在历史上，建筑与其他文化形式一样，主要通过印刷媒介被记录、传播和推广。书籍、期刊和杂志承载着建筑学科的观点与图像。由于建筑实践高度依赖视觉交流，建筑类印刷期刊也在学术出版物与商业杂志之间建立起一种连接。战后数十年间，一批制作精良的出版物持续塑造着某种共同的判断框架，提示着行业普遍认为哪些项目值得讨论，哪些作品具有示范意义。
在主要文化中心，少数出版物长期影响着建筑话语。它们的视角通常成熟、专业，并经过严谨编辑，将庞杂的全球建筑产出筛选、压缩为一组被认为足够重要的项目。这一系统确实偏向了某些实践者与地理区域，但同时也让建筑进入了更广泛的公众想象。建筑开始被大众记住；以亲身体验建筑为目的的文化旅行（cultural travel），也逐渐从少数人的兴趣变成一种更常见的行为。
从远处看，新贝尔格莱德（New Belgrade）的一处住宅街区显得井然有序。混凝土板以严整的连贯性不断重复，窗户排列成匀称的网格，阳台层层叠叠，透露出一种对自身系统笃定无疑的自信。然而，走近观察，这种观感便发生了变化。一个阳台被铝合金玻璃窗封闭起来，另一个则因临时搭建的遮阳棚而显得柔和。外立面局部因加装保温层而变厚，而晾晒的衣物框住了墙面的另一角，宛如一项偶然形成的立面研究。尽管居民的入住让这里的秩序不再那么千篇一律，但该区域依然保留着规划的痕迹。在这种秩序之下，重复性在日常居住的雕琢下被逐渐改写。
田根刚（Tsuyoshi Tane）是一位日本建筑师，1979年出生于东京，目前常驻巴黎。2006年，他在那里创立了 ATTA – 田根刚建筑设计事务所（Atelier Tsuyoshi Tane Architects）。在其实践中，田根刚的项目涵盖文化、机构以及景观等领域。他探索出了一种将记忆视为核心设计驱动力的建筑方法。在他的巴黎工作室接受 Louisiana Channel 的 专访 时，田根刚将 建筑 阐释为一门融合观察与思考的学科。他认为，有意义的设计源于对场地中所蕴含痕迹的细致解读。在他看来，建筑 绝非凭空创造，而是始于对场所表面之下在物理、文化和情感层面上既有事物的探索。
在一个高度讲求工程公差与性能确定性的行业中，室内饰面工程却依然依赖着一种极易给项目引入变量的施工方式。即使是经验丰富的工匠，往往也只能凭个人经验来调配材料——靠肉眼和手感估算加水量，不断微调至看似可用的状态。虽然熟练的技艺能减少偏差，却无法根除。这种工艺本身带来的不确定性，最终会直接呈现在饰面表层。
随着欧洲正经历近年来最早且最强烈的热浪之一，在关于气候适应、城市韧性以及城市应对日益极端高温能力的讨论重新升温之际，2026年世界环境日如期而至。在葡萄牙、法国、意大利、西班牙、德国、瑞士、爱尔兰和英国，气温已飙升至远高于季节平均水平的程度，引发了高温预警、学校停课、启动应急预案，并加剧了人们对长期热应力下建筑和公共基础设施性能的担忧。这些现象的叠加凸显了一个在全球范围内愈发显著的现实：气候变化已不再仅仅是一个环境问题，而是一个从根本上重塑人类生活、工作和聚集空间的议题。
BIG – Bjarke Ingels Group 联合 SIRRAH projekt 和 Theatre Projects 设计的、位于克罗地亚东部切平（Čepin）的 EVE 音乐厅（EVE Music Hall）目前已接近完工。该项目总建筑面积达 10,000 平方米，包含现场音乐厅、会议设施、展览空间、咖啡厅以及屋顶活动空间。该场馆预计将举办音乐会、会议、展览和文化活动，室内可容纳近 4000 名观众，室外最多可接待 25000 人。这座全新的文化建筑是该事务所在克罗地亚的首个项目，预计将于 2027 年初竣工，届时也将成为其首个落成启用的音乐表演场馆。
现代城市正依赖于各种绩效指标运转。它们每天运送数以百万计的人口、聚集资本、划分土地用途，并维持着复杂的物流与消费系统。从这个意义上说，城市就像是一个需要不断调整和优化的系统。
