Cuando los países africanos obtuvieron su independencia del dominio colonial europeo a mediados del siglo XX, la construcción nacional implicó mucho más que el establecimiento de nuevos gobiernos e instituciones políticas. Los nuevos Estados soberanos también necesitaban definir una identidad construida que los distinguiera de su pasado colonial, por lo que la arquitectura se convirtió en una herramienta clave en este proceso. A lo largo del continente, se encargaron monumentales edificios cívicos, universidades, centros de convenciones e instituciones culturales para encarnar el progreso y la unidad nacional. Sin embargo, esto generó una contradicción fundamental: muchos de estos edificios adoptaron lenguajes arquitectónicos modernistas y brutalistas originados en Europa, e incluso algunos fueron diseñados por arquitectos y arquitectas de las antiguas potencias coloniales. La Maison du Peuple en Uagadugú, Burkina Faso, ofrece un ejemplo particularmente revelador de cómo un lenguaje arquitectónico asociado con Europa pudo ser apropiado y transformado en una expresión de independencia poscolonial.
En muchas ciudades asiáticas, el acto de comer nunca ha pertenecido del todo al hogar privado. Se desborda hacia mercados, centros de comida callejera (hawker centers), puestos callejeros y distritos mayoristas integrados en edificios o zonas más amplias. Son lugares donde la ciudad intercambia información y observa el tránsito de las personas. No son restaurantes en el sentido convencional, ni tampoco simples mercados. En cierto modo, su dinamismo y uso reflejan las condiciones de la sociedad en ese momento. Son cocinas públicas: infraestructuras compartidas donde las rutinas domésticas se trasladan parcialmente al espacio colectivo.
Los Edificios de Servicios Municipales y la comida a pie de calle en Hong Kong son espacios donde la alimentación se entiende no solo como cultura, sino como organización urbana. Los centros de comida preparada de la ciudad integran el acto de comer en un engranaje cívico mayor que abarca mercados de productos frescos, bibliotecas y polideportivos. Por su parte, los dai pai dong y las mesas en las aceras transforman la acera en un comedor temporal. Más allá de Hong Kong, surgen preguntas similares en toda la región: ¿Cómo abren espacio las ciudades para el acto social de comer? ¿Dónde se cocina cuando el espacio doméstico es limitado? ¿Qué tipo de arquitectura soporta el desorden y el calor de la comida cotidiana?
Las historias de esta semana exploran cómo la arquitectura aborda cuestiones de cultura, acceso y vida colectiva, desde nuevas instituciones culturales y exposiciones hasta espacios públicos y vivienda. Por otra parte, el informe de 2026 de la NCARB, "NCARB by the Numbers", aportó esta semana una perspectiva más amplia sobre la profesión en sí, al revelar que las personas de color representaron el 49% de quienes aspiraban a obtener la habilitación profesional en 2025 y las mujeres el 47%, frente al 21% y el 28% dentro de la población general de arquitectos y arquitectas. El reporte ofrece una mirada sobre el acceso dentro del sector, mientras que diversos proyectos e iniciativas culturales profundizan en cómo la arquitectura responde a las diferentes dinámicas de la vida pública y colectiva.
Plan maestro de Bakú Expo City, ZHA, 2026. Imagen cortesía de ZHA
ZHA ha sido seleccionada para diseñar un nuevo distrito urbano de 198 hectáreas en Bakú, Azerbaiyán. El proyecto rodea el actual recinto de eventos Baku Expo Center, en una zona de bosque de pinos que se planea preservar. El plan responde al crecimiento demográfico de la ciudad durante la última década con un plan maestro diseñado para organizar la oferta de una amplia variedad de viviendas. Este es el segundo proyecto de la firma en Bakú, después del centro cultural Heydar Aliyev, terminado en 2013. A una escala diferente, las edificaciones del nuevo distrito parecen seguir el estilo geométrico heredado de Zaha Hadid, mediante una serie de estructuras blancas con bordes redondeados que transmiten una idea de arquitectura fluida.
