El V&A East Museum, diseñado por el estudio de arquitectura O'Donnell + Tuomey, abrirá sus puertas al público el 18 de abril de 2026. Encargado a la firma en 2015, el nuevo edificio se ubica en el Queen Elizabeth Olympic Park, cerca de su instalación hermana recientemente inaugurada, el V&A East Storehouse, diseñado por Diller Scofidio + Renfro. Situado en el este de Londres, el distrito cultural más nuevo del Reino Unido respaldado por la alcaldía de Londres, este complejo de dos edificios busca "destacar las múltiples formas en que artistas, diseñadores/as y creadores/as de todo el mundo utilizan la creatividad para dar forma al planeta". Dedicado a promover oportunidades creativas y su capacidad para impulsar el cambio, los cinco niveles públicos del museo albergan dos galerías permanentes, una sala de exposiciones temporales de 900 m², un espacio para proyectos y eventos en la planta superior, instalaciones educativas y una cafetería.
La arquitectura se ha sentido atraída desde hace mucho tiempo por la idea de la ligereza. Desde los primeros experimentos modernistas que buscaban preservar el paisaje, elevar los edificios se ha entendido como una forma de proteger el suelo a la vez que se mantiene la continuidad del terreno. Los volúmenes se elevan sobre columnas, las infraestructuras separan la circulación de la superficie y programas enteros quedan suspendidos sobre el nivel del suelo.
Esta premisa se formalizó a principios del siglo XX a través del concepto de los pilotis de Le Corbusier, que proponía liberar la planta baja de los cerramientos. Al elevar los edificios sobre columnas, los/las arquitectos/as buscaban mantener la continuidad con el terreno, permitiendo que la circulación, la vegetación y el uso colectivo se desarrollaran bajo los volúmenes construidos. El edificio ocuparía el aire, mientras que el suelo permanecería abierto, accesible y compartido.
Villa Pisani, labirinto. Image Cortesia de Martins Fontes
La arquitectura suele narrarse a partir de principios como el orden, la claridad y la funcionalidad. En O Livro dos Labirintos, Francesco Perrotta-Bosch propone otra aproximación posible: pensar la disciplina a partir del laberinto — una estructura que, desde su origen mítico, opera por medio del desvío, la ambigüedad y la pérdida de orientación.
Partiendo del Laberinto de Creta, atribuido a Dédalo en la mitología griega, el autor desplaza la discusión sobre el origen de la arquitectura hacia un campo menos asociado a la racionalidad constructiva y más cercano a la experiencia espacial. La pregunta que orienta el libro es directa: ¿por qué la arquitectura habría comenzado con una forma que subvierte la linealidad y la legibilidad?
El territorio de Ecuador abarca una notable diversidad de paisajes, que van desde la Costa del Pacífico hasta las cumbres de los Andes, la vasta extensión de la selva amazónica y las volcánicas islas Galápagos. Cada región del país presenta características distintivas que se reflejan en sus diversos contextos ambientales, culturales y sociales. Si bien la arquitectura latinoamericana tiene sus raíces en ricas tradiciones ancestrales, técnicas constructivas nativas y materiales locales, la arquitectura ecuatoriana contemporánea expresa una identidad en evolución que fusiona estos elementos con las exigencias actuales. La tradición y la innovación, los recursos locales y las técnicas modernas, junto con la responsabilidad social y la estética, interactúan con el entorno natural, las condiciones urbanas y los contextos sociales.
Sistema de baño Lineadacqua de antoniolupi. Imagen cortesía de antoniolupi
¿Qué pasaría si los elementos más avanzados de un baño fueran aquellos que apenas se pueden ver? En espacios donde los muros, cielorrasos y pisos forman superficies ininterrumpidas, los artefactos se repliegan y el agua misma se convierte en el material primordial que define la experiencia. La cuidadosa disposición de los elementos en el baño —como lavamanos, grifos, cabezales de ducha y desagües— suele imponer su presencia tanto por su diseño como por su función. Sin embargo, ¿qué sucede cuando estos elementos comienzan a desaparecer?
