Las etapas iniciales de ideación pueden ser tanto las más emocionantes como las más desafiantes del proceso de diseño. Las ideas fluyen con rapidez, pero pueden resultar abstractas y difíciles de comunicar. Esto puede generar frustración y hacer perder un tiempo valioso.
Hoy en día, profesionales de la arquitectura, el diseño y las artes pueden acortar la distancia entre el primer boceto y una decisión de diseño significativa al combinar las técnicas tradicionales de ideación con herramientas de visualización impulsadas por inteligencia artificial, diseñadas para potenciar —no reemplazar— la creatividad humana. Las herramientas de Chaos sitúan al talento creativo firmemente en el centro del proceso, brindándole velocidad y claridad sin sacrificar la autoría ni el control.
El Museo de Arte de Almaty ha abierto sus puertas en Kazajistán, estableciendo una nueva institución cultural dedicada al arte contemporáneo en Asia Central y a nivel internacional. Diseñado por Chapman Taylor, el museo se ubica en las faldas de las montañas Tian Shan y abarca 10,060 metros cuadrados. El diseño se inspira en el contraste entre la ciudad de Almaty y su entorno montañoso, una relación que se expresa a través de dos volúmenes interconectados y revestidos de piedra caliza y aluminio. Estos se organizan en torno a un atrio central lleno de luz conocido como "Art Street", el cual funciona como el espacio principal de circulación y encuentro.
Lina Ghotmeh — Architecture reveló recientemente imágenes del proyecto AlUla Immersive Living, una propuesta residencial diseñada para emerger del paisaje desértico de Arabia Saudita. Su forma está esculpida por la luz y el viento del lugar, arraigada en el clima y posicionada entre la roca y la duna. El diseño se basa en el concepto de un refugio que pertenece tanto al desierto como a sus habitantes, funcionando como un "paisaje vivo". La estructura se concibe con gruesos muros de tierra apisonada, que contrastan con plataformas abiertas que enmarcan el cielo. Se presenta como una declaración de arquitectura pensada "no para dominar, sino para albergar", ofreciendo refugio sin cortar los vínculos con el entorno, lo que refleja la postura de Lina Ghotmeh en la intersección de contexto, oficio y cuidado.
El rol del arquitecto o de la arquitecta ha sido tradicionalmente claro y definido: diseñar un edificio, dirigir el proyecto, coordinar la logística y guiar la construcción hasta su finalización. Sin embargo, a medida que han proliferado las especialidades profesionales, de la mano de una economía social en constante cambio, la práctica de la arquitectura se ha diversificado, abriendo múltiples caminos para que los y las profesionales de la disciplina contribuyan a la sociedad.
Desde la década de 1980, uno de los cambios más constantes ha sido la separación entre el/la "arquitecto/a de diseño" y el/la "arquitecto/a de registro". Si antes un solo despacho llevaba un proyecto desde el concepto hasta su finalización, la internacionalización —junto con el trabajo transfronterizo, los regímenes de licencias, los modelos de contratación y las estructuras de responsabilidad civil— ha propiciado una división. Los equipos de diseño definen cada vez más la dirección conceptual y esquemática, para luego entregar el desarrollo del proyecto a arquitectos/as de registro locales que se encargan del detalle técnico, las aprobaciones y la ejecución en obra. Este modelo ofrece ventajas claras —mayor especialización, eficiencia y, a menudo, rentabilidad (o servicios ofrecidos a tarifas reducidas)—, pero también segmenta la profesión y puede distanciar la autoría de la ejecución real.
¿Cuál podría ser, entonces, el próximo cambio y qué nuevas sinergias podrían redefinir el rol de los y las arquitectos/as? ¿Cómo deben adaptarse los y las profesionales a este clima profesional en constante cambio? Una trayectoria prometedora apunta a un giro que va de los objetos singulares y permanentes hacia un placemaking continuo: programas iterativos y específicos para cada contexto que desarrollan prototipos, prueban y perfeccionan ideas espaciales de cara al público. En lugar de producir una gran obra icónica que condicione un sitio durante décadas, este modelo privilegia los ciclos de creación, uso, evaluación y ajuste a escala comunitaria.