La construcción del William and Charlotte Bloomberg Public Science Common, la nueva sede del Museo de Ciencias de Boston —una de las instituciones científicas más antiguas de los Estados Unidos—, está próxima a finalizar. Se prevé que el edificio de 929 m² (10,000 pies cuadrados), diseñado por William Rawn Associates, Architects, Inc., abra sus puertas al público el 10 de octubre de 2026, seguido de un evento de celebración el 28 de octubre. El nuevo espacio cívico acristalado tiene vista al río Charles y al panorama urbano de Boston, y cuenta con muros móviles y graderías retráctiles para adaptarse a diversas funciones y programas. El espacio está diseñado para fomentar el diálogo público en torno a las ciencias, utilizando medios inmersivos, producción y tecnología de transmisión en vivo para llegar a audiencias más allá de la ciudad.
La Pirámide de Tirana abrió sus puertas como museo dedicado a Enver Hoxha en octubre de 1988, tres años después de su muerte y tres años antes del colapso del régimen. En las décadas posteriores, funcionó como estación de radio, sede de conferencias, club nocturno y base de la OTAN durante la guerra de Kosovo. En 2023, MVRDV la reabrió como parque y escuela de tecnología, añadiendo escalones a las fachadas para permitir que la gente pudiera caminar sobre la estructura. La inauguración se programó para coincidir con la Cumbre de los Balcanes Occidentales el 16 de octubre, una fecha que, según señalaron algunos críticos, coincidía con el cumpleaños de Hoxha. Dos proyectos de autodefinición nacional, distanciados por treinta y cinco años y construidos sobre premisas políticas opuestas, han utilizado la misma estructura.
Los prototipos arquitectónicos se utilizan a menudo para poner a prueba decisiones antes de que comience la construcción. No obstante, en ciertas oficinas, la creación de prototipos empieza cuando esas decisiones aún están tomando forma. Llevar una idea del dibujo a la materia plantea interrogantes que dependen de la propia fabricación: cómo cortar o unir un material, cuánto pesa una pieza, cómo se articula un ensamblaje, si es posible reutilizar las partes o incluso qué forma debería adoptar el proyecto.
TAKK, salazarsequeromedina y Ensamble Studio integran la experimentación física en sus procesos de diseño, aunque le plantean preguntas distintas. Para TAKK, los prototipos ayudan a comprobar cómo se articulan los materiales y componentes dentro de un sistema constructivo. Para salazarsequeromedina, las maquetas y los sistemas construidos se mantienen abiertos al desmontaje, la recombinación y a futuros usos. Por su parte, Ensamble Studio utiliza los experimentos físicos para generar una geometría y un conocimiento constructivo capaces de trasladarse a la ingeniería y a la edificación a escala real. Lo que distingue a estos enfoques no es el simple hecho de prototipar, sino lo que cada oficina espera aprender a través del prototipo.
El Consejo Nacional de Juntas de Registro Arquitectónico (NCARB, por sus siglas en inglés) ha publicado la edición de 2026 de su informe anual NCARB by the Numbers, que presenta datos de 2025 sobre la obtención de la licencia de arquitectura y la demografía en los Estados Unidos. Las cifras más recientes muestran un aumento gradual de la diversidad entre quienes buscan obtener la licencia, mientras que la composición demográfica de la población de arquitectos/as con licencia sigue siendo considerablemente menos diversa que el grupo actual de candidatos/as. El informe también examina la deserción a lo largo del camino hacia la obtención de la licencia, revelando diferencias en quiénes alcanzan finalmente el registro profesional.
El pabellón de Ucrania en la 20ª Exposición Internacional de Arquitectura – La Biennale di Venezia está siendo diseñado por el equipo de CO-HATY, una iniciativa voluntaria local que restaura edificios abandonados en el país para transformarlos en hogares estables para personas desplazadas internamente. El equipo está conformado por METALAB y miembros reubicados de la agencia ucraniana Urban Curators, quienes han estado desarrollando CO-HATY desde 2022. Bajo el título "Pool of Questions" (Estanque de preguntas), el proyecto plantea una interrogante que, según la organización, rara vez se formula en un contexto de supervivencia: no simplemente dónde deben vivir las personas desplazadas, sino cuándo pueden empezar a vivir. Para Venecia, la instalación proyectada expande el trabajo de restauración y reutilización adaptativa hacia un discurso sobre vivienda asequible, dignidad y descanso en medio de una guerra en curso.
