arquitectónica— es, sin duda, una parte fundamental de cualquier obra. Y lo es aún más cuando tanto el proyecto como su metodología de ejecución se alejan de las formas convencionales. Este es el caso de la obra construida por Susana, encargada de una finca sin experiencia previa en construcción, que asumió el encargo y lo llevó a cabo por su cuenta, guiada únicamente por las instrucciones que el arquitecto del proyecto, Manuel Ocaña, le enviaba por WhatsApp.

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La iniciativa *Conserving Black Modernism* de la Fundación Getty se lanzó en 2022 como un programa de subvenciones para preservar y asegurar el legado de los/las arquitectos/as afroamericanos/as dentro del movimiento modernista en los Estados Unidos. En colaboración con el *African American Cultural Heritage Action Fund* del *National Trust for Historic Preservation*, la iniciativa apoya esfuerzos de conservación, capacitación y proyectos educativos para abordar la omisión histórica de hitos arquitectónicos significativos y el aporte de sus diseñadores/as. Para su tercer ciclo de financiamiento en 2025, cinco nuevos edificios recibirán un apoyo fundamental, lo que expandirá el alcance de la iniciativa a nuevas comunidades con sus primeros proyectos en Chicago y el Pacífico Noroeste.

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A lo largo de los territorios rurales de América del Norte y Europa Occidental, las huellas de la industria del pasado permanecen integradas en el paisaje: fábricas que se oxidan en los prados, chimeneas que marcan el perfil de pueblos tranquilos y los esqueletos de economías que alguna vez fueron prósperas. Durante décadas, estos sitios han encarnado el declive a través de los vestigios de una era extractiva que moldeó tanto el entorno como la identidad local. Los desafíos de la remediación a menudo abarcan aspectos técnicos, ambientales y culturales que exigen creatividad, precisión y sensibilidad.

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El cañón de hormigón de la calle Degraves en Melbourne fue una vez un austero corredor de servicio en la obscuridad funcional. Hoy, el estrecho pasaje palpita con vida más allá de su famoso café. Las gramíneas nativas caen en cascada de jardineras cuidadosamente ubicadas, mientras que pequeños arbustos crean microclimas frescos. Desafiando los modelos tradicionales de diseño ecológico, enfoques comunitarios sobre la biodiversidad invitan a repensar cómo arquitectos, planificadores y comunidades colaboran para desarrollar futuros urbanos biodiversos.

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Durante mucho tiempo, la preservación del patrimonio y la viabilidad económica se han considerado prioridades contrapuestas en el desarrollo urbano. Por lo general, los/las arquitectos/as se enfrentan a una disyuntiva radical: diseñar para la continuidad de la comunidad o diseñar para obtener rendimientos financieros. No obstante, los proyectos contemporáneos en Mumbai demuestran que esta dicotomía es falsa. Mediante una programación estratégica, la selección de materiales y la organización espacial, los/las profesionales de la arquitectura logran que los edificios generen ingresos sostenibles al tiempo que fortalecen, en lugar de desplazar, a las comunidades existentes.

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Mongolia, el segundo país sin salida al mar más grande del mundo, abarca 1.5 millones de kilómetros cuadrados. Sin embargo, más del 50% de su población —aproximadamente 1.7 millones de personas— reside en Ulán Bator, una ciudad que ocupa apenas el 0.3% de la superficie total del país. Esta desproporcionada concentración demográfica ha provocado importantes desequilibrios en el desarrollo regional y crecientes desafíos urbanos en la capital.

En respuesta a estos desafíos, Ulán Bator ha implementado una serie de iniciativas integrales de desarrollo urbano. Desde la introducción del primer plan maestro en 1954, se han elaborado seis planes de este tipo. El más reciente, el Plan Maestro Ulán Bator 2040, incluye una visión estratégica para descentralizar el crecimiento urbano mediante el desarrollo de dos nuevas ciudades satélite, una de las cuales es el proyecto Hunnu City.

El pabellón de Ucrania en la 19ª Exposición Internacional de Arquitectura – La Biennale di Venezia explora la intersección entre los métodos de construcción tradicionales y la edificación improvisada durante las crisis de guerra. Bajo el título "DAKH (ДАХ): Vernacular Hardcore", la muestra remite al concepto de techo ("dakh" en ucraniano) como refugio primordial en la arquitectura, examinando las cubiertas de una "arquitectura sin arquitectos/as", tanto en la tradición constructiva del país como en la realidad contemporánea de la vigilancia aérea sobre su territorio nacional. Con la curaduría de Bögdana Kosmina, Michał Murawski y Kateryna Rusetska, la propuesta ucraniana consiste en una exhibición de seis elementos en las Sale d'Armi del Arsenale y un programa nómada complementario titulado Planetary Hardcore.

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Las tejas de arcilla roja aparecen en numerosas tradiciones arquitectónicas de todo el mundo, a pesar de tratarse de culturas geográfica e históricamente distantes. Sin embargo, esto no resulta del todo sorprendente. La arcilla es un material de construcción abundante y accesible en todo el mundo; de hecho, algunos estudios y otras fuentes sugieren que compone aproximadamente entre el 10% y el 13% de los suelos de la Tierra. Las tejas rojas, en particular, suelen ser el resultado del contenido mineral del suelo local y del proceso de cocción. Su uso generalizado en regiones sin relación aparente responde menos a una influencia cultural compartida y más a una lógica material: la arcilla es económica, duradera y fácil de trabajar con herramientas y técnicas sencillas. En Vietnam, por ejemplo, existe una tradición singular y muy visible en el uso de tejas de arcilla que se remonta a varios siglos. Regiones como Vinh Long, apodada el "reino de la cerámica roja", cuentan con una gran abundancia de este material, lo que ha sustentado una larga historia de fabricación de tejas. En algunas zonas de Vietnam, estas piezas se conocen como tejas Yin-Yang, debido a la forma cóncava y convexa que adquieren durante su producción.

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