Todos los materiales provienen de algún lugar y forman parte de una cadena de extracción, suministro, producción y eliminación que, según su escala, deja huellas más o menos significativas en el medio ambiente. En arquitectura, solemos abordar este recorrido desde la perspectiva de la circularidad de los materiales, considerando cómo pueden reincorporarse a los ciclos de producción en lugar de convertirse en desechos. Pero al ampliar la mirada hacia lugares inesperados, emergen sistemas paralelos donde los subproductos de una industria se transforman en recursos para otra. Este enfoque ha encontrado un terreno fértil en los residuos orgánicos convertidos en biomateriales, siendo uno de los ejemplos más recientes el trabajo de Fahrenheit Works. En su instalación From the Tagus to the Tile, reutilizan conchas de ostra desechadas por los sistemas alimentarios para reinterpretar los emblemáticos azulejos de Lisboa.
Organizada por la Fundación de Estambul para la Cultura y las Artes (İKSV), la 18ª Bienal de Estambul se llevará a cabo en tres etapas entre 2025 y 2027, consolidándose como la mayor exposición internacional de Turquía dedicada al arte contemporáneo. Bajo la curaduría de Christine Tohmé y con el título The Three-Legged Cat, la primera etapa tendrá lugar del 20 de septiembre al 23 de noviembre de 2025. Siguiendo con la propuesta de la Bienal de interactuar directamente con Estambul mediante un modelo disperso en lugar de una sede fija, esta edición utilizará ocho espacios ubicados a corta distancia a pie a lo largo del eje Beyoğlu–Karaköy. Durante este período, se presentarán al público obras de 47 artistas de más de 30 países, acompañadas de un programa de performances, proyecciones y eventos en vivo durante la semana de apertura.
Entre el 19 y el 20 de agosto de 2025, miles de personas presenciaron cómo uno de los edificios de madera más grandes de Suecia era elevado sobre vigas y trasladado sobre ruedas a través de la ciudad. La iglesia de Kiruna , construida entre 1909 y 1912, fue diseñada para emular la forma de una cabaña sami en el extremo norte de Suecia, dentro del círculo polar ártico. El edificio fue proyectado por el arquitecto Gustaf Wickman, quien se desempeñaba como arquitecto de la iglesia en aquel momento, y combina elementos del neogótico con un altar Art Nouveau. La edificación, una de las principales atracciones turísticas de la ciudad, se trasladó a una nueva ubicación entre el cementerio y el nuevo centro urbano para evitar los daños provocados por la expansión de la mina local.
Fundado en Shanghái en 2016, el estudio Atelier Tao&C abarca en su práctica el diseño en diversas áreas y escalas: desde una luminaria hasta un barrio, desde el interior de una vivienda urbana mínima hasta la renovación de una antigua casa de campo, y desde tiendas locales hasta comunidades juveniles. En paralelo a nuestra práctica profesional, nos enfocamos en temas de investigación como la renovación de edificios existentes y la organización de objetos en los espacios habitables.
Nuestros proyectos no están limitados por la tipología ni la escala. En cada proceso de diseño, prestamos especial atención a la escala, la tectónica, la proximidad y la intimidad, así como a la reconciliación entre el pasado y lo inmediato. A través de la exploración y comprensión de las tipologías, buscamos revelar las potencialidades de cada sitio.
Nuestro método de diseño consiste en retirarse al interior, permitiendo que el espacio crezca desde adentro y trascienda los límites, construyendo conexiones en los intersticios a menudo ignorados entre la arquitectura y el interiorismo. Buscamos crear un sentido de escala global, delicado y adecuado, tanto interior como exterior, mediante formas fundamentales, relaciones proporcionales claras y cambios inesperados de sección. Asimismo, buscamos descubrir materiales locales y métodos constructivos directos y cotidianos para transformarlos en una expresión profunda de la artesanía y el detalle, permitiendo que la vida se desarrolle con toda su complejidad dentro de la simplicidad.
Las obras del estudio han sido recopiladas en libros de editoriales como Gestalten y Phaidon, y publicadas ampliamente en prestigiosos medios de diseño nacionales e internacionales, tales como The Architectural Review, Domus, The Plan, AIT, Azure, Wallpaper*, ArchDaily, Dezeen, Yellowtrace y Divisare, entre otros.