如今主导城市的指标大家耳熟能详且随处可见：每小时车流量、平均通勤时间、容积率、车位周转率、新房开工量以及每块土地的税收收入。这些数据描绘了一座通过“效率”得以被解读的城市。它们继承了工业逻辑，在这种逻辑下，城市空间被视为一种生产机制，而非人们居住的生活空间。在这种框架下，城市开始模仿机器的需求和指标。
当材料性成为设计的主导力量时，会发生什么？文化基础设施如何表达自身的身份认同？2026年法兰克福-莱美世界设计之都的西班牙设计展馆汇聚了该国的创意创新力量，通过重新诠释高迪（Gaudí）的建筑遗产来应对当代挑战。该项目被构想为一个可逆的文化基础设施，在激活公共空间的同时，拓展了围绕材料使用、循环性和重复利用的对话。展馆并未生搬硬套历史形式，而是采用了一种兼具当代性与操作性的手法。它强调了西班牙工业、设计与文化之间的协作，探索了植根于几何学、材料效率以及“形式与系统”之间关系的结构与建造原则。
本周，一系列全新平台、学术机构发展以及面向公众的项目相继亮相，拓展了人们对建筑学科的讨论、保护与体验方式，使建筑的文化维度成为瞩目的焦点。从在内罗毕举办的首届泛非建筑双年展宣布参展人员名单，到 Concéntrico 建筑节在洛格罗尼奥（Logroño）推出城市干预装置，再到威尼斯双年展位于军械库（Arsenale）的新档案总部落成，建筑正日益成为研究、交流和集体反思的载体。与此同时，阿肯色州水晶桥博物馆的扩建，以及2026年蛇形画廊展亭的揭幕，均展现出文化机构在打造新型聚集与互动空间方面的持续投入。本周的精选内容涵盖肯尼亚、西班牙、阿尔巴尼亚、沙特阿拉伯、意大利、黎巴嫩、英国和美国，折射出文化机构、公共活动和建筑倡议在多元背景下的演变历程。
伦敦国家美术馆宣布，隈研吾建筑都市设计事务所（Kengo Kuma & Associates）与 BDP 及 MICA 合作，赢得了为该馆设计新展翼的国际竞赛。该竞赛于2025年9月启动，共吸引了全球各建筑事务所的65份提案，其中六支团队脱颖而出入围决选并对提案进行了深化设计。此次获选标志着该馆长期发展战略“多玛尼计划”（Project Domani）迈出了关键一步，使这一新建部分成为重构其建筑与策展框架的核心要素。该项目被视为该博物馆自1824年建立以来最重要的一次转型，旨在扩大空间容量并拓宽策展范畴，从而在统一的场景中呈现西方绘画的连续叙事。
环境正义直面一个简单但令人不安的事实：环境带来的福祉与负担并非均等分配。在世界各地的城市中，边缘化群体承受着不成比例的空气污染、不安全饮水、有毒土地利用、极端高温以及日益加速的气候变化风险。这些均是数十年来政策决策、投资模式、排他性规划实践以及规划选择的必然结果，这些决策和选择在过去一直更倾向于某些特定的社群。
无论在城市还是景观之中，这些不公正都已被刻入场所的实体肌理，甚至揭示了不同街区和地带之间极端的环境差异。例如，缺乏树冠遮阴的密集街区会吸收并积聚热量，导致居民面临更高的中暑及相关疾病风险。而高速公路、工业走廊、港口和垃圾处理设施则往往集中在低收入社区和有色人种聚居区附近，直接塑造了当地的健康状况、空气和土壤质量以及长期安全条件。
建筑学一直依赖于表现体系，在构想化为现实之前使其具象化。尽管在15世纪，菲利波·布鲁内莱斯基的线性透视法曾依据人类感知来组织空间，但如今的建筑师所面临的，却是前所未有的图像饱和。人工智能可在几秒钟内生成空间氛围，而项目早在开工建设之前就已经在不断传播。然而，图像的泛滥并不必然带来更高的清晰度。随着建筑工作流变得更加高效却也更加碎片化，视觉画面有时会在脱离其生成背景——即相关的决策、限制和意图——的情况下进行传播。现代可视化的真正价值已不再仅仅在于渲染出一张最终的效果图，而是在于如何在整个设计过程中，让设计与视觉沟通得到集体的理解和共识。