Areal am Kronenrain / MONO Architekten. Imagen cortesía de Gregor Schmidt
Marginados del discurso arquitectónico y a menudo descartados como meros elementos funcionales, los edificios de estacionamiento siguen estando entre las estructuras más ubicuas del paisaje urbano. Diseñados para satisfacer las necesidades de los vehículos privados, ocupan ubicaciones centrales, definen los horizontes urbanos y consumen recursos considerables; sin embargo, rara vez reciben la misma atención —o cuidado arquitectónico— que las instituciones culturales, las escuelas o la vivienda. A pesar de su omnipresencia, estos edificios tienden a desvanecerse en el fondo de la vida cotidiana, tratados como necesidades de infraestructura en lugar de como oportunidades de diseño.
Esto está empezando a cambiar. A medida que la movilidad urbana experimenta profundas transformaciones —desde la disminución de la propiedad de automóviles hasta el auge de los vehículos eléctricos y los sistemas de transporte compartido—, el papel de la infraestructura de estacionamiento se está redefiniendo. Arquitectos/as y planificadores/as están reimaginando los estacionamientos como estructuras adaptables que integran el espacio público, las funciones ecológicas y programas de uso mixto. Estos nuevos enfoques desafían la percepción de los estacionamientos como una tipología residual y, en su lugar, los posicionan como estructuras cívicas con el potencial de sustentar modelos urbanos más inclusivos, flexibles y sostenibles.
La trayectoria de Jonathan Yeung en la arquitectura comenzó a partir de su profundo aprecio por la experiencia física y corporal de recorrer espacios cuidadosamente diseñados. Habiendo crecido y estudiado en diversos lugares —Hong Kong, Kioto, Cambridge y Berkeley—, desarrolló una sensibilidad hacia la resonancia cultural de la arquitectura, a menudo de formas que trascienden una explicación simple. Para Jonathan, la arquitectura evolucionó de una experiencia corporal a una poderosa forma de expresión que abarca el diseño, la construcción y la escritura. El trabajo editorial se ha convertido, de manera natural, en una extensión de esta exploración, ofreciéndole una plataforma para reflexionar sobre ideas arquitectónicas desde múltiples perspectivas.
Aborda la curaduría editorial centrándose en temas de relevancia persistente: asuntos que invitan a conversaciones complejas y multidimensionales, arraigadas en dilemas sociales, culturales o arquitectónicos. Busca proyectos marcados por la intencionalidad y la excelencia: obras que desafían los límites, refinan lo cotidiano para convertirlo en algo excepcional o revelan sutiles matices espaciales y materiales que moldean nuestra experiencia del entorno construido. Su interés por el detalle arquitectónico destaca como un tema recurrente, el cual resalta el oficio y la precisión que contribuyen a crear espacios duraderos y atemporales que, a menudo, se pasan por alto en los discursos más amplios.
Trabajando con el lugar en vez de contra él, la exposición "Arquitectura es Cooperación" comisariada por Josep Ferrando hace énfasis sobre el valor de la cooperación en la esencia de la arquitectura. Dando a conocer el trabajo de profesionales, organizaciones y comunidades en proyectos de cooperación impulsados desde España, la instalación se materializa a partir de un diseño expositivo en tierra y madera. De esta manera, entiende la elección de estos materiales no solo desde su estética o simbolismo sino desde su funcionalidad y compromiso con los principios de la economía circular. Hasta el 30 de septiembre de 2025, la muestra se expone en la Casa de la Arquitectura en Madrid resaltando la necesaria atención de la arquitectura sobre las demandas de las sociedades y colectivos más vulnerables alineando el lenguaje constructivo con el contenido de la exposición.
