La línea curatorial refleja muchas de las ideas desarrolladas a través del trabajo de Amateur Architecture Studio, oficina fundada por Wang Shu y Lu Wenyu en 1997. A lo largo de su trayectoria, sus proyectos han explorado de manera constante la reutilización de materiales recuperados, las técnicas de construcción regionales y la continuidad entre las formas de edificación históricas y contemporáneas. Tanto en contextos urbanos como rurales, el trabajo del estudio suele destacar las tradiciones artesanales, la memoria colectiva y las cualidades espaciales arraigadas en los entornos cotidianos.
El Ministerio de Cultura de Francia anunció el lunes 18 de mayo de 2026 al equipo ganador del concurso "Louvre–Nouvelle Renaissance". El equipo seleccionado para transformar el mundialmente famoso Musée du Louvre está liderado por STUDIOS Architecture, la oficina neoyorquina Selldorf Architects y la firma de arquitectura de paisaje BASE Paysagiste. Esta iniciativa de renovación se anunció en enero de 2025 como una gran intervención para el complejo histórico, tras las preocupaciones expresadas por la dirección del museo respecto a su deterioro. La primera ronda del concurso se llevó a cabo en junio, mientras que en octubre se dio a conocer una preselección de cinco equipos. Según las autoridades francesas, el proyecto tiene un doble objetivo: reparar y transformar el edificio para preservar sus colecciones y, al mismo tiempo, actualizarlo para satisfacer las expectativas del público contemporáneo, incluidos los requisitos de sostenibilidad que plantearán desafíos significativos para el museo en las próximas décadas.
La arquitectura suele presentarse como la expresión visible de su época: sus deseos, su fe en el progreso, su idea del orden. Sin embargo, esta lectura tiende a simplificar las condiciones en las que se producen los edificios, sugiriendo que la arquitectura va a la zaga de la historia cuando, en muchos casos, participa activamente en ella. Pocos períodos lo hacen más evidente que el siglo XX, época en la que la arquitectura se entrelajó profundamente con programas políticos, sistemas económicos y visiones contrapuestas sobre cómo debía organizarse la vida colectiva.
Lo que comúnmente se agrupa bajo la etiqueta del modernismo suele describirse como un proyecto coherente, definido por la claridad formal, el optimismo tecnológico y la ruptura con los estilos históricos. No obstante, esta aparente coherencia se disuelve cuando miramos más allá de sus centros canónicos. Los mismos principios espaciales (la estandarización, la zonificación funcional y la producción industrial) se adoptaron en contextos políticos y económicos que diferían significativamente en sus estructuras y objetivos. Así, un movimiento aparentemente estático se desplegó como un sistema flexible que se reorientaba continuamente según las prioridades de cada régimen. Lo que parecía un lenguaje compartido era, en la práctica, un conjunto de herramientas aplicadas a agendas distintas.
Antes de cualquier diseño o decisión formal, ya pulsaba, en el lugar donde hoy se encuentra la Plaza del Mercado, en el Parque Realengo, Río de Janeiro, un espacio en permanente movimiento. Puestos improvisados, encuentros informales, música, niños y niñas corriendo y personas adultas reunidas bajo cubiertas provisorias componían un paisaje vivo, que delineaba una arquitectura efímera.
En este contexto se inserta el trabajo desarrollado por Carlos Zebulun, Helena Meirelles, Larissa Monteiro, Rodrigo Messina, Francisco Rivas y Juliana Ayako, una de las propuestas ganadoras de los ArchDaily 2025 Next Practices Awards. La gestión y los proyectos urbanos y paisajísticos fueron realizados por el estudio Ecomimesis Soluções Ecológicas, ganador de la licitación realizada por la Alcaldía de Río de Janeiro en 2023.