En lugar de añadir elementos superpuestos al diseño del baño, algunas propuestas operan bajo la lógica de la sustracción. El espacio ya no se compone de objetos visibles, sino que se concibe como una superficie continua. Los artefactos se repliegan en muros y cielorrasos, permitiendo que el agua, la luz y la atmósfera cobren protagonismo. Lo que se configura es una forma de minimalismo que va más allá: una arquitectura que absorbe por completo sus sistemas técnicos, haciendo desaparecer los dispositivos para dejar únicamente sus efectos. La experiencia en sí se convierte en la protagonista, dejando de estar mediada por objetos visibles para ser moldeada directamente por el agua, la luz y el espacio.
Entrada al Palazzo Citterio, render indicativo. Imagen cortesía de ACDF y Bethan Laura Wood Studio
Del 20 al 26 de abril, la Semana del Diseño de Milán 2026 regresa como una plataforma urbana donde el diseño opera tanto como práctica cultural como forma de exploración. Bajo el lema del Fuorisalone "Be the Project", la edición de este año traslada el enfoque del resultado al proceso, posicionando al diseño como un acto dinámico y centrado en las personas, moldeado por la intuición, la responsabilidad y la transformación. Las instalaciones y exhibiciones en toda la ciudad destacan el hacer como una condición abierta, que asume el error, la temporalidad y la experimentación como elementos integrales de la producción creativa. En este marco, el diseño se convierte en un espacio de intercambio entre disciplinas, materiales e inteligencias, lo que refleja debates más amplios sobre sostenibilidad, tecnologías emergentes y la evolución de la relación entre lo físico y lo digital.
El mundo de la arquitectura evoluciona con rapidez. Ante la transformación tecnológica, la urgencia ambiental y la creciente complejidad cultural, arquitectos y arquitectas deben combinar la creatividad con la destreza técnica, la sensibilidad cultural, las habilidades analíticas y la capacidad de trabajar en diversas disciplinas. El Máster en Arquitectura de la Universidad CEU Cardenal Herrera responde a estas demandas a partir de una experiencia académica transformadora.
Quedan dos días para votar por los ganadores del Premio Obra del Año 2026 de ArchDaily en Español. Los tres ganadores se darán a conocer el 16 de abril, tras tres semanas de votación pública. Los 15 finalistas elegidos por el público reúnen la amplitud de la producción iberoamericana reciente, desde Argentina, Chile, Colombia, Cuba, Ecuador, España, México, Perú, y Uruguay.
Descubre a los 15 finalistas y ayuda a elegir los tres proyectos más relevantes del último año en los países de habla hispana. En esta etapa final, cada persona puede votar por un proyecto al día hasta el 15 de abril a las 18:00 (GMT-4).
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¿Cómo expresa una instalación arquitectónica la identidad de una región? ¿Cómo puede un material de construcción conectar con la esencia de una nación? A lo largo de su historia, España ha sido moldeada por una amplia gama de culturas y civilizaciones, incluyendo influencias musulmanas, fenicias, romanas, griegas, cartaginesas y visigodas. Desde el flamenco hasta las baldosas cerámicas que adornan fachadas y monumentos históricos, cada región de España adopta sus propias costumbres y tradiciones, lo que se refleja en su arquitectura, historia, arte y diseño. Durante la Semana del Diseño de Milán 2026, Tile of Spain presenta Spanish Design as a Souvenir en el Fuorisalone —una instalación que transforma la baldosa cerámica en un medio narrativo a través de una serie de objetos escultóricos que reinterpretan íconos cotidianos de la vida española.
El Getty Centerha anunciado un programa integral de modernización que marcará su transformación más significativa desde su inauguración en 1997. Ubicado en las montañas de Santa Mónica y con vista a Los Ángeles, el campus cerrará temporalmente al público desde el 15 de marzo de 2027 hasta la primavera de 2028 para dar paso a las obras planificadas. La iniciativa se centra en optimizar la experiencia de los/las visitantes, mejorar la accesibilidad y promover la resiliencia energética, al tiempo que respalda la gestión a largo plazo de la institución. Antes de que inicie el cierre, el Getty Center continuará con su programa habitual de exposiciones y eventos hasta principios de 2027.
