Muchas de las ideas espaciales que hoy asociamos con la arquitectura contemporánea, el uso colectivo y la experiencia corporal no se originaron únicamente en los edificios. En América Latina, estas ideas a menudo se exploraron primero a través del arte, en un momento en que los/las artistas cuestionaban activamente cómo se podía ocupar, compartir y experimentar el espacio más allá de las formas tradicionales.

A mediados del siglo XX, la región experimentó una rápida urbanización y profundos cambios sociales. De la arquitectura se esperaba cada vez más que respondiera a la vida pública, la colectividad y nuevas formas de habitar el espacio. Al mismo tiempo, el arte ofrecía un terreno más flexible para la experimentación, menos condicionado por la función, la normativa o la permanencia. De este modo, muchas interrogantes espaciales se pusieron a prueba a través de prácticas artísticas antes de integrarse al pensamiento arquitectónico.

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En la historia de la arquitectura del territorio mexicano, el entorno construido ha funcionado no solo como un escenario humano, sino como una infraestructura biológica diseñada para organizar la proximidad entre especies. La lógica espacial resultante no es una representación individual, sino una coexistencia negociada entre cuerpos humanos y animales. Examinar este patrimonio hoy en día implica desplazar el foco analítico de la autoría estilística hacia un fenómeno más fundamental: la persistencia de prácticas espaciales que surgieron para sostener formas de vida compartidas.

Muchas de las características arquitectónicas que hoy se interpretan como rasgos culturales o estéticos —umbrales de gran tamaño, patios amplios y superficies duraderas— pueden entenderse, en cambio, como huellas materiales de un contrato entre especies. Durante siglos, los caballos, las mulas y el ganado no fueron ajenos a la arquitectura, sino habitantes esenciales cuya presencia física definió la escala, la circulación y la selección de materiales. Sus cuerpos dejaron huellas mensurables en el espacio, desde la altura de los accesos que daban paso a jinetes montados hasta los sistemas de pavimentación diseñados para resistir los cascos, la fricción y el desgaste biológico. En ningún lugar fue más visible este contrato que en la planta baja de la casa colonial.

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Mientras la comunidad de la arquitectura espera el anuncio de la persona galardonada con el Premio Pritzker de Arquitectura 2026, la expectativa vuelve a crecer en torno a lo que es ampliamente considerado el máximo honor de la profesión. Fundado en 1979 por Jay Pritzker y administrado por la Fundación Hyatt, el premio reconoce a un/a arquitecto/a vivo/a cuya obra demuestre una contribución constante y significativa a la humanidad y al entorno construido.

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La educación y la cultura siempre se han consolidado como pilares estratégicos para promover transformaciones sociales profundas. En este sentido, la calidad de las infraestructuras físicas no es solo una cuestión funcional, sino un elemento estructurante para la implementación de políticas públicas consistentes —especialmente en territorios marcados por la precariedad urbana, desigualdades históricas y fragilidad institucional. Ante este escenario, la arquitectura escolar puede asumir un papel que va mucho más allá del salón de clases, convirtiéndose en catalizadora de la transformación social.

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Concéntrico es un laboratorio de innovación urbana que invita a reflexionar sobre la ciudad a través de la arquitectura y el diseño. Desde 2015, ha realizado más de 180 intervenciones en Logroño, España. La nueva temporada 2025/2026 del festival expande este espíritu experimental con tres convocatorias internacionales que ponen en acción las ideas del libro Concéntrico: Laboratorio de Innovación Urbana (Park Books, 2025). A través de estas convocatorias, la organización busca profundizar en tres líneas de investigación —lo efímero, lo ecológico y lo simbólico— para imaginar diferentes formas de habitar la ciudad. Los proyectos ganadores de las convocatorias de esta edición se desarrollarán, construirán como instalaciones urbanas y se presentarán en la exposición durante el festival, que se llevará a cabo en Logroño del 18 al 23 de junio de 2026.