"No hay espacio sin acontecimiento, ni arquitectura sin acción". Cuando Bernard Tschumi escribió estas palabras, estaba articulando un principio fundamental de la práctica de la arquitectura. La arquitectura se trata del comportamiento. Cada trazo sobre un plano es una propuesta de cómo se moverán los/las ocupantes o qué acciones serán posibles.
Dibujar es proyectar arquitectónicamente una realidad. Sin embargo, aun con este poder, la arquitectura no impone órdenes. No dicta instrucciones ni exige obediencia, sino que opera a través de un control sutil: un modo de influencia que moldea el comportamiento al estructurar la percepción y guiar la atención.
Entre 2005 y 2021, el dúo fotográfico francés integrado por Yves Marchand y Romain Meffre desarrolló un proyecto a largo plazo titulado Theaters. Exhibida recientemente en KYOTOGRAPHIE 2026, la obra documenta un fenómeno que continúa desarrollándose gradualmente en todo el mundo: la decadencia de la infraestructura originalmente diseñada para el entretenimiento público a principios del siglo XX. Teatros, cines y salas de espectáculos que alguna vez acompañaron la modernización de las ciudades son cada vez más abandonados, reconvertidos o "dejados en suspenso como ruinas híbridas". Este proceso suele asociarse con la creciente individualización del consumo cultural —desde la adopción masiva de la televisión hasta el auge de la industria del streaming—, así como con el impacto de la pandemia de COVID-19 en las instituciones culturales. A continuación se presentan tres casos ubicados en Inglaterra, Chile y Japón que ilustran diferentes etapas de esta transformación, al tiempo que destacan los esfuerzos comunitarios para preservar el patrimonio cultural moderno.
Al pasar del calor de Dubái al vestíbulo de una torre de vidrio, el desierto parece desaparecer. Afuera, las temperaturas superan los 45 grados Celsius; adentro, el aire es frío, hermético y está perfectamente controlado. Durante décadas, este contraste constituyó la imagen definitoria de la modernidad en el Golfo. La arquitectura dejó de ser una negociación con el clima para convertirse en una demostración de que este podía ser superado. Torres de vidrio reflectante se alzaron en el desierto como símbolos de consolidación, proyectando poder financiero, confianza tecnológica y ambición global. Bajo esta imagen urbana subyacía una infraestructura construida sobre el petróleo, la energía barata y la continua supresión mecánica del calor.
Las ciudades del sudeste de Europa no esperan a ser leídas. Acumulan, capa sobre capa, la planificación socialista, las perturbaciones post-socialistas y el trabajo más silencioso y menos legible de la ciudadanía que reconstruye el espacio desde abajo. Aquí, el espacio y el legado se imponen bajo sus propios términos. ¿Qué ocurre con la investigación arquitectónica cuando las ciudades que observamos ya parecen saber algo que nuestra disciplina aún no ha aprendido a ver?
San Diego, California. Foto de Samuel Ramos en Unsplash
Muy cerca de la frontera con México, en el extremo suroeste de los Estados Unidos, se encuentra la ciudad de San Diego. Su historia urbana comenzó en 1769 con la llegada de una expedición militar española al mando de Gaspar de Portolá, lo que marcó el primer asentamiento permanente en el territorio que entonces se conocía como Alta California. Sin embargo, a diferencia de las capitales administrativas y poblaciones formalmente urbanizadas de México y Centroamérica, San Diego se concibió como un puesto de avanzada fronterizo. En la actualidad, se ha convertido en la segunda ciudad más grande de California, solo por detrás de Los Ángeles, y su traza urbana narra una historia de herencia hispana que se entrelaza con el entorno cultural contemporáneo de los Estados Unidos.
