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Movimiento Moderno: Las más recientes noticias y obras de arquitectura

Alcatraz en la colina: el auge y la vida posterior de Rozzol Melara en Trieste

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El patio de Rozzol Melara mide doscientos metros por lado, lo que lo convierte en un espacio más grande que cualquier plaza de Trieste. Dos bloques de concreto expuesto en forma de L lo delimitan —uno de ellos con el doble de altura que el otro—, elevándose de siete a quince pisos a medida que la ladera desciende hacia el golfo, a cuatro kilómetros de distancia. Pilares de concreto espaciados cada quince metros sostienen los bloques sobre una pendiente que nunca llegan a tocar, abriendo pórticos lo suficientemente profundos como para transitarlos, y sobre ellos las fachadas se resuelven en logias a la escala de una habitación individual. Desde la carretera costera, nada de esto resulta legible; solo se aprecia una línea gris dibujada sobre las colinas.

En el interior del recinto, el Istituto Autonomo Case Popolari de Trieste construyó el resto de la ciudad. Los 648 departamentos ocupan menos espacio en la planificación que las escuelas, la oficina de correos, el centro de salud, el salón parroquial, las más de veinte tiendas y el garaje de dos niveles. A todos estos servicios se accede a través de calles cubiertas que recorren longitudinalmente los bloques y cruzan el patio mediante una pasarela elevada, de modo que el trayecto desde la puerta de un hogar hasta una tienda o un aula transcurre por el espacio colectivo sin necesidad de salir al exterior. Un equipo de veintinueve arquitectos y arquitectas trabajó en el proyecto bajo la coordinación de Carlo Celli, basándose en estudios sociológicos encargados de manera previa al diseño.

Cómo la escasez de mano de obra está reconfigurando la arquitectura

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Construir una ciudad desde cero no es tarea fácil. Nunca lo ha sido y nunca lo será. La sola idea de crear algo que de otro modo se desarrollaría y crecería gradualmente exige recursos, organización y, sobre todo, mano de obra. Así ocurrió en 1958, cuando la Meseta Central de Brasil se convirtió en uno de los mayores sitios de construcción del siglo XX para la edificación de Brasilia. Decenas de miles de candangos (migrantes provenientes principalmente del nordeste de Brasil, muchos de ellos sin capacitación técnica previa) llegaron para levantar una capital entera en poco más de tres años, bajo el lema del entonces presidente Juscelino Kubitschek de alcanzar "cincuenta años de progreso en cinco". La arquitectura de Oscar Niemeyer y el plano de Lúcio Costa no habrían sido posibles sin dar por sentado que había suficiente mano de obra disponible y dispuesta a soportar salarios bajos y condiciones extremadamente duras para transformar el hormigón y las curvas en un símbolo nacional.

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La Maison du Peuple: Reivindicar el brutalismo para la construcción nacional

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Cuando los países africanos obtuvieron su independencia del dominio colonial europeo a mediados del siglo XX, la construcción nacional implicó mucho más que el establecimiento de nuevos gobiernos e instituciones políticas. Los nuevos Estados soberanos también necesitaban definir una identidad construida que los distinguiera de su pasado colonial, por lo que la arquitectura se convirtió en una herramienta clave en este proceso. A lo largo del continente, se encargaron monumentales edificios cívicos, universidades, centros de convenciones e instituciones culturales para encarnar el progreso y la unidad nacional. Sin embargo, esto generó una contradicción fundamental: muchos de estos edificios adoptaron lenguajes arquitectónicos modernistas y brutalistas originados en Europa, e incluso algunos fueron diseñados por arquitectos y arquitectas de las antiguas potencias coloniales. La Maison du Peuple en Uagadugú, Burkina Faso, ofrece un ejemplo particularmente revelador de cómo un lenguaje arquitectónico asociado con Europa pudo ser apropiado y transformado en una expresión de independencia poscolonial.

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Modernismo en alerta: la preservación del Estadio Sardar Vallabhbhai Patel en India

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En el corazón del distrito de Navrangpura, en Ahmedabad, India, se encuentra el Estadio Sardar Vallabhbhai Patel. Más que un simple campo de críquet, el estadio se erige como uno de los primeros experimentos de la India en arquitectura pública modernista. Construida en las décadas posteriores a la independencia del país, la estructura no solo se ha convertido en un hito de la ingeniería, sino también en un importante espacio público dentro del tejido urbano de Ahmedabad. A pesar de la trascendencia arquitectónica e histórica del edificio, así como de su profunda integración en la vida comunitaria diaria, la estructura ha sufrido un importante deterioro físico a raíz de décadas de mantenimiento deficiente y falta de financiamiento. Esta fragilidad es, precisamente, la razón por la que ha captado la atención internacional. En 2020, el World Monuments Fund (WMF) incluyó al Estadio Sardar Vallabhbhai Patel en el World Monuments Watch, una lista global que destaca los sitios de patrimonio cultural que enfrentan desafíos urgentes de conservación.