En las comunidades indígenas de América del Sur, el lugar del niño es donde él desea estar. Los bebés gatean por el suelo de tierra, se acercan a las fogatas, investigan hormigueros, experimentan el mundo con todo su cuerpo. Aprenden sintiendo: descubren límites, reconocen peligros y recogen lecciones que ningún manual podría enseñar. En el escenario urbano, por otro lado, los niños suelen estar contenidos en espacios pensados para adultos, llenos de reglas que, aunque bien intencionadas, a menudo los alejan de experiencias vitales. Ante estas diferencias culturales, no nos corresponde juzgar cuál modelo es mejor, sino, más bien, percibir que, cuando culturas diferentes se observan, siempre hay espacio para aprender.
En el ámbito arquitectónico, esta infancia vivida con rara libertad de tiempo y espacio invita a repensar la forma en que moldeamos nuestro cotidiano: ¿por qué limitar la exploración espontánea de los niños en ambientes controlados? ¿por qué crear barreras físicas y simbólicas entre ellos y el mundo natural? Y, sobre todo, ¿cómo la arquitectura contemporánea podría romper este paradigma e, inspirada por el niño indígena, crear espacios que devuelvan a la infancia su dimensión más salvaje, curiosa y plena?
A medida que el fervor por la inteligencia artificial sigue reconfigurando nuestra percepción del mundo, 2025 se perfila como un año más en la marcha hacia el avance tecnológico. Si bien a algunos les preocupa el dominio de la tecnología en la sociedad, los/las arquitectos/as están dirigiendo su atención hacia los cimientos del futuro digital: los centros de datos. El diseño de estos espacios desafía a los/las diseñadores/as a conciliar las exigencias de la funcionalidad tecnológica con los principios de la excelencia arquitectónica. Conforme se profundiza la dependencia de la computación en la nube, los ecosistemas de IoT y el análisis de big data, la arquitectura de los centros de datos exige una mayor atención. Ante el crecimiento exponencial del consumo de datos, las tasas de consumo de estas instalaciones aumentan al mismo ritmo. Estas estructuras, que alguna vez estuvieron relegadas a zonas industriales anodinas, se están convirtiendo en componentes integrales de los entornos urbanos y suburbanos. Aunque a algunos miembros de la comunidad les inquieta la proliferación de centros de datos en sus localidades, otros los consideran indicadores de desarrollo económico.
“Glen and Anna Harder House, Mountain Lake, Minnesota”, 1970. Transparencia a color, 4 x 5 pulg. Copyright J. Paul Getty Trust, Getty Research Institute, Los Ángeles (2004.R.10). Foto: Julius Shulman. Para la subvención de 2025 al Art Institute of Chicago para la exposición “Bruce Goff: Material Worlds”. Imagen cortesía de la Graham Foundation
La Fundación Graham para Estudios Avanzados en las Bellas Artes ha anunciado 573,300 dólares en subvenciones para 39 organizaciones de todo el mundo. Seleccionados entre más de 200 propuestas, los premios de 2025 apoyan una amplia variedad de iniciativas, que incluyen exposiciones, instalaciones, publicaciones, podcasts, revistas dirigidas por estudiantes, eventosinternacionales de arquitectura y programas públicos que contribuyen a promover el discurso arquitectónico y la experimentación en el diseño. A lo largo de casi siete décadas, la Fundación Graham ha otorgado más de 45 millones de dólares en apoyo directo a más de 5,200 proyectos. Con la incorporación de los proyectos beneficiarios de 2025, la Fundación busca seguir fortaleciendo su red internacional de profesionales y organizaciones que impulsan las ideas arquitectónicas y el compromiso público en todo el mundo.