Al reconocer este proyecto, el jurado del premio elogió su capacidad para intervenir de manera sensible pero racional, utilizando el diseño para fomentar la inclusión, la resiliencia, la sostenibilidad y el bienestar general. El diseño alcanza estos objetivos al rechazar la zonificación funcional rígida. En su lugar, un patio circular permeable integra diversas actividades comunitarias, organizando la circulación y conectando múltiples salas abiertas en un conjunto cohesivo.
https://www.archdaily.cl/es/1142043/emerger-naturalmente-del-sitio-zhang-pengju-sobre-su-proyecto-west-wusutu-village-galardonado-con-el-premio-aga-khan韩爽 - HAN Shuang
Del 6 de septiembre al 15 de octubre de 2025, el Aedes Architecture Forum de Berlín presentará una exposición sobre la oficina de arquitectura finlandesa Helin & Co. La muestra busca examinar el papel de la firma en la configuración de Helsinki durante las últimas dos décadas. Bajo el título Heart and Horizon, la exposición refleja el enfoque de la oficina, que combina la escala humana ("corazón") con el compromiso con el espacio urbano frente al borde costero ("horizonte"). El núcleo de la muestra se centra en tres proyectos fundamentales para la transformación de Helsinki: el Centro Kamppi, un barrio urbano interconectado con nodos de movilidad y zonas culturales y residenciales; el Centro Kalasatama, un nuevo distrito en el antiguo puerto que combina densidad urbana con vistas al mar; y el Centro de Distrito Sello en Espoo, un complejo multifuncional que alberga una biblioteca, una escuela de música y una sala de conciertos.
En el mundo actual, el aprendizaje ya no se limita a las aulas ni se define únicamente por la educación formal; ocurre en todas partes y de múltiples formas. Desde salas de música y bibliotecas sensoriales hasta centros de formación para la neurodiversidad y escuelas públicas reinventadas, los espacios que albergan el aprendizaje se están volviendo tan variados como las formas en que aprendemos. Esta selección de proyectos educativos no construidos, enviados por la comunidad de ArchDaily, refleja esta transformación, explorando cómo la arquitectura puede acoger la diferencia, fomentar la curiosidad y crear entornos que atiendan un amplio espectro de necesidades cognitivas, emocionales y sociales.
Las piedras guardan el tiempo. Algunas se forman por la solidificación repentina del magma, como el basalto, cuya estructura densa y color oscuro resultan de un enfriamiento rápido en la superficie. Otras, como el granito, nacen lentamente en profundas cámaras magmáticas, donde el enfriamiento paulatino permite el crecimiento de cristales visibles, lo que da lugar a patrones y colores únicos. También existen rocas sedimentarias, formadas por la compactación de residuos minerales y orgánicos a lo largo de millones de años, con tonalidades que reflejan su composición química y el entorno en el que se depositaron. Al transformar esta diversidad geológica en una única superficie continua, el terrazo se presenta como un compuesto cementicio o mineral en el cual fragmentos de mármol, granito, cuarzo, basalto y otras litologías se integran en una matriz aglutinante, para luego ser pulidos y revelar la estructura y el brillo de cada partícula. A diferencia de una superficie homogénea, el terrazo funciona como un muestrario mineralógico en el que cada agregado conserva su identidad al tiempo que aporta a un todo coherente, que bien puede convertirse en un piso, un revestimiento de muros o incluso en mobiliario.
El concurso internacional de diseño para seleccionar al equipo de arquitectura del nuevo Museo de Arquitectura y Diseño de Finlandia en Helsinki ha concluido con el anuncio de que JKMM Architects ha obtenido el primer premio. La propuesta de la oficina establecida en Helsinki, conocida durante el concurso como Kumma, fue elegida entre 624 propuestas presentadas de todo el mundo. El concurso, de carácter abierto y anónimo, lanzado en abril de 2024, buscaba diseños conceptuales para una nueva institución cultural de 10.050 metros cuadrados que se construirá en la ribera del Puerto Sur (South Harbor) de la ciudad. Se prevé que la construcción comience en 2027, mientras que la finalización y la apertura al público están planificadas para 2030.