El 12 de marzo, el arquitecto chileno de ascendencia croata, Smiljan Radić Clarke, fue galardonado con el Premio Pritzker de Arquitectura 2026. El jurado destacó su "enfoque poco ortodoxo del diseño", el cual "puede parecer inicialmente inusual, inesperado, incluso rebelde; sin embargo, lejos de producir alienación o distanciamiento, su postura anticanónica se siente fresca y sin precedentes. Transmite la sensación inequívoca de encontrarse con algo nuevo". Este reconocimiento se celebrará con la Conferencia y Mesa Redonda Anual de la Persona Galardonada con el Premio Pritzker de Arquitectura, que se llevarán a cabo en Ciudad de México en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), en el Teatro Estefanía Chávez de la Facultad de Arquitectura, el 12 de mayo de 2026.
La arquitectura de gran altura sigue siendo una herramienta fundamental para albergar la densidad en entornos urbanos en rápida evolución. Definida tradicionalmente por la eficiencia y la repetición, la torre se reexamina cada vez más como un sistema espacial y organizativo más complejo. En diversas geografías, los/las arquitectos/as están probando cómo las estructuras verticales pueden ir más allá de las funciones únicas para incorporar programas superpuestos, estrategias ambientales y nuevas formas de ocupación.
La siguiente selección reúne proyectos no construidosenviados por la comunidad de ArchDaily, destacando una variedad de enfoques para la torre contemporánea. Desde desarrollos de uso mixto y rascacielos residenciales hasta propuestas ecológicas especulativas, estas obras reflejan un cambio continuo en la forma en que se concibe la arquitectura vertical. Estas torres abordan cuestiones más amplias de privacidad, convivencia, adaptabilidad e integración urbana.
Aprender algo nuevo es, biológicamente, una transformación del cerebro. Con cada experiencia, las conexiones neuronales se reorganizan, creando y fortaleciendo sinapsis. Mucho más que la simple acumulación de información, el aprendizaje consiste en la reconfiguración de estructuras internas, un proceso capaz de transformar tanto a las personas como a las sociedades. El entorno en el que esto ocurre puede cultivar la curiosidad, la adaptabilidad y la resiliencia emocional, apoyando así a nuestra próxima generación de líderes, o bien reprimir esas cualidades, lo que conduce al retraimiento y al aislamiento.
Con el auge de la escolarización moderna durante la Revolución Industrial, surgió un modelo estandarizado, definido por filas de pupitres, instrucción simultánea y supervisión visual. Comparado a menudo con un sistema de producción en fábrica, este modelo aún persiste en muchos lugares a pesar de los profundos cambios tecnológicos. Estos entornos rígidos permanecen incluso cuando el aprendizaje moderno exige experimentación y adaptabilidad.
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Diseño ganador para la renovación de un centro de visitantes y espacio comunitario en el Parque Nacional Banff. Paul Raff Studio y Kengo Kuma & Associates, 2026. Imagen cortesía de Parks Canada
El 13 de mayo de 2026, Parks Canada, la agencia federal responsable de proteger y gestionar el patrimonio natural y cultural de Canadá, anunció el diseño ganador para la renovación de un centro de visitantes y espacio comunitario en el Parque Nacional Banff. El concurso se organizó en colaboración con el Royal Architectural Institute of Canada (RAIC) como parte del Proyecto de Reurbanización de la Manzana 200 de Banff Avenue (200-Block Banff Avenue Redevelopment Project). La propuesta de Paul Raff Studio y Kengo Kuma & Associates fue seleccionada de una lista de cinco equipos precalificados que también incluía a EVOQ + Ryder, KPMB Architects, Revery Architecture y Stantec Architecture. Un jurado independiente convocado por el RAIC seleccionó el diseño por su enfoque del paisaje, sus principios de sostenibilidad y su equilibrio entre la conservación, el patrimonio, las perspectivas indígenas y la experiencia de los y las visitantes, entre otras consideraciones.
