阿根廷辽阔的疆土呈现出由地理、气候和文化多样性塑造的多种建造方式。在科尔多瓦、门多萨、圣菲和布宜诺斯艾利斯设计单户住宅时，众多年轻的阿根廷建筑事务所通过利用当地可获得的资源、建造体系和工艺，来回应独特的材质、景观和文化条件。在此过程中，住宅成为了一种诠释文脉、对话地方传统，并融入建筑创作新方法的媒介。
作为日常生活的舞台，住宅是延续体验的一部分，它就像一个复杂而微妙的有机体，不仅回应着居住者的生活方式，还回应着它所处的景观。在引述了勒·柯布西耶、埃内斯托·罗杰斯（Ernesto Rogers）和刘易斯·芒福德等名家的不同视角与定义后，阿根廷建筑师爱德华多·萨克里斯特在其著作《什么是住宅》（Qué es la casa）中强调，住宅不仅是过去的映射，更共享着当下、启迪着未来。
本月，巴西建筑界重点展示了该国在文化生产、文化遗产以及建成环境转型方面的多元路径。从第15届圣保罗国际建筑双年展的策展团队组建，到亚马逊剧院群被列入联合国教科文组织世界遗产名录，近期的一系列动态将代表性、保护和文化认同等议题推向了舆论焦点。与此同时，位于里约热内卢、圣保罗和朗多尼亚（Rondônia）的新项目正在探索适应性再利用、建筑与景观的关系，以及材料应用与可持续性的新方法。除了这些实践，围绕福特兰迪亚（Fordlândia）和卢西奥·科斯塔（Lucio Costa）档案馆的持续讨论，也促使人们重新审视当今如何保护、阐释和理解巴西的建筑遗产。
匈牙利的建筑景观在社会主义时期的几十年里经历了一场自上而下的重塑。当时，家庭私有土地被合并为集体农庄，标准化的住宅楼遍布全国，其形态在任何地方都如出一辙。社会学家维拉格·莫尔纳（Virág Molnár）在其著作《塑造国家》（Building the State）中，追溯了战后匈牙利和东德建筑的政治用途。她指出，这种建成环境的重塑不仅不是政治项目的副产品，反而是其核心手段之一；这一动员过程贯穿了社会主义现代化进程，并一直延伸到随后的转型期。英国评论家欧文·哈瑟利（Owen Hatherley）在《共产主义景观》（Landscapes of Communism）一书中探讨了布达佩斯、华沙和基辅的住宅区。他描述了这一历史遗产的最终归宿：建筑的寿命超越了催生它们的意识形态，而如今居住在其中的人们，早已没有兴趣去为其背后的建造初衷进行辩护。
德国电影导演维姆·文德斯（Wim Wenders）将推出全新纪录片《由内而外——彼得·卒姆托的建筑》（From Inside Out – The Architecture of Peter Zumthor），探讨普利兹克建筑奖得主彼得·卒姆托（Peter Zumthor）的作品与建筑理念。这部时长114分钟的影片采用3D摄影技术，从访客、使用者、居住者和手工艺人的视角来记录卒姆托的建筑作品。该纪录片将于2026年9月在威尼斯国际电影节的“威尼斯公开展——非竞赛单元”（Venice Open – Out of Competition）中举行全球首映。
2021年，意大利建筑事务所 Mario Cucinella Architects 与意大利 3D 打印公司 WASP 合作，研发了 TECLA：一座完全由生土（raw earth）3D 打印而成的住宅。五年后，该项目背后的技术已悄然迭代，并传播至多个大洲和设计实践中。通过精准控制挤出喷嘴的速度、角度和路径，建筑师能够创造出超越墙体本身的结构。这些年来，他们一直在尝试如何将 3D 打印材料塑造为精细的表面图案，将浮雕、质感和复杂的纹理直接融入建筑结构中。在这个代码开始影响建筑形态和材料表达的时代，他们正试图通过这种方式，在传统生土建造与数字计算之间搭建一座桥梁。
人们常将工艺美术运动视为一种由手作细节、宜人尺度、天然材料所定义的建筑风格，以及对繁复冗余和工业化生产的抵制。其影响也往往通过在当代建筑和室内设计中屡见不鲜的视觉特征来体现——从裸露的木材、精细的榫卯，到对质感与恒久性的强调。然而，如果仅仅将这一运动归结为一种美学符号，无疑忽视了它更为深远的贡献。在威廉·莫里斯（William Morris）、菲利普·韦布（Philip Webb）、约翰·拉斯金（John Ruskin）及其同代人看来，建筑的核心在于物品是如何被制造的、由谁制造，以及制造的过程能否孕育出尊严、意义、文化与美。
