Al momento de crear espacios de exposición, el diseño de la experiencia, la propuesta de recorrido o la transmisión de ciertas percepciones y sentidos aportan a la creación de diferentes vínculos y conexiones entre los objetos exhibidos y sus visitantes. Entendiendo el carácter de un showroom como aquel espacio pensado para mostrar productos y servicios de forma creativa y experiencial, ¿qué estrategias de diseño podrían mejorar las experiencias interiores de sus usuarios? ¿cómo dialoga el diseño de interiores con la arquitectura de exposición?
"Los límites de nuestro lenguaje de diseño son los límites de nuestro pensamiento de diseño". La declaración de Patrik Schumacher sugiere sutilmente un cambio en el entorno construido, que va más allá de la mera integración tecnológica para adoptar la inteligencia en los espacios y ciudades que habitamos. El futuro plantea la posibilidad de que los edificios cumplan funciones que trasciendan el albergar la actividad humana, participando activamente en la configuración de la vida urbana.
Como un espacio de renacimiento, la ciudad de Muharraq en Baréin ha experimentado una visionaria transformación cultural y urbana, consolidándose como un modelo pionero de regeneración de base cultural en el mundo árabe, particularmente en la región del Golfo. Antigua capital de la industria de la pesca de perlas del país, Muharraq ha preservado, reinterpretado e integrado su legado histórico en su tejido urbano en constante evolución.
Frente al desafío de redefinir su futuro —marcado por una traza urbana intacta pero con estructuras arquitectónicas en deterioro—, Muharraq proyectó una narrativa urbana lineal que entrelaza la memoria de esta industria a través de una secuencia de edificios clave. La ciudad se propuso conectar los distintos inmuebles vinculados a su pasado perlero, como las viviendas de quienes se dedicaban al buceo, la capitanía de barcos y el comercio de perlas.
El agua actúa como un catalizador de experiencias sensoriales: se manifiesta mediante el contacto físico al tacto, por su presencia al ser escuchada o vista reflejada, y a través de sus transformaciones, ya sea por la temperatura —del frío al calor— o por su estado físico —de líquido a vapor—. Es un elemento clave en el diseño para los sentidos, capaz de evocar atmósferas que se perciben tanto física como emocionalmente. Como sugiere Juhani Pallasmaa, la arquitectura no se dirige únicamente a la vista, sino que involucra a todo el cuerpo y a la memoria sensorial. El cuarto de baño, en particular, concentra gran parte de la experiencia física y emocional asociada al agua, lo que abre la posibilidad de crear entornos que intensifiquen esa conexión sensorial. Ante esto, surge una pregunta: ¿qué elementos o conceptos deben dar forma a este espacio para que la experiencia de la ducha escape de lo ordinario?
https://www.archdaily.cl/es/1141554/el-bano-un-nuevo-despertar-conceptos-de-diseno-contemporaneo-para-una-experiencia-sensorialEnrique Tovar
MVRDV y la Universidad Tecnológica de Delft lanzan un comunicado _Le Grand Puzzle_, un estudio urbano de Marsella en el sur de Francia. Imagen Cortesía de HÇläne Bossy, Manifesta
En la arquitectura, la mayoría de las prácticas giran en torno a la entrega de proyectos a los clientes. Las oficinas están moldeadas por plazos, presupuestos y documentos claros. Aunque esta estructura produce edificios, rara vez deja espacio para que los arquitectos/as cuestionen temas más amplios — sobre cómo vivimos, cómo están cambiando las ciudades, o qué exige el futuro del diseño. Pero junto a este sistema enfocado en la producción, ha surgido un movimiento más silencioso: estudios, colectivos y fundaciones que priorizan la investigación, la experimentación y la reflexión. Estos son los think tanks de arquitectura — espacios diseñados no para construir de inmediato, sino para pensar primero.
La idea de un think tank no es nueva. Tradicionalmente encontrados en la política, la economía o la ciencia, los think tanks reúnen a expertos para estudiar problemas complejos y proponer soluciones. En la arquitectura, su auge revela una tensión en el corazón de la disciplina. Si la arquitectura ha de seguir siendo social y ambientalmente relevante, ¿puede seguir confiando solo en prácticas impulsadas por los clientes? ¿O debe abrir espacio para una indagación más lenta y profunda?
El Máster en Arquitectura Avanzada del IAAC celebra su 25.º aniversario como uno de los programas con mayor visión de futuro en la enseñanza de la arquitectura. Fundado en el año 2000 en Barcelona, el programa nació como un espacio de experimentación donde el diseño se encuentra con la tecnología, la ecología y el pensamiento crítico, lejos de las convenciones de la formación arquitectónica tradicional.
