Este artículo es parte de nuestra nueva sección de Opinión, un formato para ensayos basados en argumentos sobre las cuestiones críticas que dan forma a nuestra disciplina.
MTM—Made to Measure diseñado por Herzog & de Meuron para UniFor, dirección creativa de Studio Klass. Imagen cortesía de UniFor
¿Qué permite que un único principio arquitectónico genere resultados tan diversos? La respuesta reside en los sistemas que organizan la arquitectura: la geometría, la proporción, la estructura y la construcción. En conjunto, estos elementos pueden establecer un conjunto de reglas capaces de albergar diferentes programas, contextos y condiciones espaciales, al tiempo que mantienen una identidad coherente. Una cuadrícula estructural, por ejemplo, puede organizar una gran variedad de usos, del mismo modo que un único detalle constructivo puede repetirse en todo un edificio sin generar espacios idénticos. ¿Puede esta misma forma de pensar trasladarse al diseño de mobiliario sin perder su identidad? MTM—Made to Measure, desarrollado por Herzog & de Meuron para UniFor, explora esta interrogante. En lugar de diseñar cada pieza de manera independiente, la colección surge de un único principio estructural que puede extenderse, adaptarse y repetirse en diferentes funciones, manteniendo siempre su coherencia interna.
MVRDV ha ganado el concurso internacional de diseño organizado por la empresa social Shift para diseñar la Embajada de Shift (Shift Embassy), un nuevo destino cultural planificado para el distrito en desarrollo de Waterkant en Rotterdam. Concebida como un híbrido entre arquitectura y paisaje, la propuesta, titulada Rotterdam ROCKS!, combina espacios de exhibición, hotelería, educación, equipamiento público e infraestructura ecológica dentro de un edificio de acceso público destinado a apoyar la misión de Shift de involucrar a los visitantes con los desafíos ambientales y sociales. El proyecto formará parte de Waterkant, un desarrollo urbano a gran escala en la ribera sur del río Mosa, planificado para incluir 3,750 viviendas junto con escuelas, espacios de trabajo, recintos culturales y espacios públicos.
La ley 21st Century ROAD to Housing Act, un proyecto de ley de vivienda bipartidista del Senado de los Estados Unidos, se convirtió automáticamente en ley el 11 de julio de 2026. Con el nombre oficial de "Renewing Opportunity in the American Dream (ROAD) to Housing Act" (Ley para Renovar las Oportunidades en el Sueño Americano para el Acceso a la Vivienda), la iniciativa ha sido catalogada como la medida de vivienda más significativa en el país desde la National Affordable Housing Act de 1990, así como "la legislación de vivienda más exhaustiva en décadas". En un contexto de crisis mundial de vivienda, el texto reforma los programas federales de vivienda y amplía las opciones de financiamiento disponibles, otorga subsidios a las comunidades, aborda los requisitos normativos para la construcción y hace frente a la concentración de la propiedad. Esta ley se suma a las iniciativas globales por una vivienda adecuada, tales como límites a los alquileres de corto plazo, impuestos a las unidades residenciales desocupadas y la transformación y reutilización adaptativa de estructuras existentes, con el doble objetivo de aumentar el número de viviendas y poner las actuales a disposición de la población.
En la costa caribeña de Honduras se encuentra el valle de Leán, una estrecha franja costera delimitada por la cordillera Nombre de Dios al sur y el mar Caribe al norte. Durante mucho tiempo, esta fue la última frontera: una selva densa, pantanos, sin infraestructura y de difícil acceso hacia el interior. No obstante, este panorama comenzó a cambiar con la llegada del pueblo garífuna, que se estableció en la zona entre los ríos Danto y Cangrejal, sentando las bases de lo que se convertiría en la ciudad de La Ceiba, un núcleo urbano en el Caribe hondureño cuya historia ha estado definida por olas de migración: personas de Centroamérica, afrocaribeñas, europeas y del sector corporativo norteamericano. Estos movimientos provenientes de todo el mundo no solo contribuyeron al crecimiento económico, sino que produjeron activamente la lógica espacial, la identidad y la forma arquitectónica de la ciudad.
¿Qué significa el lujo cuando los productos están diseñados para una rápida obsolescencia? Grabado en vivo en la Semana del Diseño de Milán 2026 en colaboración con INDX|GLOBAL, el octavo episodio del podcast Room For Dreams reúne a los/las arquitectos/as Priyanka Mehra, Simran Boparai, Ashmit Singh Alag y Adreesh Chakraborty para analizar la evolución y, a menudo, las contradicciones en la relación entre exclusividad, sostenibilidad y una artesanía con propósito.