加拿大建筑中心（CCA）正推出名为“城市的幸运在于它从未完美”的展览，该展览致力于呈现葡萄牙建筑师阿尔瓦罗·西扎（Álvaro Siza）的城市规划与设计作品。展览将于2026年5月21日至2027年1月10日在该机构的主展厅展出，通过精选的一系列与现有城市环境的历史、社会和物理条件相呼应的项目，深入探讨西扎的城市塑造方法。
本次展览由乔凡娜·博拉西（Giovanna Borasi）担任策展人，劳拉·阿帕里西奥·略伦特（Laura Aparicio Llorente）担任助理策展人，旨在探索西扎的建筑实践如何超越单一建筑的设计，延伸至街区、公共空间以及更广泛的城市结构。展览并没有将城市呈现为一种固定或理想化的状态，而是聚焦于西扎与现有文脉协同工作的方法，将历史、地形、基础设施和日常生活视为设计过程的基本要素。基于这一视角，展览对城市转型、建成环境的连续性以及建筑与规划之间的关系等问题进行了思考。
由MVRDV设计的碧海楼艺术村是一座正在中国深圳建设的综合性文商中心。项目坐落于靠近香港边界的沙头角片区，通过源自MVRDV“垂直村落”（Vertical Village）概念的垂直堆叠形式，将文化、商业和公共功能有机结合。该开发项目旨在保证各场馆独立运营的同时，维持公共流线的畅通，并凭借一系列错落有致的体量，重新诠释了周边城市肌理的尺度与空间特征。
平面设计的中心绝不仅仅是一个空洞的空间。一旦房间和动线开始围绕其进行组织，中心便开始构建起整个平面的骨架。它可以是一个庭院、一个楼梯、一片花园，或是一个共享房间；也可以保留场地中已有的元素，或者承载某种建筑无法完全控制的动态过程。占据这一核心位置的元素，决定了周边空间如何被布局、连接和使用。
在《模式语言》一书中，克里斯托弗·亚历山大（Christopher Alexander）、萨拉·石川（Sara Ishikawa）和默里·西尔弗斯坦（Murray Silverstein）指出，当共享空间处于日常生活的“重心”并与人们最常用的动线相连时，其效果最为显著。这一观点表明，中心的意义并不在于其几何上的正中位置，而在于周围的房间、路径和活动赋予了它空间上的分量。本文所介绍的项目将这一理念延伸至公共空间之外，展示了中心如何组织流线、集体行为、环境系统，以及建筑与场地既有状况之间的关系。
上海浦东美术馆（MAP）正在举办“让·努维尔：没有艺术家，建筑便不复存在”展览，展期将持续至2026年8月31日。适逢美术馆开馆五周年，本次展览致敬普利兹克建筑奖得主让·努维尔的创作生涯，这也是这位法国建筑师首次在自己设计的建筑中举办个展。展览由浦东美术馆与让·努维尔事务所联合主办，通过建筑模型、影像、文献档案、装置以及对建筑师巴黎工作室的复刻空间，全面回顾了其五十余年的建筑实践。
在波尔图出版社 Circo de Ideias 近期出版的一本黄边封面小册子中，建筑师保罗·马丁斯·巴拉塔（Paulo Martins Barata，Promontório 联合创始人）提出了一个看似低调实则大胆的论断：自大衰退（Great Recession）以来在欧洲产生的建筑，不属于构成20世纪最激烈学科论辩的两大阵营中的任何一个。
《元现代建筑的语言》（*The Language of Metamodern Architecture*）显然带有讽刺意味地借用了查尔斯·詹克斯（Charles Jencks）1977年著作 《后现代建筑的语言》（*The Language of Post-Modern Architecture*）的书名。在那本书中，詹克斯曾留下一段著名的宣言：随着 普鲁伊特-伊戈公寓（Pruitt-Igoe）的拆除，现代建筑已于1972年7月15日下午3点32分宣告死亡。而巴拉塔的设想则是，另一次未被官方正式确认的死亡发生在2008年前后，而建筑学在很大程度上是在浑然不觉中，在墓碑周围生长出的新事物中存续至今的。