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El 23 de diciembre de 1972, Managua, la capital de Nicaragua, fue sacudida por un terremoto de magnitud 6,3. En cuestión de minutos, su núcleo urbano, que durante décadas había funcionado como un compacto centro político y económico, colapsó abruptamente. En el proceso de reconstrucción subsiguiente, las autoridades no buscaron simplemente edificar de nuevo, sino reorganizar la ciudad. Su objetivo era descentralizar la urbe y prevenir futuras parálisis mediante la dispersión de funciones en múltiples zonas. Entre los resultados arquitectónicos más significativos de este cambio estuvo la nueva Catedral Metropolitana. Su lenguaje modernista simbolizaba tanto la continuidad institucional como la transformación urbana. Al hacerlo, encarnó la transición de Managua de una cuadrícula urbana centralizada de estilo español a una metrópoli contemporánea y descentralizada.

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El papel de la rehabilitación del patrimonio en el panorama arquitectónico contemporáneo está definido por una amplia gama de investigaciones, creencias, memorias y esfuerzos destinados a redefinir y fortalecer nuestro entorno construido. Al emprender un proyecto de transformación, renovación o preservación, los y las arquitectos/as pueden emplear diversas estrategias y herramientas para fomentar una coexistencia significativa entre lo existente y lo nuevo. Junto con tres estudios de arquitectura basados en Madrid —SOLAR, Pachón-Paredes y BA-RRO— nos propusimos entablar una conversación para explorar sus procesos creativos e ideales, reconociendo la complejidad y el valor de los edificios históricos como depósitos de materiales, estructuras y técnicas constructivas de otras épocas.

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Una fábrica de conservas revitalizada en una ciudad costera portuguesa, un parque conmemorativo en Etiopía, una casa en un pequeño pueblo brasileño, un pabellón de madera que evoca el patrimonio de Baréin y otros 11 proyectos visionarios conforman las obras ganadoras de los Premios ArchDaily Building of the Year 2026. Seleccionados tras tres semanas de votación pública, los ganadores representan el panorama arquitectónico actual, reflejando una diversidad de enfoques, materialidades y estéticas, al tiempo que muestran hilos conductores comunes entre distintas culturas.

En su 17ª edición, los Premios Building of the Year de este año recibieron más de 120,000 votos de más de 100 países, lo que marca un año récord para el premio de arquitectura impulsado por la comunidad más grande del mundo. Los proyectos ganadores representan a 14 países, culturas y perspectivas diferentes, provenientes de Alemania, Brasil, Canadá, Chile, Colombia, Corea del Sur, Dinamarca, Estados Unidos, Etiopía, India, Indonesia, Japón, Portugal y Vietnam.

El American Institute of Architects (AIA) ha incorporado a 78 arquitectos/as a su College of Fellows, en reconocimiento a aquellos miembros cuya labor ha demostrado un impacto sostenido en la disciplina y la sociedad. La distinción Fellowship es considerada uno de los honores más altos de la institución y se otorga a arquitectos/as que han impulsado la excelencia en el diseño, fortalecido la práctica profesional, expandido la educación arquitectónica o contribuido al servicio público. Seleccionado por un jurado de nueve miembros de honor presidido por Sanford Garner de RG Collaborative, el grupo de este año refleja una amplia variedad de trayectorias geográficas y profesionales, con personas galardonadas que representan a firmas, organismos públicos e instituciones académicas de todos los Estados Unidos.

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Un edificio que aún está siendo ajustado, reparado y debatido es declarado Patrimonio de la Humanidad. Otro, de igual influencia, debe sobrevivir cinco siglos antes de que alguien considere protegerlo. Esto no es una anomalía del sistema patrimonial; es el sistema mismo. En todo el mundo, la arquitectura no envejece al mismo ritmo porque el tiempo en sí no es neutral. Es cultural, político y profundamente desigual. Lo que llamamos "patrimonio" no es simplemente arquitectura antigua; es arquitectura que ha alcanzado el momento adecuado en un lugar determinado.