El anuncio del Premio Obra del Año 2026 está cerca, con solo dos días restantes para el cierre de la etapa final de selección. Los tres proyectos ganadores se darán a conocer el 16 de abril, tras tres semanas de votación pública. Los 15 finalistas componen un retrato del estado actual de la arquitectura según la opinión del público, que ha estado votando por sus obras favoritas.
Conoce los 15 finalistas y forma parte de un jurado imparcial responsable de elegir los proyectos más relevantes del último año construidos en países de lengua portuguesa. En esta etapa final, cada persona puede votar por un proyecto al día hasta el 15 de abril a las 19:00 (hora de Brasilia).
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Rinshunkaku es un ejemplo notable de la arquitectura residencial de principios del período Edo. Construida originalmente en la prefectura de Wakayama por la familia Kishu Tokugawa, la villa se trasladó a Sankeien, un jardín tradicional japonés en la ciudad de Yokohama, durante la era Taisho (1912-1926). El jardín fue creado a principios del siglo XX por el empresario y mecenas de arte Sankei Hara, y alberga varios edificios históricos trasladados desde Kioto, Kamakura y otras regiones de Japón. Rinshunkaku, una de las joyas del jardín, es un excelente ejemplo de la arquitectura japonesa tradicional y de la construcción en madera. Su valor histórico motivó un proyecto de restauración a gran escala en 2019, documentado en la película Artisans of the Reiwa Era (Reiwa no Shokunin-tachi), filmada y editada por Katsumasa Tanaka y Hiroshi Fujiki. El documental ofrece una mirada cercana y detallada a la artesanía japonesa y al dominio de la madera, destacando técnicas tradicionales poco comunes y rindiendo homenaje a los artesanos y artesanas que las preservan.
Ubicado en el paisaje montañoso de Zabbougha, Líbano, el Refugio Cápsula de EAST Architecture Studio se define a través de su propio proceso de creación. El proyecto se despliega mediante decisiones materiales, ajustes en obra y condiciones cambiantes, permitiendo que la construcción misma guíe su lógica espacial.
El proceso de construcción desempeñó un papel central en la definición del proyecto. Construida durante un período marcado por el colapso económico, la escasez de materiales y la constante inestabilidad en el Líbano, la vivienda se desarrolló mediante una adaptación continua. Ante la falta de una empresa constructora principal, el equipo de arquitectura asumió un rol más amplio: coordinar a los artesanos, probar ideas directamente en la obra y responder a limitaciones cambiantes. En este contexto, las condiciones sociopolíticas se convirtieron no solo en un desafío, sino en un catalizador para replantear el diseño. "Estábamos constantemente probando ideas en el lugar", comentan Charles Kettaneh y Nicolas Fayad, fundadores de EAST Architecture Studio, "adaptando estas decisiones a nivel económico mientras explorábamos lo que la artesanía local podía ofrecer".
Con veinte metros de altura y cuatro mil años de antigüedad, la Deffufa Occidental se eleva sobre los huertos de palmeras datileras contiguos y los restos de la antigua ciudad en el desierto. Se trata de un antiguo edificio religioso y administrativo situado cerca de la actual ciudad sudanesa de Kerma. Su importancia no radica únicamente en su antigüedad y tamaño, sino también en el hecho de ser uno de los edificios de adobe más antiguos del mundo. Y como también lo atestiguan las cercanas casas de adobe, la tierra es un material de uso continuo desde la antigüedad hasta nuestros días. Sin embargo, los debates en torno a los sistemas constructivos contemporáneos han ignorado en gran medida este material fundamental. No obstante, algunos/as arquitectos/as del continente africano están cambiando esta situación.
En las últimas décadas, ciudades de todo el mundo han experimentado un incremento en la demolición de autopistas elevadas de concreto. Taipéi, Seúl, Portland y Boston, por ejemplo, han sido testigos del auge y la caída de estas infraestructuras para dar paso a parques y nuevas propuestas de regeneración urbana. En otros casos, como el de Montreal en Canadá, la oposición ciudadana a las autopistas se manifestó incluso antes de su construcción, logrando desviar viaductos, preservar el patrimonio y liberar las vistas al frente marítimo. En el caso de San Francisco, en los Estados Unidos, la historia de la Autopista Embarcadero es una de esas narrativas que sirve como estudio de caso sobre la ambición infraestructural de mediados de siglo de la ciudad, la respuesta ciudadana ante el proyecto y su eventual desmantelamiento en favor de la conectividad urbana.
