Installations: Las más recientes noticias y obras de arquitectura

Art Omi y Limbo Museum presentaron Limbo Engawa, una instalación de dos partes diseñada específicamente para el sitio por TAELON7, bajo la dirección del/de la arquitecto/a Juergen Benson-Strohmayer. Tras presentarse por primera vez en el Limbo Museum en Accra, Ghana, el 12 de marzo de 2026, el proyecto se reconfiguró para el Parque de Escultura y Arquitectura de Art Omi en Ghent, Nueva York, donde se inauguró el 19 de septiembre de 2026. Desarrollado como un encargo conjunto entre ambas instituciones, el proyecto utiliza un sistema arquitectónico modular para explorar cómo los espacios de reunión e intercambio pueden responder a diferentes paisajes, climas y contextos culturales.

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Tras su última edición en 2019, Amman Design Week regresa del 2 al 17 de octubre de 2026, reuniendo a más de 220 diseñadores, diseñadoras y participantes en exposiciones, instalaciones, proyectos de espacio público, charlas, talleres y performances en Jordania. Esta cuarta edición se desarrollará en Ras El Ain, Jabal Al Lweibdeh, Jabal Amman, Iraq Al Amir y, por primera vez, en Aqaba. Fundado en 2016 por Su Majestad la Reina Rania Al Abdullah, el evento vuelve bajo la temática "Acumulaciones" (Accumulations), para explorar cómo los materiales, las memorias, el conocimiento, el trabajo y las prácticas cotidianas se congregan con el tiempo para formar parte de los lugares habitados. Este concepto vincula de manera directa a la edición de 2026 con la propia ciudad.

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Concéntrico, el laboratorio a gran escala de arquitectura, diseño y experimentación urbana, ha inaugurado oficialmente su agenda de seis días de actividades. El festival transforma la ciudad española de Logroño del 18 al 23 de junio de 2026, mediante una serie de prácticas colectivas, festivas y performativas en el espacio público. El programa incluye 24 instalaciones de oficinas y profesionales de la creación internacional, distribuidas en plazas, solares vacíos, calles, puentes y espacios emblemáticos de toda la ciudad. Las intervenciones urbanas abarcan desde un circo diseñado por Smiljan Radić hasta grabaciones de sonido ambiental en las calles para un disco de vinilo del festival editado por Sounds of Architecture Records, sumando además tres propuestas ganadoras de su convocatoria abierta internacional.

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¿Qué define la atmósfera de un hogar? Más allá de las paletas de materiales y la luz natural, el sonido desempeña un papel determinante en la manera en que se perciben y se habitan los espacios. La reverberación de los pasos sobre la piedra, la calma atenuada de una habitación revestida de textiles o la forma en que la música se propaga por un interior de planta libre definen la identidad sensorial del espacio doméstico. La arquitectura no solo se experimenta visualmente, sino también de forma acústica.

El concepto de "paisaje sonoro" describe esta relación entre las personas, el sonido y el entorno construido. En la arquitectura residencial, el sonido es más que un ruido de fondo o una especificación técnica; influye en la privacidad, la concentración, el descanso y el confort emocional. La geometría y la materialidad actúan como los principales conductores acústicos: mientras que el concreto, el vidrio y la piedra reflejan y amplifican, la madera y los tapizados suavizan y absorben. Además, la altura de los techos, las circulaciones y las proporciones de las habitaciones terminan de definir cómo viaja y se asienta el sonido en el espacio.

El Museo Edo-Tokyo ha reabierto sus puertas al público tras una renovación de varios años, revelando una serie de intervenciones escenográficas e instalaciones diseñadas por OMA bajo la dirección de Shohei Shigematsu. Este encargo, que marca el primer proyecto público de la firma en Japón, forma parte de la renovación integral del emblemático edificio del museo, obra del arquitecto metabolista Kiyonori Kikutake. Inaugurada originalmente en 1993 como el primer museo dedicado a la historia de Tokio, la institución recorre la evolución de la ciudad desde el período Edo hasta nuestros días. Con estas nuevas intervenciones, se busca fortalecer su relación con el público contemporáneo, al tiempo que se preserva la identidad de la arquitectura de Kikutake.

