Practice for Architecture and Urbanism (PAU) 建筑事务所联合 HNTB 和 HOK，已被选为纽约市宾夕法尼亚车站（Penn Station）改造项目的联合设计团队。该项目是重组和扩建这座北美最繁忙铁路交通枢纽的持续努力的一部分，旨在改善旅客分流、提升客运量并升级车站现有的基础设施。目前设计与开发工作已在进行中，预计将于2027年开工建设。位于曼哈顿中城的宾夕法尼亚车站坐落于原宾夕法尼亚车站的旧址之上，原车站由 McKim, Mead & White 建筑事务所设计，于1910年竣工。
本周的头条新闻涵盖了广泛的主题，反映了建筑实践的广阔视野：包括其应对气候危机的潜力、全球文化基础设施的建设与改造，以及促进当代学科反思的活动。与此同时，这也引发了人们对学科所需的技术与创意技能，同其在当今市场中所扮演角色之间矛盾的思考。除了这些反思之外，本周我们还重点介绍了一些巩固建筑文化意义的项目，这些项目在保存知识、承载集体娱乐和支持新型生活方式方面发挥着重要作用：包括台湾的漫画博物馆、伦敦的家庭会员制俱乐部以及利雅得地标性体育场的改造。
从项目选定材料到最终安装，其间存在着一个对最终成果起决定性作用的隐性环节：加工制造、物流以及深化协调。这些因素不仅决定了工期和成本，更关键的是，它们决定了初始的设计意图在落地时是被完整保留还是在执行阶段大打折扣。外立面系统，尤其是作为建筑外围护结构中兼具美学与视觉表现力的部分，最能直观地暴露出这一落差，因为它们构成了建筑最外显的表皮。
选用外立面系统绝非单纯的美学抉择。它会触发一系列连锁反应：型材的供应、固定系统、公差配合、施工工序以及对当地规范的合规性。一旦其中的某个环节出现偏差，其负面影响往往不容小觑。相比之下，一体化的外立面系统——即在设计之初就兼顾外观与安装可行性的系统——往往能有效弥补这一落差，将系统协调融入自身的逻辑之中，从而减少了现场临时应变的需要。
Daryan Knoblauch 的作品立足于建筑与即时文化生产的交汇点，致力于探讨如何通过张力与氛围使空间变得清晰可读。他并未将临时性作品视为次等建筑，而是将装置、舞台和活动建筑视为严谨的学科课题——在这些项目中，围合、结构稳定、光影与动线必须以对待任何常规建筑一样的严肃态度来攻克，且往往面临着更苛刻的限制和更紧迫的时间节点。
纵观其设计，贯穿始终的是高现代主义的精密性与刻意保留的质朴装配清晰度之间所产生的积极张力。膜材料与轻量化系统绝非仅仅用于营造表面视觉效果，而是作为结构和空间的媒介——根据风荷载、结构荷载和使用状态进行精确调试，从而营造出一种既能被视觉感知、又能被身体感悟的崇高感。在这些作品中，瞬时性不仅代表着存续的维度，更是一种设计的前提条件：时间的流逝让风雨侵蚀、日常磨损和行为介入等种种力量变得更加直观，同时也催生出一种兼具严苛标准与应变能力的建造伦理。
建筑遗留在地下的东西，比它在空中建造的东西更为持久。一栋被拆除的建筑可能在几天内就从天际线上消失，但它的地基却会世代留存在土壤之中。当一座工业园区被拆毁时，其造成的污染并不会随之消散。当殖民统治结束时，刻在殖民地领土上的法律边界也不会因此溶解。土地承载着那些被建筑转瞬即忘的一切。
正因如此，土地作为一个研究主题才显得如此棘手。建筑学倾向于向上看，关注形式、立面以及居住的空间体验。然而，地面是建筑的起点，在某种意义上也是它的终点：在这里，建筑物转化为地质存在，法定产权转化为领土诉求，而建造行为则转化为资源开采。将土地视为一种媒介而非仅仅是一个基准面，意味着必须承认，建造行为所带来的后果，远比地面上肉眼可见的物理实体要深远得多。
Buildner 公布了其第七届“情感博物馆”设计竞赛（Museum of Emotions Competition Edition 7）的获奖结果。作为一项年度国际设计竞赛，“情感博物馆”旨在引导参赛者探索建筑作为情感唤起媒介的无限潜力。