El European Cultural Centre Italia organiza los ECC Awards desde 2010 para reconocer a artistas, arquitectos/as, diseñadores/as y académicos/as en sus respectivos campos. Los premios destacan proyectos presentados en la exposición *Time Space Existence*, que se lleva a cabo en paralelo con la Bienal de Arquitectura de Venecia y muestra enfoques tangibles para construir de manera más sostenible, con el objetivo de posicionar a la arquitectura como una fuerza de reparación ambiental y social. La séptima edición de Time Space Existence es una exposición colectiva que abarca tres sedes venecianas: el Palazzo Bembo, el Palazzo Mora y los Jardines de Marinaressa. Este año, la exposición se enfoca en los temas de Reparación, Regeneración y Reutilización, destacando el rol fundamental de los/las arquitectos/as y diseñadores/as como agentes de cambio positivo para configurar formas de vida sostenibles, inclusivas y regenerativas.
En Mon Oncle (1958) de Jacques Tati, la arquitectura misma se convierte en un personaje: puertas corredizas, una fuente automática, portones que emiten sonidos mecánicos, dispositivos que encantan y frustran a los/las habitantes por igual. La comedia surge precisamente del hecho de que estos sistemas, aparentemente triviales, moldean la vida cotidiana de manera silenciosa. Más de seis décadas después, la observación resulta profética. En los edificios contemporáneos, un sinfín de sistemas funcionan de manera autónoma y discreta, pasando desapercibidos cuando operan correctamente. Entre ellos, las puertas automáticas, consideradas tradicionalmente como elementos secundarios, están emergiendo como parte de una nueva "infraestructura invisible": sistemas conectados, eficientes e inteligentes que respaldan el confort, la sostenibilidad y la resiliencia operativa.
AquaPraça en Venecia. Imagen Cortesía de CRA-Carlo Ratti Associati
CRA–Carlo Ratti Associati y Höweler + Yoon diseñaron AquaPraça, un espacio de reunión flotante para el diálogo climático global que anclará la COP30 en Belém, Brasil, y que hizo su debut el 5 de septiembre de 2025 en la 19ª Exposición Internacional de Arquitectura de La Biennale di Venezia. Luego, emprenderá un viaje transatlántico hacia Brasil, donde formará parte del Pabellón Italiano en la COP30, que se llevará a cabo del 10 al 21 de noviembre de 2025. Tras el evento, pretende convertirse en un hito flotante permanente en el Amazonas como parte de la infraestructura cultural de Belém.
La Madraza Mir-i Arab. Imagen cortesía de la Fundación para el Desarrollo del Arte y la Cultura de Uzbekistán
La edición inaugural de la Bienal de Bujará se inauguró el 5 de septiembre de 2025, reuniendo más de 70 comisiones de sitio específico a cargo de más de 200 participantes provenientes de 39 países en el núcleo histórico de la ciudad uzbeka. Por encargo de la Fundación para el Desarrollo del Arte y la Cultura de Uzbekistán (ACDF) y la comisionada Gayane Umerova, la Bienal se describe como el evento cultural más grande y diverso de Asia Central hasta la fecha. Bajo la curaduría de Diana Campbell y con el tema Recipes for Broken Hearts, el evento de diez semanas se desarrolla en una constelación de sitios recientemente restaurados, que incluyen madrazas, caravasares y mezquitas, todos parte de la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO de Bujará. Más de ser una plataforma de exhibición, la bienal se integra a un plan maestro de mayor alcance, posicionando a la cultura como motor de la transformación urbana y de la renovación del patrimonio.
Lina Ghotmeh — Architecture ha revelado recientemente imágenes de un proyecto para transformar una residencia histórica en Bujará, Uzbekistán, en un "destino cultural del siglo XXI". La propuesta contempla un museo dedicado a las ideas y la influencia del jadidismo, un movimiento de reforma musulmán que abogó por la modernización de la educación en Asia Central durante finales del siglo XIX y principios del XX.