Strada Brutalissima. Pabellón de la República de Macedonia del Norte en la 19ª Bienal de Arquitectura de Venecia, 2025. Imagen cortesía de Blagoja Bajkovski
El pabellón de la República de Macedonia del Norte en la 19ª Bienal de Arquitectura de Venecia está dedicado a la arquitectura brutalista de su capital, Skopje. Este movimiento arquitectónico confirió a la ciudad una identidad distintiva tras el terremoto que la azotó en 1963. Según el curador del pabellón, el arquitecto Blagoja Bajkovski, tras la catástrofe, Skopje adoptó el brutalismo a partir de diversas fuentes. Una de las más destacadas fue el plan de reconstrucción de Kenzo Tange, desarrollado tras un concurso internacional organizado por las Naciones Unidas en 1965. La exposición, titulada Strada Brutalissima, relata esta identidad, los acontecimientos que la moldearon y los edificios que la siguen representando a través de una serie de maquetas arquitectónicas. Inspirado en la Strada Novissima de la Bienal de Arquitectura de Venecia de 1980, el proyecto reinterpreta el concepto de una "calle" curada, esta vez centrada en el patrimonio brutalista de Skopje.
En el diseño contemporáneo de jardines de niños en Japón y China, los equipos de arquitectura están transformando los espacios interiores, pasando de ser un simple contenedor a convertirse en un entorno multisensorial activo. Este cambio parece alinearse con estudios en psicología del desarrollo que sugieren que la experiencia espacial de los niños y las niñas comienza con una interacción sensorio-motriz a través del tacto y la manipulación. Por lo tanto, se hace un fuerte énfasis en el uso de materiales y en el enfoque del aprendizaje a través del juego. Los equipos de arquitectura parecen ir más allá de las aulas tradicionales para dar paso a entornos táctiles, estimulantes y arraigados en sus contextos específicos. Los edificios mismos se convierten en herramientas pedagógicas, incentivando a la niñez a aprender y explorar mediante una interacción física directa.
Históricamente, la arquitectura ha producido muchos edificios icónicos moldeados por visiones singulares; a menudo, diseñados de manera unilateral para las personas usuarias, las comunidades y las ciudades. Si bien este enfoque vertical ha permitido una sólida coherencia formal y claridad conceptual, también ha priorizado la autoría por encima de la participación. El resultado: proyectos que pueden ser celebrados como visionarios, pero que a menudo se sienten desconectados de las realidades cotidianas de quienes los habitan.
Diseñar para otras personas es intrínsecamente complejo. Como profesionales de la arquitectura, con frecuencia se nos encomienda la tarea de crear entornos para comunidades con las que quizás no tengamos ninguna familiaridad personal o cultural. Sin embargo, esta distancia puede aportar una valiosa objetividad: nos permite abordar diversas perspectivas con una mirada fresca, analizando críticamente las necesidades y limitaciones de múltiples actores involucrados. A través de este proceso, la disciplina de la arquitectura ha avanzado, ampliando los límites del pensamiento espacial, la innovación de materiales y la experimentación estructural.
El Pabellón de Colombia en la Expo Osaka 2025 adopta el tema "CUBO DE HIELO", inspirado en la escena de Cien años de soledad de Gabriel García Márquez, donde un niño se encuentra con el hielo por primera vez. Traduciendo esta referencia literaria a una forma construida, el pabellón presenta una fachada de cubos translúcidos colocados en diferentes ángulos, creando una sensación de movimiento y articulación. Diseñado por MORF Inc., con Karim Chahal como Director del Proyecto y Ko Oono como Arquitecto Principal, el exterior está compuesto de paneles de policarbonato semitransparentes integrados con iluminación controlada por color, permitiendo que la fachada se transforme en apariencia a lo largo del día y la noche.
Ya sea en concursos de diseño o en premios de arquitectura, los edificios suelen juzgarse por lo que ofrecen: sus funciones programadas, su forma o su deleite visual. Sin embargo, en una minoría de casos, es la ausencia o la reducción de la intervención lo que determina el éxito de un proyecto. En 1971, una propuesta que utilizaba únicamente la mitad del terreno disponible —cediendo el resto a la ciudad como espacio público— ganó un prestigioso concurso de arquitectura en París. En Londres, una propuesta para reconvertir una central eléctrica en desuso con mínimas adiciones, dejando grandes espacios intactos, se impuso en un concurso de diseño en 1994. Por su parte, el Premio Stirling, el galardón de arquitectura más prestigioso del Reino Unido, fue otorgado en 2017 a una propuesta que consistía en poco más que una plataforma vacía. Estos ejemplos de edificios culturales en el noroeste de Europa ilustran cómo la ausencia de intervención puede, en última instancia, ofrecer mucho más.