本次竞赛的任务书要求设计一座包含两个展厅的概念博物馆：一个旨在诱发负面情绪，另一个则旨在激发正面情绪。参赛者可自由选址（真实或虚构均可）并自行决定项目规模。竞赛对“正面”与“负面”的定义不设限制，留给设计者自行诠释：在设计师眼中，哪两种情绪会形成最强烈的对比？建筑师又该如何构想空间，去唤起恐惧、愤怒、焦虑、爱或快乐等复杂情感？
在第20届威尼斯国际建筑双年展上，冰岛馆将展出《浸润：集体归属的仪式》（SOAK: Rituals of Collective Belonging）。该展览将从建筑、公共空间和社会交往的视角，探讨冰岛的沐浴文化。该项目由冰岛设计与建筑中心（Iceland Design and Architecture）的哈拉·赫尔加多蒂尔（Halla Helgadóttir）委任，由 Basalt Architects 合伙人马科斯·佐特斯（Marcos Zotes）策划，并由 Basalt Architects、Gagarin 设计工作室以及艺术家奥恩·弗利根林（Rán Flygenring）跨界协同合作开发。继2025年代表冰岛参展的 s.ap architects 创作的《熔岩塑造》（Lavaforming）之后，《浸润》是冰岛第二次通过公开征集选拔参展的项目。
建筑设计如何成为推动生态保护的积极工具？将自然视为取之不尽的灵感源泉，与自然和谐相处便构成了人类、生物和自然循环之间无数相互关联的基础。顺应景观的设计意味着学会与其时间动态共存，而非试图控制其过程。一个地方的传统、生态、过去和现在，共同塑造了能够诠释其社区特质的空间。景观建筑可以从鸟类、植物和其他自然元素中汲取灵感，从而构建起由生态系统与人类活动交织而成的复杂、动态的环境网络。
什么是具有韧性的住宅？全球范围内，极端天气事件正变得日益频繁。从停电、飓风、地震，到山火、洪水和干旱，世界正在经历一个转型与适应的过程，这需要多学科之间的协同合作。建筑在建成环境中扮演的角色，恰恰为我们提供了一个重新思考住宅在不断变化的环境条件下如何表现的契机——这不仅仅体现在对未知状况的预测上。韧性设计意味着进行整体性思考，综合考量材料选择、能源系统、景观规划和构造细节，从而预判干扰并帮助住宅快速恢复。它旨在创造能够随环境共同演进、值得世代保留并历久弥新的建筑。
几个世纪以来，建筑一直以一种静止的永恒性而存在。人们通常认为建筑是固定的，其墙体和地基在空间中无法移动。然而，越来越多的建筑师正在挑战这一传统认知，他们将运动融入到建筑自身的表皮肌理和建构体系中。
当屋顶可以旋转、墙体可以滑动，且整个结构能够回应其中的使用者时，奇妙的化学反应便发生了：建筑空间转化为了日常生活仪式中不可或缺的活跃要素。这些关于空间的开启、闭合、推移和转换的瞬间，不仅让建筑与当下建立起紧密的联系，更激发了使用者的主动参与。此时，建筑不再仅仅是一个冰冷的物件或纪念碑，而更像是一场由大众共同参与的“空间编舞”。
在当下的城市中，城市密度的提高和土地价值的攀升，往往迫使人们在大型市政建筑与开放公共空间之间做出抉择。传统上，广场通常被视作环绕建筑基底的周边区域；然而，随着20世纪初现代主义运动引入“底层架空（pilotis）”，这一格局发生了改变。尽管最初的构想是通过创造一种轻盈感来引导人流与光线在结构下方自由流动，但在当今，抗震荷载、消防疏散以及高密度人流等现代规范要求，使得细长立柱已无法满足大型市政项目的现实需求。
话虽如此，对建筑轻盈感的追求并非现代独有的现象。继现代主义引入底层架空之后，20世纪中期的若干项目便开始尝试通过悬浮的幻象来实现市政建筑的透明性。1953年，由 Mario Valenzuela 设计、位于特古西加尔巴的洪都拉斯国会大厦，便将这些原则应用到了立法机构的建筑设计中。该建筑由一个坚实的会议厅体量组成，通过一系列纤细的立柱将其架高。得益于基地位于坡道尽头台地的地理优势，其形成的架空层不仅满足了交通流线的需求，更框景了城市风貌，营造出厚重的立法大楼轻盈悬浮于城市肌理之上的视觉观感。
建筑师习惯了在建筑落成后的很长一段时间内依然享有其创作者的声誉。即使在最初的设计图纸问世数十年后，他们的名字依然通过照片、出版物和历史文献与项目紧密相连。然而，建筑本身却很少能长期忠实于这种单一的叙事。家庭人口在增长，技术在变革，商业活动在涌现，日常生活也带来了任何规划都无法完全预见的各种需求。随着时间的推移，建筑不断积累着改造、修缮、加建和即兴创作，从而逐渐偏离其最初的形态。