La arquitectura suele heredar una paradoja: los edificios que acaban definiendo un lugar rara vez son los únicos que lo moldearon. Al contrario, se convierten en símbolos que se repiten en guías turísticas, campañas de turismo, agendas de conservación e historias de la arquitectura hasta representar a toda una región. Con el tiempo, la riqueza de un paisaje construido se comprime en un puñado de imágenes familiares. Lo que queda fuera de ese encuadre rara vez desaparece; simplemente se desvanece del discurso arquitectónico.
Pocos lugares ilustran esto con tanta claridad como Odisha. Durante décadas, su identidad arquitectónica ha estado representada por los monumentales templos de piedra de Bhubaneswar, Konark y Puri. La sofisticación escultórica de la tradición Kalinga ha ganado con justicia el reconocimiento internacional, convirtiéndose en uno de los legados arquitectónicos más célebres de la India. Sin embargo, este protagonismo también ha traído una consecuencia imprevista: con frecuencia se entiende a Odisha únicamente como una tierra de templos, dejando otras historias arquitectónicas relativamente inexploradas. Las residencias reales, los edificios administrativos, los encuentros coloniales, los asentamientos vernáculos y las antiguas capitales ocupan un lugar mucho menor en el imaginario arquitectónico, a pesar de revelar historias igualmente complejas de gobernanza, diplomacia, ecología e intercambio cultural.
Grand Stade Hassan II en Marruecos por Populous y Oualalou + Choi. Imagen cortesía de Oualalou + Choi
La conclusión de la Copa Mundial de la FIFA 2026 marca el final de la mayor edición del torneo hasta la fecha. Organizada de manera conjunta por Canadá, México y Estados Unidos, la competencia se expandió a 48 selecciones nacionales y reunió a dieciséis ciudades sede distribuidas en tres países. Durante décadas, las Copas Mundiales de la FIFA han funcionado como catalizadores de la producción arquitectónica. Cada edición ha generado una colección singular de estadios, inversiones en transporte, espacios públicos e intervenciones urbanas que, a menudo, permanecen en sus ciudades sede mucho después de que concluye el torneo. Si bien las competencias recientes se han asociado con proyectos de estadios emblemáticos y ambiciosos programas nacionales de construcción, la edición de 2026 siguió una trayectoria diferente, apoyándose principalmente en recintos existentes adaptados a los requisitos técnicos y operativos de la FIFA.
El Clark Art Institute, una destacada institución de arte ubicada en la región de las Berkshires, al oeste de Massachusetts, Estados Unidos, ha revelado las imágenes del diseño para la ampliación de sus instalaciones actuales. Inaugurada en 1955, la institución funciona tanto como museo de arte como centro de investigación, debate crítico y educación superior en artes visuales. La nueva ala, encargada a Selldorf Architects en octubre de 2024, ampliará el espacio de galerías y de almacenamiento de arte actual, además de conectar el Museum Building con el Manton Research Center, ambos renovados previamente por la misma firma. El nuevo edificio se complementará con un diseño de paisaje a cargo de Reed Hilderbrand, lo que reforzará la experiencia de la arquitectura, el arte y el paisaje circundante de las Berkshires.
Desde agosto de 2025, se ha intensificado el debate en Dallas, Estados Unidos, sobre el futuro de uno de sus hitos modernos: el Ayuntamiento de Dallas, diseñado por I.M. Pei & Partners. Este mes, el Concejo Municipal de Dallas continuará evaluando si reparar, vender o demoler el edificio de 47 años de antigüedad, ante la creciente preocupación por un mantenimiento postergado durante largo tiempo y la necesidad de una inversión importante. A finales de octubre, los y las concejales iniciaron sesiones de audiencia pública y reuniones de comités para recabar la opinión de los habitantes. Mientras que quienes defienden la preservación y algunos/as concejales instaron a realizar un estudio completo de las opciones de reparación y a declarar el inmueble monumento histórico, otros sectores enfatizaron las preocupaciones financieras y operativas.
Quienes apoyan la preservación destacan la importancia cívica y arquitectónica del edificio, mientras que quienes abogan por la demolición señalan los altos costos de mantenimiento y el potencial de redesarrollo de este terreno de ubicación central. Una petición para “Salvar el Ayuntamiento de Dallas”, que exige al concejo detener los planes de demolición y encargar un estudio de renovación transparente, sigue abierta para recibir firmas. Por su parte, el alcalde ha manifestado que desea analizar todos los hechos antes de tomar una postura sobre si la ciudad debe reubicarse o invertir en las reparaciones. El caso se suma a la creciente lista de íconos modernistas en todo el mundo que enfrentan un futuro incierto, lo que desata debates culturales más amplios sobre el patrimonio cívico y la infraestructura pública.