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El programa Conserving Black Modernism de la Fundación Getty anuncia cinco nuevos sitios beneficiarios

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La iniciativa Conserving Black Modernism de la Fundación Getty es un programa dedicado a preservar y celebrar las contribuciones de los/las arquitectos/as afroamericanos/as al movimiento modernista en todo Estados Unidos. Se lanzó en 2022 como parte del African American Cultural Heritage Action Fund del National Trust, la campaña de preservación más grande destinada a asegurar la longevidad de los sitios históricos afroamericanos. Creada inicialmente como una iniciativa de dos años, desde entonces se ha expandido para apoyar 26 sitios modernos históricos y este año lanza su cuarto ciclo de financiamiento. Las subvenciones se otorgan para apoyar la planificación de la conservación, la capacitación profesional y la divulgación de historias en una amplia variedad de tipologías de edificios en 17 estados y el Distrito de Columbia (D.C.), lo que incluye sitios de importancia histórica de carácter académico, religioso, residencial, cívico, cultural y comercial.

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Un mundo intermedio: el papel de las formas híbridas en los baños contemporáneos

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¿Cuándo una forma sigue considerándose circular o rectangular? En el modernismo del siglo XX, esta pregunta estaba prácticamente ausente. La arquitectura se construía sobre la base de la claridad, la reducción y la pureza formal. Bajo la influencia de figuras de la arquitectura como Le Corbusier y Ludwig Mies van der Rohe, el diseño modernista estableció un orden visual basado en la geometría racional, los materiales industriales y el rechazo al ornamento. El círculo y el cuadrado, la función y la expresión, se mantenían estrictamente separados: una lógica que dictó las distribuciones rígidas y modulares de los baños tradicionales durante décadas.

La restauración del Africa Hall de las Naciones Unidas en Etiopía recibe el Premio de Modernismo World Monuments Fund/Knoll 2026

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World Monuments Fund (WMF) es una organización independiente dedicada a salvaguardar lugares significativos que enriquecen la vida de las personas y fomentan el entendimiento mutuo entre culturas y comunidades. Desde 2008, el World Monuments Fund/Knoll Modernism Prize se entrega de forma bienal para reconocer logros destacados en la conservación de edificios emblemáticos del movimiento moderno. El galardón distingue a personas y organizaciones que revitalizan el patrimonio moderno construido mediante intervenciones arquitectónicas innovadoras y sensibles.

El 22 de enero de 2026, el WMF y Knoll anunciaron a la firma de arquitectura australiana Architectus como la ganadora del World Monuments Fund/Knoll Modernism Prize 2026 por la conservación del histórico Africa Hall de las Naciones Unidas en Adís Abeba, Etiopía. El jurado reconoció el proyecto por recuperar una obra significativa del modernismo africano como un espacio activo para la diplomacia y el intercambio cultural. Asimismo, el jurado otorgó el premio Stewardship Award para viviendas modernistas a la Umbrella House de Paul Rudolph en Sarasota, Florida, Estados Unidos.

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El Southbank Centre de Londres recibe protección como patrimonio nacional tras una campaña de 35 años

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El Southbank Centre es un complejo cultural ubicado en Londres. Fue construido entre 1963 and 1968, y es ampliamente considerado un ejemplo representativo del brutalismo británico. En la actualidad, el recinto alberga una gran variedad de eventos que abarcan artes visuales, teatro, danza, música clásica y contemporánea, literatura, poesía y debate. El edificio fue diseñado por un equipo del Departamento de Arquitectura del Consejo del Condado de Londres, liderado por el arquitecto Norman Engleback. Se convirtió en un ejemplo polémico de arquitectura moderna tras su inauguración en octubre de 1967, cuando un grupo de ingenieros/as catalogó al Queen Elizabeth Hall como "el colmo de la fealdad" en una encuesta sobre nuevos edificios, y el Daily Mail se refirió a él como "el edificio más feo de Gran Bretaña". Cincuenta y nueve años después, el 10 de febrero de 2026, el complejo recibió la catalogación de Grado II (Grade II listed status) por parte del Ministerio de Cultura, Medios de Comunicación y Deporte (DCMS) del gobierno británico, tras una campaña de 35 años que exigía su protección como patrimonio de la arquitectura moderna.

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Curso de Capacitación Profesional en Conservación de la Arquitectura Moderna

El curso de cualificación profesional tiene como objetivo permitir que los/las arquitectos/as y urbanistas actúen en la conservación del patrimonio reciente de manera cualificada, fortaleciendo el desempeño profesional en la preservación del patrimonio arquitectónico, urbanístico y paisajístico. En esta edición, el curso se centra en el sistema constructivo del hormigón armado y su aplicación en los edificios modernos.

