Instalación "Spinning Around" de Sophia Taillet. Musée de la Chasse et de la Nature, 4–13 de septiembre de 2025. Imagen cortesía de Maison & Objet
Este año, la feria de diseño de interiores Maison&Objet y la celebración urbana Paris Design Week unieron fuerzas para destacar el diseño emergente, revalorizar los métiers d'art (oficios artísticos) franceses y transformar temporalmente hitos patrimoniales con visiones de diseño contemporáneo. Ambos eventos comenzaron el 4 de septiembre, convirtiendo a París en un festival de diseño a escala urbana. Galerías, showrooms y tiendas de concepto abrieron sus puertas, mientras que reconocidos monumentos históricos se convirtieron en sedes para diseñadores/as de más de 30 países. La abundancia y diversidad de la programación han generado comparaciones con la Semana del Diseño de Milán, al tiempo que otorgan a París una plataforma única en el calendario global del diseño. Este artículo presenta una selección de instalaciones y exposiciones de interés arquitectónico surgidas de la sinergia entre ambas iniciativas.
En la medicina tradicional china, la acupuntura funciona a través de agujas colocadas estratégicamente que activan la curación en todo el cuerpo. El concepto del urbanista Jaime Lerner sobre intervenciones arquitectónicas focalizadas tiene éxito tanto en China como en países vecinos de Asia, donde las localidades se revitalizan mediante intervenciones sencillas. Las bibliotecas, específicamente, están impulsando una transformación social, cultural y económica en el continente.
Snøhetta ha presentado planes para Jesselton Docklands, un plan maestro para el frente marítimo tropical en Kota Kinabalu, Malasia, en la isla de Borneo. El desarrollo reimagina el antiguo puerto de la ciudad como un centro cívico y cultural, fortaleciendo su conexión con el frente marítimo y posicionándolo como una nueva puerta de entrada a Sabah y a la región más amplia del sudeste asiático. Ubicado cerca del Aeropuerto Internacional de Kota Kinabalu, el desarrollo incluye una nueva terminal de ferry y cruceros, integrando la infraestructura con el contexto ecológico y cultural de la isla para posicionar a la ciudad como un punto clave de conexión dentro de la región.
Detrás de las fachadas late una vida vibrante donde el exterior se fusiona con el interior, transformando espacios urbanos olvidados en residencias cautivadoras. En ciudades de todo el mundo, los equipos de arquitectura, ingeniería y diseño se enfrentan al desafío de integrar nuevas edificaciones en paisajes urbanos consolidados con un espacio limitado. Hoy en día, numerosos estudios de arquitectura adoptan este concepto, expandiendo sus propuestas más allá de los límites convencionales y transformando pequeños lotes urbanos en espacios habitables en niveles e interconectados.
VUILD ha presentado el diseño de un estadio de fútbol de madera proyectado para Fukushima, Japón, que será la futura sede del Fukushima United FC. Por encargo de SportX, la propuesta combina la participación comunitaria, una estructura de madera innovadora y estrategias sostenibles, posicionando el estadio tanto como un recinto deportivo funcional como un posible símbolo de renovación. Inspirado en la tradición japonesa del Shikinen Sengu, la reconstrucción periódica de santuarios, el concepto introduce tres ciclos: recursos, comunidad y artesanía.
La arquitectura siempre ha sido más que ladrillos y mortero. Se construye, en igual medida, a través de palabras, ideas y narrativas. Desde los tratados antiguos hasta los manifiestos radicales, pasando por manuales técnicos y ensayos poéticos, la palabra escrita ha funcionado como una herramienta espacial, pedagógica y política dentro de la disciplina. La escritura moldea la manera en que la arquitectura se conceptualiza, se comunica y se critica, a menudo mucho antes de su construcción física, o incluso en ausencia de ella.
Históricamente, figuras como Vitruvio, Alberti y Palladio recurrieron a la escritura para codificar principios, proyectar ideales y legitimar la arquitectura como disciplina. En la era moderna, Le Corbusier, Adolf Loos y Lina Bo Bardi escribieron de manera prolífica para expandir los límites de la arquitectura más allá de la forma y la función, utilizando frecuentemente las publicaciones como herramientas de persuasión y experimentación. El periodo de posguerra dio lugar a nuevas estrategias editoriales, como lo demuestran los manifiestos de Archizoom y Superstudio, y las polémicas publicaciones de Delirious New York y Oppositions, donde la escritura funcionó tanto de crítica como de proyecto.