“All I Own House es un proyecto que materializa el interior de una vivienda a través de las pertenencias personales de su habitante”, comenta PKMN Architectures sobre su proyecto All I Own House, una pequeña vivienda y estudio personalizable para su cliente Yolanda Pila, de ERREPILA Design Studio. Construida en un pequeño barrio del norte de Madrid, la casa de una sola planta pertenecía a la abuela de la cliente. Ahora, cumple con todas las funciones necesarias para el dinámico estilo de vida y trabajo de Yolanda.
En este artículo, publicado originalmente en Indian Architect & Builder, el arquitecto y escritor David Robson ofrece un relato íntimo y personal sobre la vida y obra de Geoffrey Bawa, un arquitecto increíble con un legado inigualable en Sri Lanka y el sureste de la India.
Han transcurrido diez años desde la muerte de Geoffrey Bawa y quince desde que los problemas de salud lo obligaron a colgar la regla T. Es hora de hacer un balance: ¿cuál fue su legado? ¿Cómo se difundieron sus ideas? ¿Qué influencia ha tenido? ¿Cuáles eran sus cualidades? ¿Quién fue Geoffrey Bawa?
Los paisajes urbanos en abandono y los espacios en desuso siempre han atraído a amantes de la exploración y la aventura, que buscan asomarse al mundo de una distopía industrial caída. Ese deseo puede verse cumplido con una visita al complejo de Zollverein en Essen, Alemania: la que fuera en su momento la mina de carbón más grande de Europa, Zeche Zollverein, se transformó a lo largo de 25 años en un paraíso arquitectónico. El parque de 100 hectáreas incluye aportaciones de Rem Koolhaas, Norman Foster y SANAA; abrumador por su complejidad, el recinto cuenta con tuberías oxidadas, colosales hornos de carbón y altas chimeneas, invitando a más de 500,000 personas al día a conocer de cerca la edad de oro de la industria pesada europea.
Acompáñanos en un viaje fotográfico por este parque de juegos de la era de las máquinas, a continuación...
Han pasado veinte años desde la demolición de la Ciudad Amurallada de Kowloon. Para conmemorarlo, el South China Morning Post ha diseñado una infografía que detalla los datos y cifras de cómo era la vida al interior de esta singularidad arquitectónica.
Sigue leyendo para conocer más sobre la locura que fue la Ciudad Amurallada de Kowloon después del salto...
Todo edificio comienza en otro lugar. La arena de su concreto, la piedra de su fachada, el litio que algún día podría alimentar sus sistemas. Llega tras haber sido arrancado de una montaña, del lecho de un río o de un salar a miles de kilómetros de distancia, pasando por una cadena de camiones, barcos y declaraciones de aduana que borran casi todo rastro de su origen. La arquitectura suele tratar al material como un punto de partida, algo simplemente disponible; sin embargo, es en la extracción donde realmente comienza la construcción.
Tan solo el comercio mundial de arena para la construcción se mueve hoy a una escala que rivaliza con los mercados ilegales de madera, oro y pesca combinados, operado a través de redes lo suficientemente violentas como para costarles la vida a periodistas y activistas. Una sola montaña en la Toscana ha producido más mármol en las últimas décadas que en los dos mil años anteriores, vaciada por una fuerza de trabajo cuya propia historia de rebelión ha sido casi por completo olvidada. Bajo los salares de tres países sudamericanos y el cinturón de cobre de África Central, los minerales que supuestamente alimentarán un futuro más limpio son extraídos de tierras que las comunidades indígenas han habitado por generaciones y que, en algunos casos, niños y niñas extraen a mano. Cada una de estas operaciones se vende como comercio ordinario; sin embargo, cada una constituye también una transacción territorial cuyos términos se fijaron muy lejos del lugar donde se extrajo el material.
El Real Instituto de Arquitectos Británicos (RIBA)ha anunciado los seis proyectos finalistas para el Premio RIBA Stirling 2026, coincidiendo con el 30.º aniversario del galardón. Establecido en 1996, el Premio Stirling reconoce a la obra que se considera que ha aportado en mayor medida a la evolución de la arquitectura en el Reino Unido. La selección de este año abarca una amplia gama de tipologías: una nueva plaza pública sobre uno de los intercambiadores de transporte más transitados de Londres, la reutilización adaptativa de un teatro de la década de 1970 en un espacio cultural, un desarrollo residencial de alta densidad, dos proyectos para colegios universitarios de Cambridge y una casa unifamiliar ubicada en el límite de Epping Forest. El proyecto ganador se anunciará el 15 de octubre en Old Billingsgate, en Londres.