Ganador de la Categoría de Pequeña Escala + Ganador Estudiantil: Architecture as Resilient Machine. Imagen cortesía de Buildner
Buildner ha lanzado el premio Unbuilt Award 2026, la tercera edición de su concurso anual, que ofrece una bolsa de premios de 100.000 €. De forma paralela, se han anunciado los resultados del Unbuilt Award 2025, marcando la segunda edición de una serie que celebra diseños arquitectónicos que aún no se han realizado. Esta iniciativa ofrece una plataforma global para que profesionales de la arquitectura y el diseño muestren sus proyectos no construidos más atractivos, ya sean conceptuales, publicados, inéditos o completamente desarrollados.
Paul Clemence, en su labor fotográfica, documentó el International Gateway Centre (IGC) en West Kowloon, un desarrollo de uso mixto diseñado por Zaha Hadid Architects en Hong Kong, a medida que se acerca a su finalización. La serie de fotos captura el proyecto en una etapa en la que su volumetría general, sistemas de fachada y organización espacial están prácticamente terminados, mientras continúan los trabajos finales en las áreas públicas e interiores. Las tomas de corto alcance de Clemence destacan los pliegues de sombreado vertical, la curvatura de la envolvente acristalada y las transiciones entre elementos estructurales y ambientales, lo que subraya cómo el lenguaje formal del edificio se resuelve a través de la construcción.
En Europa y América del Norte, la peatonalización se implementa cada vez más como una estrategia urbana adaptada al contexto, moldeada por distintas presiones económicas, sociales y espaciales. A medida que las ciudades continúan reevaluando el papel de las calles ante los cambios económicos, las presiones climáticas y las cambiantes pautas de movilidad, la peatonalización surge como una herramienta clave en los esfuerzos actuales de transformación urbana. En Londres, Nueva York, Houston y Estocolmo, diversos proyectos en curso que priorizan la movilidad peatonal ponen a prueba diferentes caminos hacia ciudades más resilientes y caminables, que van desde la planificación normativa y la construcción de infraestructura hasta visiones basadas en la investigación. La calle Oxford Street en Londres avanza mediante consultas y reformas de gobernanza para hacer frente al declive comercial; Paseo Park, en Nueva York, pasa de ser una intervención temporal de la pandemia a convertirse en infraestructura permanente; Houston acelera la peatonalización de su centro urbano en preparación para un evento deportivo mundial; y la Superline de Estocolmo utiliza la investigación de diseño para replantear el futuro de una autopista urbana. Estas iniciativas revelan cómo se negocia, diseña y construye activamente la peatonalización hoy en día, adaptándose a las motivaciones locales al tiempo que convergen en un objetivo común: lograr que las calles funcionen como espacios públicos resilientes en lugar de meros conductos de tránsito.
Studio NEiDA opera en la intersección de la práctica arquitectónica, la investigación y el trabajo curatorial, con un enfoque constante en cómo los edificios surgen de las condiciones materiales y culturales de un lugar. En lugar de tratar la materialidad como un lenguaje de acabado, el estudio la define como el inicio de una narrativa arquitectónica: a partir de lo disponible a nivel local, analizan qué saber artesanal existe en el territorio y cómo esos recursos y habilidades sitúan al proyecto dentro de un linaje arquitectónico. Este enfoque pone en primer plano las limitaciones y posibilidades como fuerzas productivas, posicionando el diseño como un proceso iterativo que alinea la intención espacial con las realidades de la cultura constructiva y la inteligencia vernácula.