El vasto territorio de Argentina revela múltiples formas de construir, moldeadas por su diversidad geográfica, climática y cultural. Al diseñar viviendas unifamiliares en Córdoba, Mendoza, Santa Fe y Buenos Aires, numerosos estudios jóvenes de arquitectura en Argentina responden a particularidades materiales, paisajísticas y culturales, trabajando con los recursos, sistemas constructivos y oficios de cada región. Así, la casa se convierte en un medio para interpretar su contexto, dialogar con las tradiciones locales e incorporar nuevos enfoques a la producción arquitectónica.
Como escenario de la vida cotidiana, la casa forma parte de una experiencia continua; actúa como un organismo complejo y sutil que responde tanto al modo de vida de sus habitantes como a los paisajes en los que se emplaza. Tras presentar diversas perspectivas y definiciones de figuras como Le Corbusier, Ernesto Rogers y Lewis Mumford, el arquitecto argentino Eduardo Sacriste destaca en su libro Qué es la casa su rol como reflejo del pasado, partícipe del presente e iluminador del futuro.
A lo largo del Golfo, el patrimonio beduino suele ingresar a la arquitectura en primer lugar como una imagen. Las terminales aeroportuarias recuerdan las siluetas de las tiendas de campaña, los centros de visitantes incorporan celosías tejidas y los pabellones reinterpretan los textiles tradicionales como fachadas decorativas. Estas referencias se han convertido en un lenguaje visual familiar para expresar la identidad regional. Sin embargo, también corren el riesgo de reducir una de las tradiciones constructivas vernáculas más sofisticadas del mundo a un mero motivo arquitectónico. Mucho antes de que la tienda beduina se convirtiera en un símbolo cultural, era una tecnología ambiental: una estructura ligera y adaptable, capaz de generar confort en uno de los climas más exigentes del planeta. Lo que la infraestructura contemporánea puede heredar no es la silueta de la tienda, sino la inteligencia constructiva tejida en ella.
OMA, dirigida por el/la socio/a Jason Long, junto con la oficina de San Francisco Y.A. Studio, ha finalizado 730 Stanyan, un desarrollo de vivienda asequible de uso mixto en el barrio de Haight-Ashbury, en San Francisco. Desarrollado por la Tenderloin Neighborhood Development Corporation (TNDC) y el Chinatown Community Development Center (CCDC), el proyecto ofrece 160 viviendas permanentemente asequibles para familias de bajos ingresos, familias que anteriormente se encontraban sin hogar y jóvenes en edad de transición (TAY, por sus siglas en inglés). Situado en la intersección de las calles Haight y Stanyan, junto a la entrada del Golden Gate Park, este complejo representa el primer proyecto de vivienda asequible 100% finalizado por OMA en los Estados Unidos.
Norman Jaffe, Krieger House, Montauk, Nueva York, 1975. Fotografía en blanco y negro, 9 x 12 pulg. Cortesía de Norman Jaffe Archives. Foto: Bill Maris. De la subvención de 2026 a Wandering Eye Studios para la película "Vanishing Point: An Architect’s Journey". Imagen cortesía de The Graham Foundation
Desde 1956, la Graham Foundation for Advanced Studies in the Fine Arts ha fomentado el desarrollo y el intercambio de ideas sobre la arquitectura y su papel en las artes, la cultura y la sociedad. Cada año, otorga subvenciones para proyectos a personas y organizaciones, además de organizar exposiciones públicas y conferencias. En junio, la fundación anunció a los/las beneficiarios/as de su programa de Subvenciones para Personas de 2026, apoyando 54 proyectos que investigan la arquitectura a través de exposiciones, películas, publicaciones e iniciativas de investigación. En una segunda ronda anunciada esta semana, la organización ha asignado fondos a proyectos liderados por organizaciones con el mismo objetivo: ampliar el discurso arquitectónico a través de diversos materiales y medios culturales.
"Arquitectura que alberga multitudes". Esta es la frase que Studio NEiDA utiliza para presentarse, dejando clara su postura ante el mundo: escuchar y respetar la pluralidad de existencias que transitan por cada contexto. Más que una declaración de principios, la frase parece funcionar como un método. ¿Qué significa, al fin y al cabo, diseñar espacios capaces de albergar no solo a personas, sino también memorias, saberes y conflictos?