Con sede en la Ciudad de México, Estudio Ome, fundado por Susana Rojas Saviñón y Hortense Blanchard, es una práctica de arquitectura y paisaje que trabaja en bosques, terrenos volcánicos, fragmentos urbanos y antiguos sitios industriales. Ganador de los ArchDaily 2025 Next Practices Awards, el estudio desarrolla proyectos a través de la observación constante de las condiciones ecológicas y territoriales, donde las decisiones de diseño surgen directamente del comportamiento del suelo, el agua, la vegetación y la tierra.
Cada proyecto comienza con encuentros repetidos. El primer acercamiento al terreno se realiza a través del caminar y la observación prolongada, permitiendo que los patrones de drenaje, la erosión y los cambios estacionales se vuelvan legibles antes de que ocurra cualquier medición formal. Estas visitas constituyen la base para interpretar tanto las capas visibles como las subterráneas: la hidrología y las transformaciones históricas que continúan ejerciendo fuerza sobre la superficie.
Interpretar el hábitat contemporáneo es una prioridad para los y las profesionales de la arquitectura y el diseño en todo el mundo. En medio de tendencias cambiantes, fusiones estilísticas y el resurgimiento de diversas técnicas, el diseño de interiores contemporáneo reúne materiales, texturas y colores para transformar la experiencia de las personas usuarias. En el ámbito doméstico se despliega una serie de realidades, tensiones y actividades, donde el diseño sirve como una base sólida y un sistema de soporte para satisfacer las necesidades de sus habitantes. En el marco de la Semana del Diseño de Milán 2026, el ICEX y Elle Decor Italia presentaron la cuarta edición de Appartamento Spagnolo—un marco espacial concebido para exhibir el diseño de interiores español contemporáneo dentro de un contexto histórico.
Monasterio Ambrosiano, Milán. Imagen cortesía de Stefano Boeri Architetti
A medida que los desafíos urbanos globales se intensifican junto con las crecientes presiones ambientales, sociales y culturales, las noticias de esta semana reflejan cómo las instituciones, las exhibiciones y los proyectos de restauración destacan la relación entre el entorno construido y la experiencia colectiva. Desde foros internacionales que abordan la inseguridad habitacional y la resiliencia urbana hasta eventos culturales que examinan la memoria, la identidad y la percepción espacial, se posiciona a la arquitectura tanto como un marco para las políticas públicas como un medio para la reflexión crítica. Al mismo tiempo, importantes iniciativas de restauración y redesarrollo destacan un enfoque renovado en preservar la continuidad histórica mientras se adaptan los sitios patrimoniales y las instituciones culturales a formas contemporáneas de uso, accesibilidad y participación pública.
MVRDV y OODA presentaron un nuevo plan maestro para la regeneración de un terreno vacante de 28 hectáreas entre Marvila y Beato, en el frente fluvial de Lisboa. Recientemente aprobado por el Ayuntamiento de Lisboa, el proyecto fue desarrollado en colaboración con LOLA Landscape Architects y Thornton Tomasetti para transformar la zona en un distrito urbano centrado en el paisaje. Bajo el título "The Marvila Masterplan", la propuesta establece las bases para incorporar 1,400 viviendas junto con equipamiento público, locales comerciales y de servicios dentro de un territorio fragmentado y mayoritariamente abandonado. El proyecto es una iniciativa privada liderada por el principal propietario del suelo y desarrollada en coordinación con el Ayuntamiento de Lisboa e Infraestruturas de Portugal.
El patrimonio, en el diseño de interiores, rara vez se limita a una cuestión de mera preservación. Con mayor frecuencia se presenta como una fricción: el encuentro entre lo que un edificio ya es —la lógica de su planta, sus cicatrices, sus inconsistencias estructurales— y lo que la vida contemporánea le exige.
Algunos de los proyectos más convincentes de hoy en día no son aquellos que «restauran» un interior para devolverlo a un momento único, ni los que borran el pasado bajo una nueva piel homogénea. Son aquellos que orquestan una relación entre lo antiguo y lo nuevo, permitiendo que el contraste haga más que simplemente contar una historia, y transformando ese choque en una herramienta pragmática para la construcción, el presupuesto y los tiempos de ejecución.