德拉伊耶双年展基金会（Diriyah Biennale Foundation）公布了入围 2027 年阿穆萨拉奖（AlMusalla Prize）的四家建筑事务所。该国际竞赛旨在为第三届伊斯兰艺术双年展征集一座“穆萨拉”（musalla，即供人祈祷与静思的空间）的设计方案。本届双年展将于 2027 年 11 月 1 日在沙特阿拉伯吉达的朝觐航站楼西区开幕，届时将展示由以下入围团队之一设计的新型祈祷建筑：Al-Jawad Pike（英国）、Civil Architecture（巴林/科威特）、MILLIØNS（美国）或 NEW SOUTH（法国）。获胜方案将于 2027 年 3 月公布，并在展会中建造落成。展会结束后，该建筑将被永久迁移至德拉伊耶的 JAX 艺术区。
第二届面包与心灵节（The Bread & Heart Festival）将于2026年6月3日至5日在阿尔巴尼亚的地拉那举行。这一年度盛会由面包与心灵基金会主办，并与苏黎世联邦理工学院（ETH Zürich）NEWROPE 建筑与城市转型教席联合策展。该基金会的宗旨是为阿尔巴尼亚的建筑、景观和发展对话提供一个开放平台。当前，阿尔巴尼亚正经历着快速转型，并已成为东南欧建设活动最活跃的城市环境之一。此次活动旨在将弗朗西斯·凯雷（Francis Kéré）、珍妮·冈（Jeanne Gang）、马岩松和苏玛雅·瓦利（Sumayya Vally）等国际建筑界知名人士，与当地的从业人员、机构以及更广泛的公众联系起来。与2025年一样，本届节日将在位于斯坎德培广场上由51N4E设计的“图书大楼（Book Building）”举行，围绕“丰饶图景（Landscapes of Abundance）”这一主题汇聚各方嘉宾。
由加州冲浪者创造的滑板运动，最初是为了在没有海浪的日子里，将冲浪的线路带到柏油路面上。但滑板很快超越了这种替代性的身份，逐渐发展出一种以不同逻辑阅读城市的方式。台阶、扶手、墙体和城市缝隙空间，都被重新理解为可能的路线、挑战与机会。随着时间推移，滑板发展为一种全球性的城市文化，也成为一种通过身体运动栖居和改变公共空间的方式。曾经处于边缘的滑板，如今成为激活城市、建立社群、重新使用被忽视空间的推动力量。它让我们看到，在同一座城市中，其实并存着许多不同的城市，取决于人们如何穿行其中，以及他们如何重新解读周围环境。
由墨西哥城建筑事务所 LANZA atelier 设计的2026年蛇形画廊展亭，以“一条蛇（a serpentine）”为题，将于2026年6月6日在伦敦蛇形画廊南馆（Serpentine South）向公众开放。最新公布的预展照片展示了这座已竣工的建筑。该展亭的季节性运营将一直持续至2026年10月25日，期间还将举办蛇形画廊的年度公众活动。作为该项目的第25届，本届蛇形画廊展亭标志着这一年度委托项目迎来了里程碑——该项目于2000年首次启动，首届项目由扎哈·哈迪德（Zaha Hadid）担纲。为纪念这一周年，蛇形画廊还将与扎哈·哈迪德基金会及英国建筑联盟学院（AA）合作开展平行项目，共同探讨展亭的历史传承及其在当代建筑话语中的作用。
介于两者之间：混合形式在当代卫浴设计中的角色
5月21日，一座逼真的“洞穴”在巴黎塞纳河上现存最古老的桥梁——新桥（Pont Neuf）上初具雏形。这一充气艺术装置由法国摄影师兼街头艺术家 JR 携手一支庞大的跨学科团队共同设计并打造。这件名为“新桥洞穴”（La Caverne du Pont Neuf）的作品旨在向克里斯托和珍妮-克劳德（Christo and Jeanne-Claude）于1985年创作的作品《包裹新桥》（The Pont Neuf Wrapped）致敬。在这件大地艺术作品中，两位艺术家用沙岩色的织物将这座历史悠久的桥梁包裹了整整两周。该装置通过黑、白、灰三色调的摄影印刷，创造出模拟岩石纹理的错视（trompe-l'œil）效果。外部造型已然为公众营造出强烈的视觉幻象，同时也为内部设计的最后阶段铺平了道路。