A lo largo de su obra, los intereses de NEiDA van más allá de la forma para adentrarse en los contextos sociopolíticos y climáticos que definen cómo se construye y se habita la arquitectura. El estudio enfatiza el aprendizaje a partir de prácticas constructivas sin autoría, vernáculas e informales como un modo de establecer una gramática común para la intervención; asimismo, describen la continuidad entre el interior y el exterior no como una preferencia estilística, sino como una respuesta a la vida local y a las lógicas de ventilación, donde los espacios al aire libre pueden estar tan definidos espacialmente y ser tan centrales programáticamente como los interiores. La colaboración, bajo este esquema, no es un elemento secundario: el estudio destaca el intercambio en obra con los/las artesanos/as y constructores/as como una metodología fundamental, donde los proyectos evolucionan a través de la inteligencia colectiva y una comunicación adaptativa.
Fachada de cadenas de aluminio de la tienda Disney Glamour / SRA Architectes – Etienne Jacquin. Imagen cortesía de Kriskadecor
En entornos sumamente curados como Disneyland París, la arquitectura opera bajo un conjunto de expectativas diferente. A los edificios no solo se les exige un rendimiento funcional, sino que también deben comunicar, a menudo de forma instantánea. En este contexto, la fachada se convierte en un marcador visual que puede funcionar como umbral, mediando entre la luz, el aire y la percepción. Una de las estrategias que ha ganado terreno en estos escenarios es el uso de sistemas de envolventes semiopacas. Sin ser completamente transparentes ni del todo cerrados, estos sistemas de fachada introducen profundidad y variabilidad.
La National Gallery de Londres ha anunciado a Kengo Kuma & Associates, en colaboración con BDP y MICA, como ganadores del concurso internacional para diseñar una nueva ala para la institución. Iniciado en septiembre de 2025, el certamen atrajo 65 propuestas de oficinas internacionales, de las cuales se preseleccionaron seis equipos para desarrollar propuestas detalladas. Esta selección marca un hito clave en la estrategia de desarrollo a largo plazo de la institución, Project Domani, posicionando a la nueva ampliación como un componente central en la reconfiguración de su marco arquitectónico y curatorial. Concebido como la transformación más significativa del museo desde su fundación en 1824, el proyecto busca expandir tanto la capacidad espacial como el alcance curatorial, permitiendo la presentación de una narrativa continua de la pintura occidental dentro de un mismo espacio.
Esta semana se conmemoró el Día Mundial de la Salud, celebrado anualmente el 7 de abril por la Organización Mundial de la Salud. La edición de este año hizo un llamado a "Apoyar la ciencia", invitando a renovar el compromiso con el conocimiento científico como base para la acción colectiva entre diversas disciplinas. En la arquitectura y el diseño urbano, este imperativo resuena a través de proyectos que traducen la investigación en estrategias espaciales: desde el despliegue de gemelos digitales para informar la planificación urbana y la toma de decisiones, hasta iniciativas de renaturalización que integran la biodiversidad como herramienta para mitigar el cambio climático, y prácticas basadas en el conocimiento de los materiales que promueven una construcción consciente de los recursos. Dentro de este marco más amplio, obras recientes también ponen en primer plano la agencia social de la arquitectura a múltiples escalas, incluyendo un centro de apoyo oncológico centrado en el paisaje en Kent que alinea el bienestar con la sensibilidad ambiental, una instalación urbana en Brescia que funciona como un dispositivo de concientización cívica sobre la vida en prisión y las vías de reintegración, y la transformación de una calle en Mantua en un espacio público peatonal y rico en biodiversidad.
A lo largo de las últimas dos semanas, la comunidad de ArchDaily Brasil nominó más de 14 mil proyectos, lo que dio como resultado 15 finalistas que representan algunas de las obras arquitectónicas más emblemáticas publicadas en el último año. En su 10.ª edición, el Premio Obra del Año busca reconocer lo mejor de la arquitectura en los países de lengua portuguesa, a partir de la elección de los propios lectores. Los finalistas componen un retrato del estado actual de la arquitectura, ya sea en proyectos residenciales, urbanos, culturales u otros programas.
Representando a Brasil y Portugal, los 15 proyectos reflejan las necesidades de sus contextos específicos a través de soluciones creativas propuestas por los/las arquitectos/as locales. Desde reformas de interiores hasta intervenciones urbanas de gran escala, pasando por residencias unifamiliares y proyectos comunitarios, la selección es heterogénea, pero está unida por un rasgo común: el reconocimiento del público, que busca ver representadas sus propias aspiraciones.
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