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En Seis propuestas para el próximo milenio, Italo Calvino explora la levedad desde una perspectiva literaria y sostiene: "A la levedad se opone el peso. Quitar peso produce levedad; es un valor, no un defecto". Inspirándose en la mitología griega, reflexiona sobre una de las hazañas de Perseo tras decapitar a la terrible gorgona Medusa sin quedar petrificado. Con la ayuda de los dioses Hades, Hermes y Atenea, Perseo vuela con sus sandalias aladas y utiliza un escudo de bronce como espejo para reflejar la imagen de la gorgona. Apoyándose, al igual que muchos/as arquitectos/as, en lo más leve —el viento y las nubes—, también fija la mirada en aquello que se revela a través de la visión indirecta: una imagen reflejada en un espejo.

Históricamente, la transparencia se ha naturalizado como una condición inherente a la arquitectura moderna. Con la transición del pesado muro de carga a la ligera envolvente vidriada, el vidrio se incorporó a la disciplina, desdibujando los límites entre el interior y el exterior. Vinculada a la arquitectura inflable, la transparencia se asocia a la levedad y la impermanencia, dejando huellas temporales en los paisajes que habita. Al utilizar textiles o plásticos como materiales principales y el aire como sistema estructural, la búsqueda de levedad en el entorno construido reconoce ahora más de una sola atmósfera de aplicación.

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La 25ª edición del Festival de Música y Artes de Coachella Valley regresa al Empire Polo Club en Indio, California, del 10 al 12 y del 17 al 19 de abril de 2026, reuniendo a más de 130 espectáculos junto con un ambicioso programa de instalaciones artísticas a gran escala. Presentada por Public Art Company (PAC) y curada por su fundador Raffi Lehrer, en colaboración con el director de arte de Goldenvoice, Paul Clemente, la selección de este año explora la monumentalidad a través de la luminiscencia, la transparencia y la ligereza de las formas. Situadas en el oasis desértico de Coachella, las instalaciones invitan a los y las visitantes a interactuar física y sensorialmente, respondiendo a la luz diurna cambiante y a la atmósfera en evolución desde el amanecer hasta el anochecer.

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El arquitecto chileno Smiljan Radić Clarke ha sido anunciado como el galardonado con el Premio Pritzker de Arquitectura 2026, considerado uno de los máximos honores en el campo de la arquitectura. El galardón reconoce a Radić por una obra que explora la arquitectura a través de la experimentación material, la percepción espacial y un diálogo atento con el paisaje y el contexto. Nacido en Santiago, Chile, donde sigue viviendo y trabajando, Radić dirige la oficina Smiljan Radić Clarke, fundada en 1995. Al convertirse en el segundo chileno en recibir este premio, después de Alejandro Aravena en 2016, se une a una distinguida lista de galardonados previos, que incluye a Liu Jiakun en 2025, Riken Yamamoto en 2024, David Chipperfield en 2023 y Diébédo Francis Kéré en 2022.

La arquitectura de Radić opera en un territorio donde la experiencia fenomenológica del espacio precede a la explicación. Sus edificios suelen mostrarse silenciosos, elementales y reacios a una interpretación verbal sencilla, propiciando que quienes los recorren los experimenten a través del movimiento, la atmósfera y la percepción, en lugar de recurrir a la expresión formal. 

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Concéntrico es un laboratorio de innovación urbana que invita a reflexionar sobre la ciudad a través de la arquitectura y el diseño. Desde 2015, ha realizado más de 180 intervenciones en Logroño, España. La nueva temporada 2025/2026 del festival expande este espíritu experimental con tres convocatorias internacionales que ponen en acción las ideas del libro Concéntrico: Laboratorio de Innovación Urbana (Park Books, 2025). A través de estas convocatorias, la organización busca profundizar en tres líneas de investigación —lo efímero, lo ecológico y lo simbólico— para imaginar diferentes formas de habitar la ciudad. Los proyectos ganadores de las convocatorias de esta edición se desarrollarán, construirán como instalaciones urbanas y se presentarán en la exposición durante el festival, que se llevará a cabo en Logroño del 18 al 23 de junio de 2026.

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Cada vez se le pide a la arquitectura que haga menos, no más. En entornos marcados por el movimiento constante, el ruido y las expectativas, los espacios que permiten a las personas quedarse, hacer una pausa y estar presentes se han vuelto tan escasos como necesarios. Muchos lugares públicos y semipúblicos están diseñados para mantener a las personas en movimiento, consumiendo o reaccionando, lo que deja poco margen para la permanencia, la observación o el simple hecho de estar sin un motivo aparente.

Frente a este escenario, un número creciente de obras está desviando la atención de la activación para centrarla en la presencia. En lugar de exigir que las personas interactúen o participen, estos espacios crean condiciones que favorecen la permanencia. El confort, la continuidad y la apertura permiten a las personas quedarse sin presiones ni obligaciones, convirtiendo la presencia en una cualidad espacial más que en una actividad.