Promenade Architecturale: cómo el concepto moderno sigue inspirando la arquitectura actual

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En la arquitectura moderna, la promenade architecturale se destacó como una estrategia de diseño esencial para materializar los principios de funcionalidad, estética e integración con el contexto urbano. Proyectos icónicos de Le Corbusier, como la Villa Savoye (1929), ilustran este concepto al guiar al/a la visitante por un recorrido ascendente que culmina en la contemplación de la terraza jardín, un espacio abierto donde la edificación dialoga armoniosamente con la naturaleza. Cien años después, el concepto sigue influyendo en proyectos contemporáneos al explorar la relación entre movimiento y espacio en diferentes tipologías arquitectónicas como casas, museos, bibliotecas y parques.

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Cuando el modernismo se encuentra con la resistencia local: vivienda y fricción urbana en América Latina

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La vivienda moderna fue uno de los ámbitos donde el movimiento moderno planteó su promesa más audaz: que la arquitectura podía transformar no solo la ciudad, sino también la forma en que la gente vivía en ella. Como ha señalado el historiador de la arquitectura argentino Ramón Gutiérrez, la vivienda popular es "la gran asignatura pendiente, que habitualmente no figura en las historias de la arquitectura". En América Latina, esta ausencia es significativa. A lo largo del siglo XX, la expansión de las ciudades convirtió a la vivienda en una de las formas más claras de proyectar el cambio urbano, y el modernismo se introdujo no solo en planos y dibujos, sino también en departamentos, barrios, calles y rutinas domésticas.

Sin embargo, una vez construidos, estos proyectos se insertaron en ciudades configuradas por la política, la memoria, la desigualdad y dinámicas de ocupación en constante evolución. Sus significados ya no dependían únicamente del plano original, sino de las formas en que fueron habitados, alterados y transformados con el paso del tiempo. Lo que esta historia revela no es una simple adaptación, sino una fricción: ese momento en que la arquitectura deja de ser un modelo ideal y se enfrenta a una ciudad que no puede controlar por completo.

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Mobiliario como arquitectura: micromodernismos en el hogar

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El modernismo suele experimentarse a través de la forma construida, fachadas fotografiadas, planos canónicos o manifiestos de concreto. Para la mayoría de las personas, sin embargo, el primer encuentro fue mucho más inmediato: se trató de una silla en una oficina, un estante en una sala de estar, una unidad compacta que reorganizó la forma de sentarse, almacenar o dormir. Mucho antes de que la arquitectura moderna pudiera encargarse a gran escala, fue el mobiliario el que ingresó al espacio cotidiano, trayendo consigo una nueva lógica de habitar. La promesa del modernismo de transformar la vida se cumplió, a menudo, a través de estos objetos más pequeños y repetibles.

Para comprender este cambio, el mobiliario debe leerse como una forma condensada de arquitectura y no como mera decoración. Quienes diseñaban a principios del siglo XX lo abordaron precisamente de esta manera. Le Corbusier describió el mobiliario como équipement de l'habitation (equipamiento de la vivienda), situándolo dentro del sistema operativo del edificio en lugar de dejarlo fuera de este. Del mismo modo, la Bauhaus abordó las sillas y mesas como prototipos industriales, integrando principios de estandarización, eficiencia y producción en serie en su diseño. Como ha argumentado la historiadora de la arquitectura Beatriz Colomina, la arquitectura moderna no circuló únicamente a través de los edificios, sino mediante medios y objetos que tradujeron sus ideas a la vida cotidiana. El mobiliario se convirtió en arquitectura en miniatura: portátil, reproducible y capaz de reorganizar el espacio sin necesidad de reconstruirlo.

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Más allá del cascarón: el Palacio de los Deportes de Félix Candela para los Juegos Olímpicos de México 1968

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Cuando la Ciudad de México albergó los Juegos Olímpicos en 1968, marcó la primera vez que la justa deportiva se otorgaba a un país latinoamericano, así como la primera ocasión en que una nación de habla hispana fungía como anfitriona. Este acontecimiento representó una oportunidad inmejorable para proyectar a México y su cultura en el escenario internacional, lo que impulsó al gobierno a conformar un comité organizador integrado por destacados talentos locales. Al frente de este comité se designó como presidente a Pedro Ramírez Vázquez, arquitecto mexicano que ejercía una gran influencia en el programa de obras públicas estatales de mediados de siglo. Su enfoque era explícito: concebía la arquitectura como una síntesis de las técnicas del modernismo internacional con referentes precolombinos y la cultura material de la región. Bajo su dirección, el comité supervisó la construcción y adecuación de sedes distribuidas en el sur de la Ciudad de México, diseñadas y edificadas en su gran mayoría por profesionales locales de la arquitectura, la ingeniería y el sector técnico.