El 13 de julio de 2026, el Ayuntamiento de Tiflis emitió un permiso para desmantelar el Teatro Musical y Sala de Exposiciones con forma de tubo de Rike Park. El complejo, diseñado por la firma italiana Studio Fuksas, nunca se inauguró oficialmente desde su finalización en 2012, aproximadamente al mismo tiempo que la Sala de Servicio Público de Tiflis de la misma firma. El diseño ha sido motivo de controversia entre las autoridades y la ciudadanía desde su encargo en 2011, cuando se construyó durante el gobierno del Movimiento Nacional Unido (UNM, por sus siglas en inglés), y quedó suspendido tras el cambio de gobierno en 2012. Las dos estructuras, a menudo denominadas los "Tubos de Rike", estaban destinadas originalmente a albergar un teatro musical y un espacio de exposiciones, pero hasta el día de hoy permanecen sin ningún uso oficial.
Propuesta para el Museo Nacional del Ecuador (MuNA). Imagen cortesía de Studio Campo Baeza
El anuncio de la propuesta ganadora para el nuevo Museo Nacional de Ecuador (MuNA) desató uno de los debates arquitectónicos más significativos del país en los últimos años. Desde entonces, la respuesta del público ha reformulado el concurso mismo, al tiempo que plantea interrogantes más amplias sobre cómo un museo nacional otorga forma arquitectónica a la interpretación de una nación. Si bien la discusión comenzó con un único diseño, terminó por exponer un desafío que trasciende las fronteras de Ecuador.
A los museos nacionales no se les pide simplemente representar a una nación, sino darle forma arquitectónica. No obstante, la identidad no se puede construir de manera directa: antes de convertirse en arquitectura, debe ser interpretada y traducida mediante decisiones de diseño.
El Bullitt Center, un edificio de oficinas de seis pisos y 50,000 pies cuadrados en Seattle que aspira a ser el edificio comercial más sustentable del mundo, abre hoy sus puertas al público en el Día de la Tierra. Este "laboratorio vivo" de 30 millones de dólares, diseñado por Miller Hull Partnership, se distingue de otros proyectos sustentables por sus inodoros de compostaje, la exclusión de 350 sustancias químicas tóxicas comunes —incluyendo PVC, plomo, mercurio, ftalatos, BPA y formaldehído—, junto con un estricto presupuesto de agua y energía que busca la autosuficiencia bajo el estándar del Living Building Challenge. La Bullitt Foundation, comprometida con el medio ambiente, espera que el nuevo centro demuestre que un espacio de oficinas con huella de carbono neutra puede ser "commercially viable and aesthetically stunning" (comercialmente viable y estéticamente sorprendente), mediante una serie de sistemas fáciles de replicar en otros lugares sin requerir un mantenimiento excesivo.
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Cuando las estructuras construidas quedan en desuso o abandonadas, la reutilización adaptativa puede ser la manera perfecta de dar nueva vida a un edificio antiguo, al tiempo que se conservan los recursos y el valor histórico. Ya sea por motivos ambientales, por la disponibilidad de suelo o por el deseo de conservar un monumento histórico, innumerables oficinas de arquitectura en todo el mundo están recurriendo a la reutilización adaptativa como una solución a los problemas modernos del entorno construido.
Bajo esta premisa, hemos recopilado una lista de 20 proyectos creativos de reutilización adaptativa, cada uno de los cuales aprovecha una estructura antigua para crear una forma revitalizada de manera singular.
A continuación, descubre cómo una antigua capilla, una torre de agua y un matadero del siglo XIX se transformaron y cobraron nueva vida.
Con casi dos décadas de trayectoria, la Exposición anual del Pabellón de la Galería Serpentine se ha convertido en uno de los eventos arquitectónicos más esperados en Londres y para la comunidad global de la arquitectura. Cada uno de los dieciocho pabellones anteriores ha invitado a la reflexión, dejando una huella indeleble y un mensaje contundente en el gremio arquitectónico. Aunque estas estructuras se desmontan tras sus breves temporadas de verano para reubicarse en propiedades privadas lejanas, siguen difundiéndose a través de fotografías y conferencias de arquitectura. Con el lanzamiento del decimoctavo pabellón, repasamos las ediciones anteriores y su trascendencia para el público interesado en la arquitectura.
Bijoy Jain, fundador del estudio indio Studio Mumbai, es reconocido desde hace tiempo por su sensibilidad hacia los materiales vinculados a la tierra y por un enfoque de la arquitectura que tiende un puente entre el modernismo y la construcción vernácula. La reciente inauguración del tercer MPavilion anual en Melbourne, diseñado este año por Jain, ofreció la oportunidad de presentar este enfoque arquitectónico en un escenario global. En esta entrevista, que forma parte de su serie “City of Ideas”, Vladimir Belogolovsky conversa con Bijoy Jain sobre su diseño para el MPavilion y su arquitectura de “gravedad, equilibrio, luz, aire y agua”.