Es innegable que el enfoque plural de Studio NEiDA está, en parte, arraigado en su propia posición geográfica. Con sede entre Togo y Alemania, la oficina opera en dos contextos aparentemente distintos que, sin embargo, están conectados históricamente. En una entrevista reciente, Jeanne Autran-Edorh, arquitecta franco-togolesa y cofundadora del estudio, junto con la curadora y escritora Fabiola Büchele, recuerda la historia entre ambos países y señala que, como poca gente sabe, antes de convertirse en una república independiente, Togo fue una colonia alemana que más tarde pasó a estar bajo dominio francés.
En el corazón del distrito de Navrangpura, en Ahmedabad, India, se encuentra el Estadio Sardar Vallabhbhai Patel. Más que un simple campo de críquet, el estadio se erige como uno de los primeros experimentos de la India en arquitectura pública modernista. Construida en las décadas posteriores a la independencia del país, la estructura no solo se ha convertido en un hito de la ingeniería, sino también en un importante espacio público dentro del tejido urbano de Ahmedabad. A pesar de la trascendencia arquitectónica e histórica del edificio, así como de su profunda integración en la vida comunitaria diaria, la estructura ha sufrido un importante deterioro físico a raíz de décadas de mantenimiento deficiente y falta de financiamiento. Esta fragilidad es, precisamente, la razón por la que ha captado la atención internacional. En 2020, el World Monuments Fund (WMF) incluyó al Estadio Sardar Vallabhbhai Patel en el World Monuments Watch, una lista global que destaca los sitios de patrimonio cultural que enfrentan desafíos urgentes de conservación.
La arquitectura en Brasil este mes destaca los diversos enfoques del país hacia la producción cultural, el patrimonio y la transformación de su entorno construido. Desde la conformación del equipo curatorial de la 15ª Bienal Internacional de Arquitectura de São Paulo hasta el reconocimiento de los Teatros de la Amazonía en la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO, los acontecimientos recientes ponen en primer plano cuestiones de representación, preservación e identidad cultural. Por su parte, nuevos proyectos en Río de Janeiro, São Paulo y Rondônia exploran la reutilización adaptativa, las relaciones entre arquitectura y paisaje, y nuevos enfoques sobre la materialidad y la sostenibilidad. Paralelamente a estos avances, los debates en curso en torno a Fordlândia y al archivo de Lucio Costa revisitan cómo se preserva, interpreta y entiende el patrimonio arquitectónico de Brasil en la actualidad.
Del 25 de julio al 25 de octubre de 2026, la Power Station of Art (PSA) de Shanghái albergará la primera exposición en China dedicada a la obra de la arquitecta brasileña Lina Bo Bardi. Bajo el título "The Poetics of Survival" (La poética de la supervivencia), la muestra cuenta con la curaduría de Renato Anelli y el diseño museográfico a cargo de OPEN Architecture en un espacio de 2,300 m² del museo de arte contemporáneo PSA en Huangpu. El objetivo consistió en diseñar "un escenario donde el público pueda vislumbrar la realidad cotidiana de Brasil en la época de Lina" a través de un recorrido por la obra y las diversas facetas de la arquitecta. La exposición no se define como una retrospectiva, sino como un "encuentro con la poética de la supervivencia de la maestra", un concepto de finales del siglo XX que describe cómo el trabajo creativo se convierte en una herramienta para resistir traumas como la opresión histórica o las crisis extremas. Este concepto sirve de hilo conductor que vincula la realidad retratada con los observadores contemporáneos de una obra "definida por su ingenio, versatilidad y generosidad".
Pelli Clarke & Partners ha finalizado el Centro Cultural Lola Mora en San Salvador de Jujuy, Argentina, una nueva institución cultural dedicada a la vida y obra de la escultora argentina Lola Mora (1866-1936). Ubicado en la región noroeste del país, el proyecto es el primer edificio cultural de la firma en Sudamérica y la última obra liderada por su fundador, el fallecido César Pelli. Diseñado como un edificio de energía neta cero, el centro reúne seis de las monumentales esculturas de mármol de Mora por primera vez en más de un siglo, ofreciendo un hogar permanente para obras que antes se exhibían al aire libre en Jujuy.