鲜有项目能像利马 PREVI 项目那样直接地面对这一问题。作为秘鲁在20世纪60年代后期发起的“实验性住宅项目”（Proyecto Experimental de Vivienda），PREVI 邀请了一个国际建筑师团队，共同开发能够适应未来生长的住宅原型。该项目常因其强大的设计师阵容而被人们铭记，其中包括詹姆斯·斯特林（James Stirling）、阿尔多·凡·艾克（Aldo van Eyck）和克里斯托弗·亚历山大（Christopher Alexander）等大师。五十多年后，这个社区已然成为居民自主决策的生动记录，展现出一种旨在“保持未完成状态”的建筑形态。
建筑学院通常会在学生身上留下深远的烙印，在正式教育结束很久之后，仍在塑造着他们的设计风格和批判性探索能力。例如，创立于 1972 年、总部位于洛杉矶市中心的 SCI-Arc 便是一所因其实验性、批判性研究和创作独立性文化而闻名遐迩的学府。该校的名望建立在一个核心理念之上，即：建筑应当被视为一个与艺术、技术、设计和当代文化展开开放对话的领域。其校友多元化的发展轨迹表明，这种环境能够催生出截然不同的专业路径，但他们都抱有探索新可能性的共同意愿。
OMA 建筑事务所完成了位于中国杭州未来科技城的大型综合体项目——杭州棱镜。该项目的设计与开发工作始于2016年。项目由新湖集团委托，由OMA 合伙人克里斯·范杜恩（Chris van Duijn）领衔，迈克尔·哈吉斯蒂利斯（Michael Hadjistyllis）担任项目建筑师。该项目在单一建筑体量中融入了住宅、酒店、办公、商业空间以及公共配套设施。作为OMA 在杭州的首个建成作品，该项目坐落于这座城市新兴科创与商业核心区之一的中心地带。
2026年6月12日至12月20日，位于葡萄牙波尔图的塞拉维斯当代艺术博物馆（Serralves Museum of Contemporary Art）将举办一场回顾展，致敬建筑师弗兰克·盖里（Frank Gehry，1929-2025）的职业生涯。此次展览名为“盖里的世纪”（The Century of Gehry），将向公众展出原创的大体量模型、雕塑、手稿、家具及其他作品，以此记录这位建筑师卓越且不乏争议的后现代主义建筑生涯。展览内容涵盖他早期的探索尝试，以及一系列标志性建筑，例如建筑师在圣莫尼卡的住宅、毕尔巴鄂古根海姆博物馆、巴黎路易威登基金会和洛杉矶华特·迪士尼音乐厅。承办此次展览的塞拉维斯博物馆大楼由葡萄牙建筑师阿尔瓦罗·西扎·维埃拉（Álvaro Siza Vieira）于1991年设计。展览则在以西扎命名的新翼楼中展出。
面对日益复杂的环境、社会和城市挑战，如今跨学科的学习与交流显得比以往任何时候都更加重要。
每年夏天，加州大学伯克利分校环境设计学院（CED）都会成为建筑、景观和城市探索的密集实验场。通过“可持续城市设计与创新”（DISC）和“夏季学院”（Summer Institutes）这两个互补的项目，伯克利提供了一种兼具学科严谨性、有意识交流以及共享学院文化的沉浸式课程。这些项目共同体现了环境设计学院（CED）长期以来的多学科架构，让建筑学、景观建筑学、城市规划和城市设计在同一个屋檐下蓬勃发展、协同合作。
多年来，影院建筑一直在不断自我重塑。从调动多重感官的观影体验，到重新诠释过往时代美学的材料技术，电影院这一概念推动了众多废弃、破败甚至受历史保护的空间得以恢复、激活和更新。正如坦桑尼亚桑给巴尔的雄伟电影院（Majestic Cinema）体现了其重要的社区功能一样，许多20世纪的建筑也通过适应性再利用，找到了修复并延续对社区依然具有深远意义的文化、记忆与传统的契机。
建筑从未局限于建造行为本身。它始终在物质实践与思想反思之间不断协商。然而，在二十世纪与二十一世纪，许多建筑师逐渐意识到，仅凭建成项目并不足以回应这一学科所面对的复杂问题。经济压力、政治语境与功能需求常常限制了建筑实践的范围。