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10 tendencias en el diseño de interiores del 2025

A medida que el 2025 se acerca a su fin, miramos hacia atrás en un año lleno de eventos en el mundo del diseño de interiores. El año pasado, los diseñadores optaron por enfoques reservados y modestos, una tendencia que continuó de años anteriores. La aparición de la inteligencia artificial generó intensas discusiones sobre la equidad digital y la desinformación, que continuaron en 2025, especialmente con el tema de la Bienal de Arquitectura de Venecia, Intelligens. Esto abrió la conversación sobre las oportunidades de las tecnologías digitales, intentando un enfoque más esperanzador. Por otro lado, los proyectos de diseño de interiores realizados a lo largo del año se centraron más en lo tangible y lo pragmático, con materiales expresados en bruto y una apreciación de la historia.

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La Casa Eames reabre con mayor acceso al público tras su restauración

Tras un extenso proceso de conservación, la Casa Eames, Case Study House No. 8, ha reabierto sus puertas a los visitantes después de cinco meses de cierre debido a daños por humo del incendio de Palisades a principios de este año. Aunque la icónica estructura, diseñada por Charles y Ray Eames en 1949 como parte del Programa de Case Study Houses, no fue dañada directamente por las llamas, necesitó una limpieza exhaustiva y restauración para abordar los efectos de la infiltración de humo. Como parte de la reapertura, el adyacente Estudio Eames, previamente cerrado al público, ahora será accesible por primera vez. Diseñado y utilizado por Charles y Ray como un espacio de trabajo, el estudio servirá como un recinto para exhibiciones, talleres y programas públicos, ofreciendo una experiencia arquitectónica ampliada.

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La construcción de la Catedral Cristo Rei de Niemeyer en Belo Horizonte a través del lente de Paul Clemence

La Catedral Cristo Rei es el diseño de Oscar Niemeyer para la catedral de Belo Horizonte, la capital del estado de Minas Gerais en el sureste de Brasil. Concebida entre 2005 y 2006, es uno de los últimos proyectos del fallecido arquitecto en el país. El diseño presenta una estructura con cúpula de aproximadamente 60 metros de diámetro, suspendida por dos elementos imponentes que se elevan a 100 metros de altura. Niemeyer se refirió al proyecto como una "plaza," que consiste en una catedral con capacidad para 3,000 personas y un altar externo diseñado para albergar hasta 20,000 fieles durante misas y eventos públicos. La construcción comenzó en 2013 y aún continúa. A principios de este año, el fotógrafo Paul Clemence visitó el sitio, documentando el proceso de edificación y capturando la aparición de las curvas características de Niemeyer.

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Interiores a la vista: un caso de autenticidad y claridad de los materiales

Al diseñar un espacio—ya sea a la escala de interiores, arquitectura o infraestructura—la materialidad es una preocupación central. Más allá de la estética, los materiales determinan cómo funciona un proyecto, envejece y perdura. Algunos arquitectos—como Wang Shu y Kengo Kuma—han construido sus prácticas sobre una profunda sensibilidad hacia el potencial y los límites de los materiales. Pero incluso en el sentido más pragmático, surge la pregunta: ¿Qué perdura y qué no? ¿Cómo cambian los materiales con el tiempo? Naturalmente, los materiales dan forma a la atmósfera y la apariencia—cualidades que a menudo importan más a los clientes. Sin embargo, cada vez más, el discurso en torno a la materialidad ha cambiado de la sustancia estructural al tratamiento de la superficie. ¿Cuándo comenzamos a centrarnos más en "decorar" nuestros espacios superponiendo un material sobre otro, en lugar de confiar en la belleza inherente y el rendimiento del tejido del edificio en sí?

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Modernismo y tradición: la influencia de la historia de Milán en los diseños de Gio Ponti

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La arquitectura es, por naturaleza, una práctica basada en el lugar. La cantidad de conocimiento local necesario para diseñar un edificio ha significado que los arquitectos/as, incluso muchos de aquellos con obras ampliamente distribuidas, han tenido concentraciones de proyectos construidos en ciudades individuales. Giovanni "Gio" Ponti, nacido y criado en la ciudad italiana de Milán, es uno de esos arquitectos. Sus proyectos fuera de Milán incluyen el Museo de Arte de Denver en EE.UU. y la Villa Planchart en Caracas, Venezuela, así como edificios universitarios en Padua y Roma, y la Catedral de Taranto. Sin embargo, sus obras en su ciudad natal, como la Torre Pirelli, rastrean mejor el desarrollo de su arquitectura y su contribución al diseño de productos y la publicación.

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