El Belvedere de Louisville, en Kentucky, es un espacio de encuentro con 53 años de historia que alberga conciertos, festivales y eventos comunitarios. La plaza elevada de concreto se construyó sobre la estructura de estacionamiento más grande de la ciudad y se sitúa encima de un importante paso elevado de la autopista. Desde 1973, ha funcionado como un espacio cívico frente al río para eventos y grandes convocatorias, pero su uso como espacio público cotidiano está en evidente declive. En su estado actual, el espacio carece de sombra, vegetación y servicios, mientras que la plataforma de concreto se ha desgastado con los años. En febrero de 2025, Heatherwick Studio reveló las primeras imágenes de su propuesta para transformar el Belvedere, un proyecto encargado por la alcaldía de la ciudad y el Gobierno de Louisville Metro. Esta semana, la oficina dio a conocer nuevas imágenes del rediseño, planteado como un espacio abierto, verde y flexible conectado con el centro de Louisville.
Escapar es una fantasía y un deseo largamente anhelados. A través de la literatura, el cine y la música, se han creado viajes imaginarios, mundos posibles y escenarios para el disfrute. Es precisamente esa fantasía la que alimenta una tipología arquitectónica específica: el hotel. En un contexto de creciente cuestionamiento hacia el turismo, los costos climáticos de los viajes y la competencia y las externalidades asociadas a los alquileres temporarios, esa fantasía adquiere formas aún más sorprendentes. Un hotel ya no es solo un lugar de alojamiento, sino un espacio de disfrute que puede abarcar una amplia gama de actividades, como el entretenimiento, la relajación, el encuentro gastronómico e incluso el trabajo. Esta diversidad de conceptos adopta formas orgánicas e imponentes en los siete proyectos no construidos compilados en este artículo, que van desde hoteles urbanos hasta resorts de playa.
El valor de la artesanía en los interiores contemporáneos radica cada vez más en la manera en que se unen los materiales y se relacionan entre sí. A medida que crece el apetito por remodelaciones rápidas, económicas y rentables, surge también un deseo paralelo de interiores que se perciban resueltos con esmero: espacios donde los detalles estén integrados, los ensambles de materiales sean meditados, las transiciones de texturas tengan una intención clara y los herrajes se traten como parte del lenguaje arquitectónico y no como un añadido de último momento. En muchos interiores chinos contemporáneos, la artesanía opera de manera silenciosa a través del tratamiento de superficies y estructuras: madera que conserva su irregularidad, terrazo que deja registro de los agregados y el trabajo manual, o acabados que revelan el esmero de su ejecución.
Esto resulta especialmente importante en una época en la que las imágenes digitales premian cada vez más la uniformidad. Los renders de interiores suelen mostrar espacios continuos, sin fricciones y terminados incluso antes de que comience la obra. La artesanía viene a complejizar esta imagen. Introduce tolerancia, textura, resistencia material y la sensación de que una superficie ha pasado por manos humanas antes de convertirse en arquitectura. La imperfección no es necesariamente un fallo de precisión; para el ojo entrenado que sabe leerla, puede convertirse en la evidencia de un proceso.
Entre los siglos XVIII y XIX, viajar por Roma, París, Venecia, Florencia y otras ciudades europeas se consideraba una parte esencial de la formación de quienes recién se graduaban en arquitectura. En una época en la que el acceso a fotografías y publicaciones era sumamente limitado, estos viajes constituían la principal vía para experimentar la arquitectura de cerca. A principios del siglo XX, Le Corbusier reinterpretó esta tradición a su manera: a los 23 años, se embarcó en el Voyage d'Orient, recorriendo los Balcanes, Estambul y Atenas, y creando cuadernos de viaje a los que regresaría a lo largo de toda su vida.
sauerbruch hutton y Studio Gang han sido seleccionados para renovar la German House en Nueva York tras un concurso internacional organizado por la República Federal de Alemania. Ubicado en United Nations Plaza en Manhattan, el edificio alberga el Consulado General de Alemania, la Misión Permanente de Alemania ante las Naciones Unidas y varias instituciones culturales afiliadas. El proyecto marca la primera colaboración entre ambas firmas. sauerbruch hutton, con sede en Berlín, asumirá el diseño principal, mientras que Studio Gang actuará como planificador general y arquitecto de registro, supervisando la entrega e implementación del proyecto. La propuesta se centra en la reutilización adaptativa del edificio existente, con el objetivo declarado de prolongar su vida útil y mejorar al mismo tiempo su rendimiento operativo y ambiental.