很少有哪种境况能像“不确定性”这样，如此深远地塑造着当代的建筑话语。在各大国际双年展、展览和论坛中，建筑学愈发倾向于通过灵活性、可逆性和响应性来构想自身与世界的关系——这些特质旨在应对气候紧急情况、政治动荡以及前所未有的人口流动性。建筑被设计为可变形的，基础设施被设计为可演进的，城市也被要求去容纳日益难以预测的状况。这种对敏捷性的强调拓宽了建筑学科应对环境变化的能力，为这个处于持续变革中的世界提供了宝贵的策略。
然而，这一演进也指向了更为深层的转变，即建筑如何协调人类的生存境况。长期以来，建筑一直发挥着存在性定位的作用——它是人类意识在冷漠的宇宙中开辟出一条可理解的坐标、将记忆与身份锚定在某个固定点的方式。但在当下许多建筑话语中，不确定性正逐渐从一种需要去缓解的外部条件，转变为建筑思考的起点。空间体验越来越受到那些围绕“持续流动”而设计的环境的影响，在这些环境中，静态的参考点已让位于不断的转变。
除了基本功能，决定一间卫浴空间品质的关键究竟是什么？作为住宅中最具私密性的区域之一，卫浴空间与我们的日常起居仪式及放松片刻息息相关。尽管卫浴洁具、动线规划与技术规范构成了其实用基础，但其空间氛围的塑造则取决于一系列空间决策的有机结合：无论是家具落地的轻重分寸，材质与光影的交互作用，还是收纳系统的整合方式，以及体量比例对视觉感知的微妙调校。
本周建筑动态中，关于建筑寿命、文化机构演变以及气候适应性设计的讨论表明，当代的建筑实践正日益超越建设完成的那一刻。从围绕拆除与适应性再利用的辩论，到融合景观与环保性能的新博物馆，本周的发展态势反映出行业关注的焦点正转向建筑的永久性、转型与公共价值。与这些项目并行的还有各大机构的重要公告，从英国皇家建筑师学会（RIBA）斯特林奖入围名单的公布，到新一届国际建筑师协会（UIA）领导层的选举，这些动态展现了正在不同尺度和地域塑造建筑行业的行动议程。
Isaac Torres-Quiroz 带领我们深入探讨了当代建筑的现状，其分析充满激情。该书提出了一个令人不安的前提：曾经定义建筑的艺术本质正面临消亡的危险。
英国皇家建筑师学会（RIBA）已公布了入围名单，共有六个项目角逐 2026 年的RIBA 斯特林奖（RIBA Stirling Prize），今年正值该奖项设立 30 周年。斯特林奖创立于 1996 年，旨在表彰被认为对英国建筑演进做出重大贡献的建筑。今年的入围名单涵盖了广泛的类型，包括位于伦敦最繁忙交通枢纽之一上方的全新公共广场、将一座 20 世纪 70 年代的剧院改造为文化场馆的城市更新项目、一个高密度住宅开发项目、两个剑桥大学学院项目，以及一座坐落在埃平森林（Epping Forest）边缘的家庭住宅。最终获奖者将于 10 月 15 日在伦敦的老比林斯盖特（Old Billingsgate）揭晓。
2026年7月13日，第比利斯市政厅批准拆除里奇公园（Rike Park）的管状音乐厅与展览馆。该建筑群由意大利建筑事务所 Studio Fuksas 设计，自2012年竣工以来从未正式启用。其建成时间与该事务所设计的另一个项目——第比利斯公共服务大厅大致相同。自2011年委托设计以来，该方案在政府与市民之间一直备受争议。该项目在统一国家运动（UNM）执政期间动工，但在2012年政权更迭后随即停工。这两座常被称为“里奇管”（Rike Tubes）的建筑，最初旨在容纳音乐厅和展览空间，但时至今日仍处于闲置状态。
观赏一张建筑图像与亲身体验其所呈现的空间，这两者之间存在着本质的差异。一个场所的氛围，由光影、声音、材质以及与周边景观的关系共同塑造，长期以来一直专属于物理体验的范畴。而如今，实时渲染技术正开始弥合这一差距，让人们在项目落成之前，便能对其进行探索与体验。
在建筑付诸建造之前，它早已以图纸、实体模型、透视图、照片，以及近年来的写实渲染等形式存在。纵观历史，每一种全新媒介的出现，不仅旨在传达项目的外观，更在于传递身临其境的居住体验。