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En los últimos años, la comida ha asumido un papel renovado dentro de la arquitectura, no solo como un programa o tipología, sino como una práctica espacial compartida. Más allá de los restaurantes o del diseño de comedores, los espacios de alimentación colectiva se entienden cada vez más como entornos donde coinciden la presencia, el ritual y el tiempo, permitiendo que las personas se reúnan, permanezcan y coexistan. En estos escenarios, el comer no ocurre simplemente dentro del espacio, sino que lo configura de manera activa, transformando temporalmente entornos comunes, prestados o improvisados en lugares de intercambio.

Este cambio es visible en una amplia gama de proyectos construidos, instalaciones y espacios comunitarios que utilizan las comidas compartidas como un medio para reunir a las personas. Iniciativas como Fondo Supper Club plantean el acto de cenar como una plataforma social, utilizando la comida para conectar a artistas, diseñadores/as y comunidades locales a través de la conversación y la colaboración. Asimismo, sit.feast, presentado durante la Semana del Diseño de Milán 2024, abordó la mesa como una instalación espacial donde sentarse y comer en conjunto se convirtió en el medio principal para producir espacio de forma colectiva.

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Cada año, Burning Man transforma el Desierto de Black Rock de Nevada en una ciudad temporal donde grandes instalaciones definen tanto el paisaje como la experiencia colectiva. Sirviendo como plataforma para el diseño experimental, el evento reúne a artistas, arquitectos/as y equipos interdisciplinarios para crear obras que difuminan los límites entre la escultura y la arquitectura. Estas estructuras temporales a menudo funcionan como espacios de reunión, monumentos o entornos inmersivos, encarnando el principio rector del festival de la impermanencia.

La edición 2025 presentó proyectos que examinaron temas de ecología, memoria y conectividad mientras respondían a los desafíos de construir en el desierto. Desde piezas interactivas íntimas hasta grandes monumentos, las instalaciones fomentaron la reflexión, la participación y el compromiso comunitario antes de desaparecer al cierre del evento.

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Todos los materiales provienen de algún lugar y forman parte de una cadena de extracción, suministro, producción y eliminación que, según su escala, deja huellas más o menos significativas en el medio ambiente. En arquitectura, solemos abordar este recorrido desde la perspectiva de la circularidad de los materiales, considerando cómo pueden reincorporarse a los ciclos de producción en lugar de convertirse en desechos. Pero al ampliar la mirada hacia lugares inesperados, emergen sistemas paralelos donde los subproductos de una industria se transforman en recursos para otra. Este enfoque ha encontrado un terreno fértil en los residuos orgánicos convertidos en biomateriales, siendo uno de los ejemplos más recientes el trabajo de Fahrenheit Works. En su instalación From the Tagus to the Tile, reutilizan conchas de ostra desechadas por los sistemas alimentarios para reinterpretar los emblemáticos azulejos de Lisboa.

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Ante una crisis climática planetaria interconectada, la pérdida de biodiversidad y el agotamiento de recursos, el diseño regenerativo surge como un camino hacia la construcción de futuros rurales resilientes y ecológicamente sintonizados. En la intersección de arquitectura, agricultura y ecosistemas locales, están surgiendo nuevos modelos de prácticas agrícolas resilientes y autosuficientes. Estos proyectos no son grandes sistemas industriales, sino intervenciones arquitectónicas de pequeña escala, precisas y profundamente contextuales que crean espacios que fomentan el cultivo sostenible mientras respetan los ritmos ambientales, materiales locales y el conocimiento comunitario.

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El pabellón nacional del Reino de Bahréin en la 19ª Exposición Internacional de Arquitectura de La Biennale di Venezia fue premiado con el León de Oro por Mejor Participación Nacional de este año. Titulada Ola de Calor, la exposición fue curada por el arquitecto Andrea Faraguna y se ubicó en las históricas Artiglierie del Arsenale. A través de una instalación específica para el sitio, Ola de Calor reimagina el diseño del espacio público al explorar estrategias de enfriamiento pasivo arraigadas en las realidades climáticas y el contexto cultural de Bahréin. El objetivo del proyecto, ofrecer una respuesta arquitectónica especulativa pero fundamentada a la urgencia ambiental que moldea la vida urbana hoy en día, fue reconocido por el jurado internacional de la Biennale, que elogió sus "propuestas viables para condiciones de calor extremo."

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