El proyecto fue encargado por la Fundación para el Desarrollo del Arte y la Cultura de Uzbekistán (ACDF), establecida en 2017 para preservar, promover y fomentar el patrimonio, las artes y la cultura del país, integrándolos a la vez en el mundo del arte y el panorama cultural global. Con su apertura al público programada para 2027, el museo forma parte de las iniciativas más amplias de la ACDF para crear instituciones culturales emblemáticas que atraigan a audiencias de todo el mundo.
El concepto de "armario cápsula", popularizado en la década de 1970 por Susie Faux, propone un ejercicio de síntesis: un conjunto compacto de prendas versátiles, capaces de combinarse de innumerables maneras para adaptarse a distintas ocasiones. En la cultura visual, existen varias metáforas al respecto: en caricaturas como Doug o El laboratorio de Dexter, al abrir el clóset se revelaban filas de ropa idéntica, listas para simplificar la vida (y, en el caso del equipo de animación, el trabajo). En el mundo real, figuras como Steve Jobs convirtieron esta lógica en un método, adoptando un uniforme diario para eliminar la pequeña pero recurrente decisión de "¿qué ponerse?", liberando tiempo y energía para asuntos más importantes.
Para otras personas, sin embargo, esto dista mucho de ser una carga. Elegir la vestimenta es un momento placentero, capaz de marcar el tono del día e influir en el estado de ánimo. En este sentido, el clóset es también una extensión de la identidad, un espacio donde convergen las elecciones prácticas y simbólicas. No es casualidad que expresiones como "salir del clóset" o "guardar un esqueleto en el clóset" estén profundamente arraigadas en el lenguaje, revelando la dimensión cultural de este elemento del hogar. En el diseño de interiores contemporáneo, esta noción ha adquirido nuevos matices: el clóset puede definir el carácter de un espacio, guiar la circulación, influir en la percepción e incluso moldear la atmósfera de un ambiente.
Your greenhouse is your living room. Office for Roundtable e JXY Studio. Leyuan Li. Image Cortesia de Bienal Internacional de Arquitetura de São Paulo
Entre el 18 de septiembre y el 19 de octubre de 2025, la 14ª Bienal Internacional de Arquitectura de São Paulo, organizada por el IABsp, ocupará el Pabellón de la Oca, en el Parque Ibirapuera, para debatir de qué manera la arquitectura, el urbanismo, el diseño y el paisajismo pueden enfrentar el cambio climático y los eventos extremos.
El concepto curatorial parte de la premisa de que vivimos en tiempos de extremos, lo que exige soluciones radicales e innovadoras. A lo largo de los cuatro pisos de la Oca, el equipo de curaduría se propone reunir ciencia e innovación, saberes tradicionales, prácticas cotidianas, propuestas de mercado y acciones del Estado, bajo la premisa de que el desafío climático debe ser enfrentado por toda la sociedad.
Skidmore, Owings & Merrill (SOM) diseñó la VillaOlímpica para los Juegos Olímpicos y Paralímpicos de Invierno de Milano-Cortina 2026, ubicada en el terreno de la antigua estación ferroviaria de Porta Romana en Milán. Actualmente en fase de finalización, la entrega del proyecto a la Fundación Milano Cortina está prevista para el otoño, antes del inicio de los Juegos. En abril de 2025, el equipo de redacción de ArchDaily tuvo la oportunidad de recorrer la obra en construcción, observando el avance de los edificios residenciales, los espacios públicos y las estructuras históricas restauradas que definirán este nuevo distrito urbano. La villa constituye un componente clave del Plan Maestro del Predio Ferroviario de Porta Romana y cumplirá una doble función: albergar a los/las atletas olímpicos/as durante el evento y transformarse posteriormente en viviendas estudiantiles y asequibles.
Lina Bo Bardi / Preliminary Study – Practicable Sculptures for the Belvedere at Museu Arte Trianon, 1968. Credit line: Doação Instituto Lina Bo e P.M. Bardi, 2006. Cortesía de MASP.