El Ministerio de Planificación Espacial, Urbanismo y Propiedad Estatal de Montenegro anunció los resultados del concurso internacional para el nuevo Distrito de Museos y Parque de las Artes y la Cultura en Podgorica. La propuesta ganadora, liderada por el estudio a-fact architecture factory —con sedes en Milán y Londres— en colaboración con LAND, Maffeis Engineering y Charcoalblue, fue seleccionada entre 48 propuestas por un jurado internacional. El proyecto plantea un nuevo distrito cultural que consolida tres instituciones: el Museo de Arte Contemporáneo, el Museo de Historia Natural y la Casa de la Arquitectura, dentro de un paisaje que vuelve a conectar la ciudad con el río Morača.
La solicitud de planificación del Oxford United Football Club para un nuevo estadio de fútbol totalmente eléctrico ha sido aprobada por el Consejo del Distrito de Cherwell. El proyecto fue desarrollado por un equipo que incluye a AFL Architects, los servicios de ingeniería de Mott Macdonald, el diseño de paisaje de Fabrik landscape design y la consultoría de entorno construido Ridge and Partners. Con una capacidad proyectada de 16,000 espectadores, el plan maestro también propone un espacio para eventos de 1,000 personas, un hotel de 180 habitaciones, un restaurante, un centro de salud y bienestar, y una nueva plaza pública con jardines.
Esta edición de Architecture Now reúne proyectos que exploran cómo la arquitectura está transformando los puntos de acceso globales, los destinos culturales y la vida urbana. El diseño de SOM para una nueva Sala de Llegadas y Salidas en Austin y la propuesta de Scott Brownrigg para Heathrow West destacan al aeropuerto como un umbral cívico, mientras que el complejo de tres torres de Kerry Hill Architects en Brisbane pone el énfasis en el espacio público y los paisajes subtropicales dentro de la vivienda de alta densidad. La torre frente al mar de Zaha Hadid Architects en Florida da continuidad a la tradición escultórica costera de Miami, y Japa Valley Tokyo, de Pharrell Williams y NIGO, introduce un distrito cultural temporal que fusiona arte, hospitalidad y comercio minorista. En conjunto, estas iniciativas reflejan cómo la infraestructura, el estilo de vida y el diseño se intersectan para definir la experiencia urbana contemporánea.
Las casas patio encarnan una de las tipologías arquitectónicas más perdurables, sintetizando la dualidad entre apertura y aislamiento a la vez que fomentan una profunda conexión con la naturaleza. Si bien en el sector inmobiliario estadounidense contemporáneo el término también se utiliza para describir viviendas de una sola planta y bajo mantenimiento en lotes pequeños, su significado arquitectónico clásico se refiere a un diseño introvertido organizado en torno a un patio central privado. Es esta forma tradicional, objeto de este artículo, la que remonta sus orígenes miles de años atrás. Las casas patio surgieron de manera independiente en diversas regiones, respondiendo de forma universal a necesidades humanas fundamentales: privacidad, adaptabilidad climática y coherencia espacial. A pesar de sus diversas expresiones geográficas y culturales, los principios básicos de introversión, apertura controlada y sensibilidad ambiental se mantienen notablemente constantes a lo largo de la evolución de esta tipología.
Durante casi 65 años, la marca DETAIL ha sido sinónimo de una investigación meticulosa y de una documentación arquitectónica exhaustiva. Los artículos de la revista y sus libros especializados demuestran cómo se planifica, diseña y ejecuta una arquitectura sobresaliente, aportando un conocimiento profundo sobre construcción, tipologías de edificios y aspectos técnicos de la disciplina.
DETAIL ha ganado un reconocimiento especial por sus dibujos constructivos, investigados minuciosamente por el equipo de redacción y redibujados por un equipo interno de CAD bajo un estilo estandarizado.