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Los sitios patrimoniales constituyen complejos archivos espaciales en los que convergen la arquitectura, la historia y la memoria colectiva. Abarcan un amplio espectro de contextos: desde restos arqueológicos, paisajes urbanos antiguos e históricos y paisajes declarados Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, hasta estructuras cívicas de principios de la era moderna e infraestructuras industriales. Sin embargo, estos entornos se enfrentan a diversos desafíos: el cambio climático, la transformación urbana, los desastres, las cambiantes necesidades sociales y la erosión gradual de su tejido material. Los proyectos de revitalización y restauración responden a estas condiciones al posicionar la práctica arquitectónica y espacial como un mediador activo entre la preservación y las topologías contemporáneas.

En la práctica actual, la conservación se entiende como un proceso creativo de adaptación y reinterpretación que beneficia tanto a las comunidades como a sus habitantes. Al mismo tiempo, la arquitectura monumental sigue definiendo la identidad y el paisaje de un lugar para un público más amplio y para las generaciones futuras. Quienes ejercen la arquitectura y la planificación tienen el desafío de dialogar con contextos históricos sensibles, al tiempo que introducen nuevos programas, técnicas y experiencias espaciales. De este modo, ejemplifican diversos enfoques de diseño, que abarcan desde intervenciones estructurales precisas, estrategias adaptadas al clima y una meticulosa restauración material, hasta la cuidadosa inserción de nuevos elementos arquitectónicos. De igual importancia es su compromiso con el conocimiento vernáculo y la materialidad, lo que preserva la identidad local y la especificidad cultural de cada sitio.

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El posmodernismo en los Estados Unidos convirtió a la arquitectura en un escenario para la memoria cultural, la ironía y el patrimonio en un momento en que el entorno construido se volvía menos cívico y más comercial y curado. Hacia finales del siglo XX, la inversión arquitectónica ya no se centraba en instituciones públicas monumentales ni en un compromiso federal compartido con el espacio cívico. El desarrollo privado, la expansión corporativa y los entornos de consumo moldearon cada vez más las ciudades de todo el país. Los edificios asumieron un nuevo rol como imágenes culturales, con la expectativa de comunicar identidad y significado tanto como de ofrecer una función.

El posmodernismo comenzó como una crítica a las promesas agotadas del modernismo. A finales de la década de 1960 y principios de la de 1970, gran parte de los y las profesionales del diseño ya no consideraban al modernismo como algo radical o socialmente redentor. Los proyectos de renovación urbana aceleraron la demolición de barrios históricos, y las batallas por la preservación de monumentos plantearon preguntas urgentes sobre lo que Estados Unidos valoraba y, en última instancia, protegía. La pérdida de grandes íconos cívicos, como la estación Penn de Nueva York, agudizó la conciencia pública de que el progreso a menudo llega a través de la erradicación. En Chicago, el arquitecto y provocador Stanley Tigerman capturó esta sensación de ruptura en su fotomontaje de 1978, *The Titanic*, que muestra el Crown Hall de Mies van der Rohe hundiéndose en el lago Michigan, una imagen contundente del colapso simbólico del modernismo. Quienes ejercían la arquitectura posmoderna trabajaron en medio de esta turbulencia, bajo la influencia de crisis económicas, excesos corporativos, una producción cultural en transición y un creciente escepticismo hacia las grandes soluciones arquitectónicas.

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Sordo Madaleno, en colaboración con építész stúdió y Buro Happold, ha sido seleccionado para diseñar el nuevo Centro de Colecciones de Debrecen, de 43,000 metros cuadrados, para el Museo Húngaro de Historia Natural. Debrecen, la segunda ciudad más grande de Hungría, es actualmente el centro de un importante desarrollo urbano y universitario, que incluye planes para reubicar el Museo Húngaro de Historia Natural desde Budapest hasta el límite del Gran Bosque de Debrecen. El Centro de Colecciones propuesto se concibe como una instalación dedicada al almacenamiento controlado y al estudio de más de 11 millones de objetos, inspirándose conceptualmente en las vasijas de barro tradicionales húngaras, estructuras utilizadas históricamente para proteger y conservar. El proyecto representará el primer encargo cultural en Europa para la oficina de arquitectura mexicana, que opera estudios en Londres y la Ciudad de México.