Aldo van Eyck y Lina Bo Bardi fueron dos figuras subversivas. Sus visiones de colectividad y juego, aunque aplicadas en estructuras muy distintas, tenían como principal punto en común una idea de arquitectura que va más allá del diseño. Un espacio que se hace vivo por la apropiación, por el movimiento y por el intercambio. Desde los parques infantiles holandeses hasta el museo paulista, los ideales de los arquitectos se entrelazan, fortaleciendo la idea de una arquitectura donde cualquier persona se convierte en niño.
A medida que las ciudades continúan desarrollándose, somos testigos de enfoques cada vez más planificados, rigurosamente ejecutados y estrictamente regulados para dar forma a los centros urbanos y sus espacios circundantes, para bien y para mal. Conforme las normativas, restricciones y directrices mejoran y se vuelven más estrictas, los entornos urbanos se tornan más seguros, equilibrados y menos propensos a lo imprevisto. No obstante, la otra cara de la moneda es que los distritos altamente planificados pueden derivar hacia un exceso de orden e higienización, perdiendo ese carácter caótico y acumulativo que alguna vez generó callejones, espacios residuales y secuencias de movimiento inesperadas; condiciones que a menudo nacen de la constante improvisación comunitaria en las zonas grises de la regulación.
Ante este escenario, un número creciente de iniciativas en todo el mundo propone instalaciones urbanas temporales que ponen a prueba futuros alternativos para la ciudad. Estas obras buscan provocar un diálogo entre lo que la ciudad es y lo que podría ofrecer a sus comunidades a través de prácticas espaciales reflexivas y específicas para cada contexto. Un ejemplo destacado es Concéntrico, el festival internacional de Logroño (España), concebido como un laboratorio de innovación urbana. En el marco de su décima edición, el festival está por publicar Concéntrico: Laboratorio de innovación urbana, un libro que recorre una década de diseño urbano y transformación colectiva moldeados a lo largo de sus sucesivas ediciones. Su lanzamiento coincide con una gira internacional diseñada para compartir una década de aprendizajes sobre el diseño y la transformación colectiva.
Hacer preguntas es el primer paso para cuestionar lo que damos por hecho y abrir nuevas posibilidades para planear y construir. Estas preguntas, valiosas por sí mismas, adquieren mayor fuerza cuando se comparten y se examinan desde diferentes perspectivas. Al intersectar con las experiencias de profesionales y marcas, tejen miradas que enriquecen la discusión. Las ferias y eventos de diseño en todo el mundo se han convertido en espacios donde estas conversaciones cobran impulso, favoreciendo las conexiones y fomentando dinámicas colaborativas. En este panorama, Colombia se ha consolidado como un punto de encuentro, funcionando como plataforma que impulsa la arquitectura y el diseño en Latinoamérica y el Caribe, al tiempo que proyecta la voz de la región en el escenario global.
La Fundación para el Desarrollo del Arte y la Cultura de Uzbekistán (ACDF) ha anunciado la transformación de un edificio industrial de 1912 en Taskent en el Centro de Arte Contemporáneo (CCA), destinado a convertirse en la primera institución permanente dedicada al arte contemporáneo y la investigación en Asia Central. Diseñado por la oficina de arquitectura francesaStudio KO, liderada por Karl Fournier y Olivier Marty, el proyecto integra la preservación del patrimonioindustrial de la ciudad con una nueva identidad cultural para el sitio histórico. El edificio, diseñado originalmente por Wilhelm Heizelmann —conocido por la Cámara del Tesoro—, se construyó como estación de diésel y depósito para la primera línea de tranvía de Taskent. Tras décadas de servicio a la red eléctrica de la ciudad, la estructura fue transferida a la Fundación en 2019 como parte de la estrategia de desarrollo cultural a largo plazo de Uzbekistán. Bajo el liderazgo de Gayane Umerova, el proyecto representa ahora un paso fundamental en la configuración de una infraestructura cultural contemporánea para la región.