La República de Kosovo presenta este año en la 19ª Bienal de Arquitectura de Venecia una exposición titulada Lulebora nuk çel më. Emerging Assemblages. La muestra fue comisionada por la Galería Nacional de Kosovo y curada por Erzë Dinarama, especialista en arquitectura, diseño interdisciplinario e investigación. Al reflexionar sobre la transformación de los paisajes agrícolas del país en un contexto de desarraigo ecológico y sistemas de conocimiento incorporados bajo la presión climática, la instalación ofrece una exploración sensorial del trabajo de campo kosovar. Al combinar una variedad de suelos locales con un calendario olfativo colgante, el Pabellón invita a los/las visitantes a imaginar a través del tacto y el olfato.
El concreto dista mucho de generar consenso. Hay quienes lo aman y quienes lo odian. Puede sentirse tan duro como el granito o tan suave como el terciopelo, dependiendo enteramente de las manos que lo moldeen. Tratado con precisión de ingeniería o con una sensibilidad artística, el concreto deja de ser un simple material para cobrar vida propia. Juega con la luz, sorprende por su textura y, de algún modo, da forma al silencio. A pesar de su densidad y carácter estructural, puede adquirir una presencia casi inmaterial: ligera, etérea y contemplativa. En ciertos espacios parece desaparecer, disolviéndose en las sombras o vibrando con la luz del entorno. Más que un mero elemento constructivo, se convierte en un lenguaje capaz de evocar emoción, espiritualidad y tiempo.
El estudio de arquitectura y diseño SPPARC ha revelado sus planes para renovar el antiguo Hospital de Ravenscourt Park en Hammersmith, Londres, que ha permanecido desocupado durante dos décadas. El edificio, diseñado originalmente por Thomas S. Tait y llamado Royal Masonic Hospital, es considerado uno de los primeros grandes edificios modernos del Reino Unido, además de haber sido el hospital general independiente más grande de Europa al ser inaugurado por el rey Jorge V en 1933. Construido para ofrecer tratamientos de bajo costo a los masones y sus familias, el centro de 260 camas funcionó hasta 1994, reabrió como hospital del Servicio Nacional de Salud (NHS) en 2002 y cerró definitivamente en 2004. Según el anuncio reciente, se prevé reconvertir este hito catalogado como Grado II —actualmente en el registro de Patrimonio en Riesgo de Historic England— en 140 viviendas nuevas, una residencia para personas mayores con 65 camas y espacios de alquiler para uso público.
Toda normativa nace con una intención clara: establecer un punto de partida. Es una forma de fijar un mínimo, de ordenar aquello que antes quizá se asumió de forma implícita o carecía de un marco común. Pero, como todo lo que involucra a la arquitectura —y especialmente nuestra forma de habitar—, estos marcos también evolucionan: se amplían, se ajustan y se vuelven más detallados en torno a nuevos modelos de vivienda sostenible. Este es el caso de la nueva normativa térmica en Chile, que no surge de cero, sino que forma parte de un proceso continuo que ha ido incorporando progresivamente nuevos criterios de eficiencia energética, contenidos en la Ordenanza General de Urbanismo y Construcción (OGUC).
https://www.archdaily.cl/es/1032356/aislamiento-y-eficiencia-energetica-en-viviendas-que-cambia-con-la-nueva-normativa-termica-en-chileEnrique Tovar
Un buen diseño debe adaptarse a las necesidades de sus usuarios, a la misma vez que el diseño participativo busca reducir la distancia entre los arquitectos y quienes habitarán los proyectos. En este sentido, los proyectos dirigidos a la infancia que integran a los niños y niñas como actores centrales en el proceso de diseño muestran cómo la escucha activa y la co-creación se traducen en espacios a escala infantil y pensados para una etapa de intenso aprendizaje.
Ya sean jardines infantiles, escuelas, centros comunitarios o espacios públicos, los proyectos que cuentan con la participación de niños muestran cómo el proceso de diseño puede convertirse en un intercambio enriquecedor para ambas partes. Por un lado, los niños pueden aprender sobre materiales, escalas, toma de decisiones y desarrollar conciencia espacial. Por otro, los arquitectos responsables de materializar los deseos y necesidades de los jóvenes usuarios pueden ejercitar la sensibilidad y la imaginación, y reconocer una visión del mundo distinta, enfocada en el descubrimiento. Todo esto es posible mediante la escucha y el diálogo abierto entre diferentes grupos etarios.