Vana Vasa Resort por MJ Kanny Architect, ganador de los Steel Architectural Awards ASEAN 2024. Imagen cortesía de NS BlueScope
Los Steel Architectural Awards ASEAN 2026 son un programa regional de premios de arquitectura presentado por NS BlueScope para reconocer proyectos construidos que demuestren excelencia arquitectónica mediante el uso de soluciones de acero revestido. Bajo el lema Shaping Resilient Futures: Timeless Design with Coated Steel, el programa destaca proyectos en Indonesia, Malasia, Tailandia y Vietnam, avanzando desde los Premios Nacionales (Country Awards) hasta el reconocimiento a nivel de la ASEAN. Este artículo explica cómo funciona el proceso de dos etapas, qué categorías se incluyen y cómo se evalúan los proyectos a través de la Excelencia en el Diseño, la Innovación y la Sostenibilidad.
En América Latina, el suelo rara vez es una simple superficie sobre la cual construir. Puede ser la orilla de un río, una pendiente pronunciada, el suelo húmedo de un bosque, un paisaje inundable o un territorio bajo presión ecológica y, en muchos casos, alberga una historia de comunidades que ya sabían cómo responder a él, construyendo sobre pilotes, plataformas o sobre el agua, mucho antes de que la arquitectura contemporánea se planteara las mismas preguntas.
Estos proyectos continúan esa conversación. Se relacionan con condiciones dinámicas que fluyen, absorben, erosionan y crecen, en lugar de tratar al suelo como algo que se debe nivelar o controlar. La elevación permite que la arquitectura se adapte sin imponerse por completo: el agua puede pasar por debajo, la vegetación puede permanecer y las pendientes pueden conservar su estado original. En cada caso, la decisión de elevarse está vinculada a un factor específico: el agua, la humedad, la topografía, la vegetación o la restauración ecológica, sumado al conocimiento de cómo construir dentro del entorno y no en su contra.
¿Qué define la atmósfera de un hogar? Más allá de las paletas de materiales y la luz natural, el sonido desempeña un papel determinante en la manera en que se perciben y se habitan los espacios. La reverberación de los pasos sobre la piedra, la calma atenuada de una habitación revestida de textiles o la forma en que la música se propaga por un interior de planta libre definen la identidad sensorial del espacio doméstico. La arquitectura no solo se experimenta visualmente, sino también de forma acústica.
El concepto de "paisaje sonoro" describe esta relación entre las personas, el sonido y el entorno construido. En la arquitectura residencial, el sonido es más que un ruido de fondo o una especificación técnica; influye en la privacidad, la concentración, el descanso y el confort emocional. La geometría y la materialidad actúan como los principales conductores acústicos: mientras que el concreto, el vidrio y la piedra reflejan y amplifican, la madera y los tapizados suavizan y absorben. Además, la altura de los techos, las circulaciones y las proporciones de las habitaciones terminan de definir cómo viaja y se asienta el sonido en el espacio.
La Casa Batlló en Barcelona ha presentado la restauración del tercer piso del edificio, abriendo al público por primera vez la última residencia original que se conserva de la transformación de la propiedad realizada por Antoni Gaudí entre 1904 y 1906. Bajo la dirección del arquitecto restaurador Xavier Villanueva y desarrollada a lo largo de tres años mediante un proceso de conservación de carácter arqueológico, la intervención recupera un entorno doméstico en gran parte intacto que permaneció habitado por descendientes de la familia Batlló durante más de un siglo. Adaptado como una serie de salas privadas para reuniones, eventos culturales y experiencias, el departamento restaurado combina la preservación del patrimonio con una intervención de diseño interior contemporáneo a cargo de Paola Navone – OTTO Studio, estableciendo un nuevo programa para uno de los hitos arquitectónicos más reconocidos de Barcelona.