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Durante décadas, el patrimonio ha sido más fácil de reconocer desde la calle. Protegemos fachadas, siluetas urbanas y monumentos porque son visibles, estables y legibles como bienes culturales. Sin embargo, la mayor parte de lo que recordamos sobre el habitar tiene que ver con cómo compartimos la comida, nos retiramos, discutimos, cuidamos y descansamos; actividades que ocurren lejos de la vista de todos. Ocurren dentro de las habitaciones. A medida que las plantas libres ceden silenciosamente su lugar a umbrales, pasillos y cerramientos, surge una pregunta más profunda: ¿y si la memoria cultural sobrevive no en lo que la arquitectura muestra, sino en cómo se vive?

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En las regiones costeras y selváticas de Costa Rica, la alta humedad y la intensa radiación solar imponen una estrategia arquitectónica centrada en la permeabilidad más que en el cerramiento. A diferencia de las envolventes herméticas que requieren los climas fríos para conservar el calor, la arquitectura costarricense utiliza la envolvente del edificio como un filtro climático para maximizar el intercambio de aire. El principal mecanismo para gestionar estos gradientes térmicos parece ser el voladizo sobredimensionado de la cubierta. Al extender el plano de la cubierta considerablemente más allá de la planta, se genera una barrera permanente de sombra profunda que reduce la ganancia solar y disminuye la temperatura ambiente antes de que el aire ingrese a la estructura. Esta estrategia, combinada con muros permeables o inexistentes, permite un flujo de aire constante, un requisito técnico fundamental para el control de la humedad y la prevención del deterioro de los materiales por moho y descomposición.

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En toda Sudamérica, el confort ambiental se entiende no como una condición interior, sino como una cualidad que se modela a través del espacio. En regiones marcadas por el calor, la humedad, la intensa radiación solar y las variaciones estacionales, la arquitectura ha recurrido históricamente a decisiones espaciales para moderar el clima y dar soporte a la vida cotidiana. El confort surge de la manera en que los interiores se abren, se sombrean, se ventilan y se habitan a lo largo del tiempo.

En lugar de aislar los espacios interiores de su entorno, numerosos proyectos contemporáneos en toda la región cultivan el confort a través de la profundidad, la porosidad y las zonas intermedias. La luz se filtra en vez de maximizarse, el aire se canaliza mediante aberturas alineadas y vacíos, y los umbrales se transforman en espacios activos de uso y no en meros bordes residuales. Estas estrategias no buscan un control ambiental uniforme, sino que producen interiores que permanecen templados, adaptables y estrechamente sintonizados con las condiciones climáticas cambiantes. En este contexto, el confort ambiental se vuelve inseparable de la experiencia espacial.

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Fundada en 2020 por Masato Igarashi, IGArchitects es una práctica de arquitectura con sede en Tokio y Saitama, Japón. El estudio, uno de los ganadores de los premios ArchDaily 2025 Next Practices Awards, explora una arquitectura perdurable a través de un tratamiento minucioso pero asertivo de la estructura, la escala y la materialidad. Antes de establecer su propia oficina, Igarashi trabajó en la firma de gran escala Shimizu Sekkei y en Suppose Design Office, adquiriendo experiencia en proyectos que van desde desarrollos de gran envergadura hasta obras de menor escala impulsadas por conceptos. Esta amplitud de experiencia sigue influyendo en el enfoque actual de IGArchitects en la arquitectura residencial y comercial en todo Japón.

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Cada vez se le pide a la arquitectura que haga menos, no más. En entornos marcados por el movimiento constante, el ruido y las expectativas, los espacios que permiten a las personas quedarse, hacer una pausa y estar presentes se han vuelto tan escasos como necesarios. Muchos lugares públicos y semipúblicos están diseñados para mantener a las personas en movimiento, consumiendo o reaccionando, lo que deja poco margen para la permanencia, la observación o el simple hecho de estar sin un motivo aparente.

Frente a este escenario, un número creciente de obras está desviando la atención de la activación para centrarla en la presencia. En lugar de exigir que las personas interactúen o participen, estos espacios crean condiciones que favorecen la permanencia. El confort, la continuidad y la apertura permiten a las personas quedarse sin presiones ni obligaciones, convirtiendo la presencia en una cualidad espacial más que en una actividad.