相比之下，展览和策展平台为实验与批判创造了空间，使建筑能够反观自身：重释过去，质疑当下，并投射未来。正是在这种张力中，“建筑师—策展人”的身份逐渐出现。他们将策展本身视为一种设计实践——设计的对象不再是墙体或立面，而是话语、叙事与意义框架。
Ola Hassanain 是一位在荷兰创作的苏丹建筑师与艺术家，她将于 2026 年晚些时候参加在肯尼亚内罗毕举办的泛非建筑双年展。这三个地方都在述说着建成环境与水之间的故事。它们展现了江河湖海等无形而强大的自然力量，与人类试图塑造和控制这些力量之间的持续博弈。在大多数情况下，人类的这些尝试都带有索取性质。而灾难的发生，往往是由于这些尝试用力过猛，或者是管理不善，抑或两者兼而有之。
随着建筑围护结构技术要求的不断演进，防火性能已成为通风外墙设计中的关键指标。在这种背景下，业界对防火性能的分析不再仅局限于单一材料的燃烧反应，而是更加关注在潜在的外部火灾蔓延场景下，整个建筑围护结构的协同应对表现。
2026年6月10日至12日，3daysofdesign 将重返哥本哈根，以“让此刻意义非凡”（Make This Moment Matter）为主题，呈献涵盖展览、装置、对谈和展厅展示的全城性项目。本届设计节在丹麦首都的八个设计区（Design Districts）举行，汇聚了设计品牌、文化机构、工作室及从业者，共同探讨塑造设计与建成环境的当代议题。作为活动的一部分，Cobe 与 ArchDaily 将于6月10日在位于诺德港（Nordhavn）的 Cobe 图书咖啡馆（Cobe Bookcafé）共同举办客座编辑特辑——以“边界”为主题的《Cobe Notes》公众发布会。
澳大利亚艺术家、导演及英国电影学院奖（BAFTA）提名制片人利亚姆·扬（Liam Young）通过构建虚构世界，来深入思考人类所恐惧、渴望并正在创造的未来。作为氛围的创造者与设计师，他提出了反映未来世界种种可能性的推测性景观，无论那是理想的乌托邦，还是令人不安的现实。在横跨电影、电视和电子游戏行业的“世界构建”实践中，虚构成为他应对当下紧迫环境危机的工具。他被视为一位跨越设计策略、技术图景与集体想象的“未来主义者”。其作品根植于学术研究，同时通过一系列展览走向更广泛的公众，例如伦敦巴比肯艺术中心的《在其他世界》（"In Other Worlds"）以及哥本哈根丹麦建筑中心的《自然时代》（"Age of Nature"）。2026年2月，他接受了Louisiana Channel的马克-克里斯托夫·瓦格纳（Marc-Christoph Wagner）的专访。在采访中，他分享了自己对人类未来的愿景：从建筑学固化为一门精品小众产业，到在气候危机尺度下对全新“行星朋克（planetary punk）”的迫切需求。
位于阿肯色州本顿维尔的水晶桥美洲艺术博物馆将于2026年6月6日至7日向公众开放其占地114,000平方英尺（约1.06万平方米）的重大扩建项目。该项目由萨夫迪建筑事务所（Safdie Architects）设计，在延伸博物馆原有建筑的同时，在占地134英亩的整个园区内引入了新的展厅、教育设施、公共聚会空间以及景观连接。这一扩建部分的落成标志着该博物馆长期发展战略的完成，不仅增强了其展览承载能力，也深化了建筑与周围欧扎克（Ozark）自然景观的融合。
建筑是什么？对一些人而言，建筑的传统角色，是将想象力、技术知识与解决问题的能力结合起来，使建筑师能够在设计与建造之间行动，并在理念与实现手段之间取得平衡。从早期建筑中的石材和木材，到 20 世纪的钢材与混凝土，每个时代都要求建筑师不仅理解形式，也要掌握所使用材料的属性与潜力。对材料的理解始终是创作过程的重要部分，只是其范围长期受限于当时可用的知识与技术。
随着时间推移，这种平衡开始发生变化。建筑师不再只是使用材料，而是开始主动设计材料：他们运用科学原理，尝试生物、化学与计算过程。这一演变拓展了建筑的可能性，使自然、技术与艺术产生交汇，也将建筑师的角色推向一个更具实验性、由科学驱动的维度。在这里，对材料的操控与创造不再只是实现形式或结构的手段，而成为创作行为本身的一部分。