¿Acaso la arquitectura define por sí sola la manera en que habitamos un espacio? Cada vez queda más claro que no es así. Los objetos dentro de un espacio —en particular el mobiliario y otras piezas de diseño— no solo cumplen fines funcionales, sino que moldean activamente la experiencia espacial y humana. A medida que las escuelas, los hogares y las oficinas evolucionan para adaptarse a nuevas formas de trabajar, vivir y socializar, el mobiliario acompaña estas transiciones, suscitando conversaciones que van más allá de la funcionalidad e involucran la dimensión corporal implícita en su uso.
Hace varias décadas, los/las arquitectos/as británicos/as Alison y Peter Smithson ya exploraban la relación entre el cuerpo, la experiencia cotidiana y el espacio a escala arquitectónica. Desde entonces, los conceptos contemporáneos de flexibilidad y confort han ampliado este marco para incluir otras escalas, como el mobiliario. Estas transformaciones han propiciado la consolidación de sistemas de asientos modulares, cuya flexibilidad y adaptabilidad responden a diversas formas de habitar y relacionarse con el espacio. En este contexto surgen propuestas de vanguardia, como la amplia gama de asientos y mesas de Beau: un sistema de asientos modulares expansivos diseñado para múltiples posibilidades, con un marcado énfasis en el confort y el atractivo sensorial.
https://www.archdaily.cl/es/1141958/un-sistema-expansivo-de-sofas-modulares-reimaginando-el-confort-mas-alla-de-sentarseEnrique Tovar
El Royal Institute of British Architects (RIBA) ha revelado los seis proyectos preseleccionados para el Premio RIBA Stirling 2025. Desde su creación en 1996, el galardón reconoce obras que responden a desafíos contemporáneos y, al mismo tiempo, configuran futuros más inclusivos. La selección de este año abarca una amplia gama de escalas y programas, que incluye la restauración de uno de los puntos de referencia más emblemáticos del país, un centro de investigación médica pionero, una vivienda social comunitaria contemporánea diseñada para reducir el aislamiento de las personas mayores, una "fábrica de moda" universitaria, una vivienda totalmente accesible y una creativa extensión residencial. El proyecto ganador se anunciará en vivo durante la ceremonia del Premio Stirling el 16 de octubre en el Roundhouse, en Londres.
El pabellón de Filipinas en la 19ª Exposición Internacional de Arquitectura – La Biennale di Venezia presenta Soil-beings (Lamánlupa), una muestra curada por el director artístico Renan Laru-an. A través de colaboraciones interdisciplinarias, el pabellón reúne a arquitectos/as, expertos/as técnicos/as, líderes indígenas, artistas, formuladores/as de políticas y comunidades locales para explorar las dimensiones culturales, ecológicas y tecnológicas del suelo. Su objetivo es desafiar los paradigmas arquitectónicos convencionales al desviar la atención de la estructura hacia el suelo, entendiéndolo no como un material pasivo, sino como una fuerza viva con agencia, historia y poder.
¿Y si la mejor forma de jugar no fuera la más segura? Durante décadas, las ciudades han construido parques infantiles limpios, coloridos y fáciles de supervisar. Sin embargo, estos espacios—diseñados más para tranquilizar a los adultos que para despertar la curiosidad de los niños—suelen despojar al juego de lo que lo hace realmente transformador: el riesgo, la imprevisibilidad y la autonomía. Los crecientes estándares de seguridad, la reducción del espacio público y la comercialización del equipamiento han limitado aún más las posibilidades de la exploración independiente. Desde un solar en ruinas en la Copenhague de los años 40 hasta los paisajes de hormigón en el Ámsterdam de la posguerra, arquitectos, urbanistas y activistas se atrevieron a desafiar la idea de que el juego debía ser limpio y controlado. Sus propuestas poco convencionales—hechas de materiales sueltos, formas abstractas y recursos improvisados—ofrecieron a los niños la libertad de construir, demoler, explorar y ensuciarse.
En la histórica Stone Town, la principal ciudad de Zanzíbar, Tanzania, la historia de un edificio de cine y su inminente restauración refleja tanto el pasado de la ciudad como la narrativa de las salas de cine en general. El inicio del siglo XX fue testigo del auge en la construcción de cines, que alcanzó su punto máximo a mediados de siglo antes de entrar en decadencia frente a la competencia de los complejos multisala y la televisión doméstica. Aunque muchos fueron demolidos o modificados de forma irreversible, otros tantos quedaron abandonados, convertidos en cápsulas del tiempo de una época pasada. Estos edificios ofrecen un retrato de los estilos y métodos arquitectónicos de su tiempo, al tiempo que recuerdan el papel fundamental que desempeñaron en sus comunidades. Restaurar y adaptar un cine como el Majestic representa un reconocimiento de su valor patrimonial y comunitario.