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Nicolás Valencia conversa con la arquitecta chilena Macarena Cortés, autora de ⁠Turismo y Arquitectura Moderna en Chile⁠, una mirada sobre la arquitectura que permitió hacer de Chile un país turístico desde mediados de los años treinta a través de la publicidad ferroviaria.

Los espacios de ocio suelen ser el punto de encuentro donde se cruzan distintas generaciones. Sin programas formales ni roles asignados, permiten a las personas desplazarse, detenerse y permanecer juntas, habitando el espacio cada una a su manera. En un entorno construido cada vez más marcado por la especialización y la segregación, estos ámbitos espaciales compartidos son cada vez menos comunes, lo que otorga a la arquitectura orientada al ocio una relevancia renovada.

Los debates en torno al espacio público han señalado reiteradamente el valor de la apertura y la flexibilidad para sostener la vida colectiva. Al reflexionar sobre cómo las personas leen, habitan y adaptan el espacio, el arquitecto Herman Hertzberger habla de la arquitectura no como un conjunto de instrucciones, sino como un marco de posibilidades: una estructura que invita a la interpretación en lugar de prescribir el comportamiento. Según sus propias palabras, "lo que deberíamos producir en arquitectura es algo parecido a la competencia, a la posibilidad; algo que la gente pueda manejar libremente a su manera". En lugar de intentar forzar la interacción, la arquitectura configura las condiciones que hacen posible el encuentro.

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En América Latina, los encuentros no nacen necesariamente de grandes gestos arquitectónicos o de planes urbanos monumentales. Emergen del entre, del espacio intermedio: el patio, la galería, la acera, el corredor compartido. Estos espacios, muchas veces considerados residuales o informales por la disciplina tradicional, son precisamente aquellos donde lo cotidiano construye vínculos.

De esta cultura latinoamericana surge una lógica espacial en la que la vida cotidiana se organiza de manera relacional y extensiva. Prácticas como sentarse a la puerta de casa, ocupar la acera o jugar en la calle producen una ciudad vivida más allá de los límites formales del proyecto.

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La arquitectura suele representarse como un objeto estable: un edificio capturado en un momento de claridad visual, aislado de las contingencias del entorno. Los planos, secciones y fotografías prometen legibilidad al suspender el tiempo. Sin embargo, muchos de los entornos públicos más perdurables del mundo se resisten por completo a este modo de representación. No están diseñados para ser leídos de manera instantánea, ni revelan su lógica únicamente a través de la forma. Su inteligencia espacial emerge paulatinamente, a través de la repetición, la ocupación y la duración.

El bazar pertenece firmemente a esta categoría. No puede comprenderse a través de un solo dibujo o una fachada terminada. Su organización no es fija, sino ensayada. Lo que lo sostiene no es la pura composición arquitectónica, sino la sincronía compartida, la memoria colectiva y los patrones de uso arraigados en el tiempo. La convivencia en el bazar no surge de decisiones de diseño formales; se produce a través de encuentros repetidos, proximidades negociadas y una familiaridad social acumulada con el paso del tiempo.

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Nicolás Valencia conversa con la arquitecta hondureña Ángela Stassano, autora del Museo de la Escultura de Copán y una de las principales arquitectas de Centroamérica. Grabado en la ciudad hondureña de San Pedro Sula, Stassano presenta sus publicaciones de arquitectura bioclimática, anécdotas en motoneta y la historia de Honduras.

El estudio mexicano de arquitectura LANZA atelier ha revelado nuevos detalles del Serpentine Pavilion de 2026, titulado "a serpentine", que abrirá al público el 6 de junio de 2026 en Serpentine South. Diseñado por los/as fundadores/as del estudio, Isabel Abascal y Alessandro Arienzo, el proyecto reinterpreta el histórico muro serpentina (o *crinkle-crankle*) mediante una estructura ligera de ladrillo integrada en el paisaje de Hyde Park. Con motivo de la 25ª edición del encargo anual, el pabellón permanecerá abierto hasta octubre de 2026 y servirá de sede para el programa público de *performances*, charlas, proyecciones y eventos comunitarios de Serpentine.

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