在加沙地带的生命、家园及基础设施遭受了两年多系统性破坏之后，西南亚的一条新战线于2026年2月28日拉开帷幕。自那时起，美以联军的军事打击对黎巴嫩、叙利亚、伊拉克和约旦的人员安全和基础设施造成了严重影响。在随后的几个月里，袭击不断加剧，导致了26年来对黎巴嫩领土最深层的地面推进，并造成该国南部出现大规模流离失所。这一最新阶段的冲突标志着自1978年以来以色列对黎巴嫩的第六次入侵，延续了以色列在该国近50年的军事干预历史。尽管停火协议本应于2024年11月27日生效并于2026年3月2日失效，但城镇和世界遗产被破坏的证据表明，该协议从未得到过真正的遵守。联合国教科文组织（UNESCO）不断对“针对文化财产的非法袭击”表示谴责，最新的一份声明于2026年5月29日发布，旨在应对“敌对行动的持续升级”。
通过引入文化功能，将废弃的宗教殿堂进行改造，构成了当代城市规划中最具吸引力的适应性再利用策略之一。这种功能上的兼容性，似乎源于教堂自身的空间特征：其巨大的中央中殿提供了开阔、无柱的平面布局与宏伟的剖面尺度，能够轻松容纳博物馆、剧院或社区中心所需的内容积。此外，拱顶自带的良好声学性能，加之透过彩色玻璃窗或穹顶过滤而入的自然光线，也为从表演艺术到文化艺术品展览等各类活动创造了理想的空间条件。转型为公共和文化载体后，这些建筑不仅免于被拆除或荒废，更在城市肌理中保留了其作为城市地标和身份认同标志的地位，在不改变其历史意义的前提下为其周边环境注入了新的活力。
Buildner 公布了其“混凝土展亭”（Concrete Pavilion）竞赛的结果。作为 Buildner“材料研究”（Material Studies）系列赛事的一部分，该竞赛邀请建筑师和设计师通过设计一座实验性展亭，来探索混凝土的建筑潜力。参赛者需要打破常规，重新思考这种材料，并深入探究其在空间、结构和感官上的可能性。
威尼斯双年展为其位于军械库（Arsenale）的“历史文献库暨当代艺术国际研究中心”新址举行了启用仪式，将该机构的档案藏品和研究活动迁至其主要展览场地之一的一处经修复的建筑群中。新址的启用为该文献库提供了一个全新的永久总部，在充满历史感的军械库中，将保护、研究、公众查阅和文化活动空间集于一体。为庆祝这一时刻，威尼斯双年展组织了为期三天的活动，包括表演、讲座、对话和公众参观，彰显了该文献库在双年展由展览、节日和教育活动构成的更广泛生态系统中所发挥的作用。
长期以来，西方哲学传统一直将文化与自然对立起来。这种二元思维塑造了自然科学与人文科学的经典范式，建筑学亦未能幸免。在这种逻辑下，非人的一切存在，其价值仅在于被人类开发利用，并被冠以“自然资源”之名。在过去的几个世纪中，这种掠夺式的思维方式塑造了全球诸多地区的发展轨迹，在地球上留下了深刻——有时甚至是不可逆转——的烙印。然而，其他的生存方式自古便一直存在。从西非基于万物有灵论的宗教实践，到巴西圣茹雷马（Sacred Jurema）大师的草药学；从印度那些生活节奏与季风同频的土著社群，到能分辨数十种不同色调白色的北极因纽特人：在这里，人类与自然并无二致，存在的唯有生命本身。
当代学者们正将这一讨论引入哲学领域，尤其是建筑学界。唐娜·哈拉维（Donna Haraway）、安东尼奥·比斯波·多斯·桑托斯（Antônio Bispo dos Santos）、阿希尔·姆贝姆贝（Achille Mbembe）和比阿特丽斯·科洛米纳（Beatriz Colomina）等学者的研究，拓宽了西方狭隘的视野，为我们照亮了在这颗星球上与其他人类及“超越人类的生命”（more-than-humans）共同生活的另一种可能。
大多数人很少会记住一条通道。他们记住的是教室、公寓、展厅，或是通道尽头的广场。通道的设计通常旨在淡化为背景，引导人们从一个目的地走向下一个目的地。然而，建筑中最令人难忘的一些体验，恰恰发生穿行于空间的过程中，而非抵达终点的时刻。
流线往往被视为建筑中最具实用性的元素之一。走廊连接着房间，过道提供了通路，步道组织起穿行于建筑内部的动线。它们的合理性似乎显而易见：帮助人们从一个地点到达另一个地点。正因如此，长久以来，交通流线空间一直被视为其所服务的功能空间的配角。人们的注意力往往集中在目的地，而其间的过渡空间则在很大程度上被忽视了。