‘T’ Space inaugurará New Hudson Valley Houses el 7 de septiembre en la Archive Gallery en Rhinebeck, Nueva York. La exposición reúne diez viviendas de diseño reciente de los/las arquitectos/as Stan Allen, Garrick Ambrose, Steven Holl, Toshiko Mori Architect y MOS, todas ubicadas a menos de tres horas de la ciudad de Nueva York. En lugar de exhibir obras terminadas a través de la fotografía, la muestra se apoya exclusivamente en maquetas y dibujos, invitando al público a adentrarse en el proceso arquitectónico y en los fundamentos conceptuales de cada proyecto.
Diseño del Houhai Hybrid Campus. Render. Imagen cortesía de Büro Ole Scheeren
El estudio internacional Büro Ole Scheeren ha presentado las imágenes del Houhai Hybrid Campus, un nuevo complejo urbano en el distrito de Houhai, en Shenzhen. El proyecto se sitúa en una zona estratégica dentro de la Zona Económica Especial (ZEE) original de Shenzhen, conectando el centro comercial de la ciudad con su frente costero. La presentación de las imágenes de Hybrid Campus coincidió con el 45.º aniversario de la designación de Shenzhen como Zona Económica Especial, un hito que marca la transformación de la ciudad de un pueblo pesquero a un centro de innovación global. Actualmente en construcción, el Hybrid Campus integra espacios de trabajo, vivienda, cultura, comercio, ocio, recreación y naturaleza en un complejo urbano unificado, cuya inauguración está programada para finales de 2026.
Los y las arquitectos/as de hoy en día trabajan en múltiples mundos: desde el diseño de mobiliario, paisajes y manzanas urbanas hasta la creación de sets de filmación, fotografías y videos. Se dedican a restaurar y readaptar edificios existentes en lugar de construir de cero, al tiempo que escriben, investigan y publican. Hay quienes diseñan espacios virtuales para videojuegos o especulan sobre hábitats en el espacio exterior y bajo el agua. También hay quienes se involucran directamente con la sociedad a través de la política, el activismo o proyectos comunitarios. Muchos/as experimentan con la biología, prueban nuevos materiales y asumen el rol de científicos/as. Los y las arquitectos/as están descolonizando las viejas narrativas y descarbonizando la industria de la construcción; al entrelazar sus pasiones personales con los desafíos sociales y ambientales más urgentes, logran expandir las fronteras de la profesión y ampliar su alcance.
Ante tantos cambios en la profesión, especialmente en los últimos años, cabe preguntarse: ¿Cómo está evolucionando el rol del/de la arquitecto/a en respuesta a las crisis globales y a las cambiantes necesidades de la sociedad? ¿De qué manera puede la interdisciplinariedad ampliar el alcance y el impacto de la práctica arquitectónica? ¿Y qué habilidades, más allá del diseño tradicional, se están volviendo esenciales para los y las arquitectos/as en el mundo actual?
Play Landscape be-MINE / Carve + OMGEVING. Image Courtesy of Carve
Los parques infantiles son instrumentos espaciales a través de los cuales la sociedad proyecta sus expectativas sobre la infancia, poniendo a prueba los límites entre control y autonomía, exposición y protección. Regulan cómo los niños se relacionan con el espacio, con los demás y con sus propios cuerpos, codificando —muchas veces de manera invisible— normas sociales, miedos y aspiraciones. En este sentido, los parques infantiles no son espacios periféricos de ocio; son construcciones políticas moldeadas por ideologías específicas sobre qué es la infancia y cómo debería desarrollarse. Desde 1989, el derecho al juego ha sido reconocido formalmente en la Convención de las Naciones Unidas sobre los Derechos del Niño, afirmando que el juego es una parte fundamental del desarrollo humano. Diseñar un parque infantil no consiste solo en trazar líneas en un plano o instalar equipamiento en un parque; es definir las condiciones bajo las cuales el juego es permitido, imaginado o restringido.
La rica historia de Italia, evidente en sus monumentos y ciudades, ha creado un contexto único para la renovación arquitectónica. Los/las arquitectos/as italianos/as suelen abrazar este patrimonio entablando un diálogo entre lo antiguo y lo nuevo, en lugar de aspirar a una transformación total. Este enfoque evita deliberadamente el estilo imitativo; en su lugar, se utilizan materiales contemporáneos como el acero, el vidrio y la madera nueva para enmarcar y destacar la piedra y el ladrillo históricos preexistentes. Esta yuxtaposición transforma los materiales originales, que dejan de ser simples elementos estructurales para convertirse en piezas decorativas y narrativas de primer plano. El resultado es una experiencia estratificada donde la historia del espacio permanece visible, garantizando su preservación en lugar de su eliminación a causa de la reforma.
El surf es, sin duda, uno de los deportes más fascinantes y visualmente atractivos. Una coreografía fluida que combina fuerza y delicadeza, como una danza sobre las olas, reúne a entusiastas en todos los océanos del mundo. Sin embargo, detrás de esta imagen de libertad y conexión con la naturaleza, el deporte también alberga contradicciones. Por un lado, es un símbolo de la vida al aire libre y del respeto por el océano; por el otro, está marcado por disputas territoriales por las olas y por una huella ambiental que rara vez recibe la misma atención que su estética. En tiempos de crisis climática, esta paradoja resulta aún más evidente. El surf depende directamente de la salud de los ecosistemas marinos, precisamente los más afectados por la contaminación y el calentamiento global. Esta tensión ha impulsado a una nueva generación de shapers, así como de profesionales de la arquitectura y del diseño de materiales, a buscar alternativas —desde espumas de origen vegetal y recicladas hasta la reutilización de residuos industriales— para volver a conectar este deporte con su dimensión ecológica.
21st Europe, un laboratorio de ideas con sede en Copenhague fundado por Kaave Pour, anteriormente a cargo de la dirección creativa de SPACE10, ha presentado su segunda gran propuesta estratégica, Continent of Play. Desarrollada en colaboración con el estudio de diseño y arquitecturaSpacon, la propuesta redefine las áreas de juego como una infraestructura cívica vital, situándolas al mismo nivel que los museos, los centros de transporte y las redes de energía como espacios definitorios para el futuro de Europa.
Hoy, 2 de septiembre, se anunciaron los siete ganadores del 16.º ciclo (2023–2025) del Premio Aga Khan de Arquitectura, tras las evaluaciones in situ de los 19 proyectos preseleccionados que se dieron a conocer en junio. Establecido en 1977, el premio busca identificar y fomentar conceptos de construcción que respondan a las necesidades físicas, sociales y económicas de comunidades con una presencia musulmana significativa, abordando al mismo tiempo sus aspiraciones culturales. Para comprender la visión detrás de los ganadores de este ciclo, la redactora jefa de ArchDaily, Christele Harrouk, conversó con Farrokh Derakhshani, quien ha colaborado con el galardón durante más de cuatro décadas. Derakhshani describió la iniciativa como "un mensaje curado para el mundo", un mensaje que evoluciona con el tiempo.
Los entornos de trabajo y de aprendizaje han experimentado profundas transformaciones en las últimas décadas. En las oficinas, los cubículos y las salas compartimentadas han dado paso a distribuciones abiertas y colaborativas. En escuelas y universidades, las aulas tradicionales de configuración rígida, pizarrones y filas de bancos han sido reemplazadas por espacios más dinámicos, flexibles e interactivos. En ambos contextos, el objetivo era fomentar la integración, la creatividad y el intercambio constante. Sin embargo, esta apertura también ha planteado nuevos desafíos: el aumento de las distracciones, la sobrecarga sensorial y la dificultad para encontrar momentos de concentración o introspección. Mientras más barreras se eliminen en favor de la fluidez y la colaboración, más fundamental se vuelve ofrecer momentos de quietud, intimidad y equilibrio sensorial para quienes necesitan autorregularse. El desafío es tanto espacial como psicológico, lo que plantea una pregunta fundamental para la arquitectura: ¿cómo podemos propiciar la conexión y el repliegue, la actividad y el silencio, al mismo tiempo?
Museo Nacional de Uzbekistán, Render de Tadao Ando Architect & Associates. Imagen Cortesía de The Uzbekistan Art and Culture Development Foundation
La Fundación para el Desarrollo del Arte y la Cultura de Uzbekistán (ACDF) ha anunciado el inicio de la construcción del Museo Nacional de Uzbekistán, diseñado por el arquitecto japonés Tadao Ando. Este proyecto marca la primera gran obra de Ando en Asia Central, y el museo está concebido como un hito tanto arquitectónico como cultural en Tashkent. Esperando abrir sus puertas en marzo de 2028, el edificio refleja el lenguaje arquitectónico minimalista de Ando, integrando referencias al patrimonio de Uzbekistán con su característico uso de la geometría, la luz natural y la claridad espacial.
En medio de las arterias congestionadas por el tráfico de Los Ángeles, donde los automóviles han dominado las calles durante mucho tiempo, se cuestiona el futuro de la movilidad urbana. Esta reorientación no se centra simplemente en eliminar los automóviles o introducir nuevas tecnologías, sino en concebir la ciudad como un sistema integrado en el que las personas, los lugares y los vehículos coexistan en equilibrio. Los automóviles ya no son el centro incuestionable de la vida urbana; por el contrario, se les aborda como un componente más de una red de transporte multimodal más amplia. Hoy en día, el diseño busca priorizar las necesidades y experiencias humanas por encima de la hegemonía vehicular.