A lo largo de los años, el programa ha recibido a más de 1,000 estudiantes de más de 80 países. Esta diversidad internacional no es fortuita; al contrario, refleja la manera en que el IAAC entiende la innovación: como un proceso que se nutre del diálogo, la diversidad y la ambición compartida. El resultado es una red de profesionales que trabajan en la intersección del diseño, la investigación y el cambio sistémico.
En una época en la que la práctica arquitectónica está cada vez más vinculada al clima y al contexto, la frontera entre lo construido y lo natural se ha convertido en un escenario crítico de experimentación. Esta selección de proyectos no construidos del mes reúne ocho propuestas conceptuales que operan en los límites del paisaje. En Ramia, de João Teles Atelier, la arquitectura se inspira directamente en la metáfora de una semilla que brota de la tierra, utilizando madera, concreto y agua para crear un recorrido sensorial por la ecología de Tulum. Por su parte, el Muelle Mobius de X Atelier se despliega suavemente sobre la orilla del río, convirtiéndose a la vez en infraestructura y punto de observación. De manera similar, *Il mare degli Umbri* aborda el umbral desde otra perspectiva, restaurando la línea de costa histórica del lago Trasimeno y reintroduciendo las ecologías de humedales locales. Cada propuesta de esta colección refleja una postura singular: algunas tratan el límite como una experiencia espacial, otras como una línea reguladora y otras tantas como un punto de retorno cultural o ecológico.
En la búsqueda de fomentar el sentido de pertenencia de sus habitantes, valorar sus culturas ancestrales y preservar su identidad, el territorio latinoamericano reconoce una arquitectura con amplios matices y características regionales. El uso de técnicas constructivas y materiales locales o el diálogo entre lo modular y lo vérnaculo, entre otras cuestiones, reconocen la intención de promover la participación de comunidades nativas, estudiantes y sus familias, pueblos originarios y constructores locales durante el proceso de construcción y diseño de una gran variedad de escuelas rurales a lo largo de la extensión de América Latina.
Un pabellón en una Bienal funciona como plataforma de expresión cultural, lo que permite a una nación articular su identidad arquitectónica al tiempo que responde a los desafíos globales. Estas exposiciones nacionales reflejan cómo cada país interpreta el tema central del evento bajo el prisma de sus propios paisajes, historias y aspiraciones futuras, reforzando la capacidad de la arquitectura para actuar no solo como una disciplina construida, sino también como un catalizador para la reflexión, la transformación y el diálogo. En este contexto, la contribución de Montenegro resuena con particular fuerza. Bajo el título Terram Intelligere: INTERSTITIUM, el pabellón se inspira en el concepto de un sistema anatómico de reciente comprensión: una red de espacios llenos de fluido que recorren el cuerpo humano, facilitando la conexión y el intercambio. El intersticio, que alguna vez se consideró denso e inerte, se revela ahora como una red de interrelación dinámica; una metáfora que la curaduría utiliza para replantear la arquitectura como una indagación activa y viva en torno a la inteligencia natural, artificial y colectiva, en sintonía con el tema de esta edición: Natural. Artificial. Colectiva.
VARID, un conjunto de herramientas de RV y RA para el diseño inclusivo. Imagen cortesía de Foster + Partners
Durante la última década, el diseño arquitectónico ha dependido de métodos de representación bidimensionales, tales como alzados, secciones y plantas, combinados con renderizados digitales de modelos 3D. Si bien estas herramientas son esenciales para transmitir la geometría y la intención del proyecto, siguen estando limitadas por su formato bidimensional. Incluso las visualizaciones más realistas, creadas mediante programas como SketchUp, Revit o AutoCAD, aplanan el espacio y distancian a los/las espectadores/as de la experiencia habitada de un proyecto. En el último tiempo, los/las arquitectos/as han comenzado a explorar tecnologías inmersivas como una forma de cerrar esta brecha entre el dibujo y la experiencia, ofreciendo nuevas maneras de habitar y evaluar las propuestas espaciales.
Sistema de puerta corrediza SL500. Imagen cortesía de ASSA ABLOY
A lo largo de la historia, las puertas —y, más tarde, las puertas automáticas— han cumplido un propósito mucho mayor que el de simplemente marcar un acceso de entrada o salida. Definen umbrales, guían el flujo de movimiento y moldean sutilmente la manera en que las personas interactúan dentro de un espacio. Su evolución se remonta al siglo I, cuando Herón de Alejandría ideó una puerta accionada por vapor: un ejemplo temprano de la fusión entre tecnología y arquitectura. Desde entonces, los sistemas de puertas automáticas sin contacto han incorporado avances tecnológicos que optimizan su funcionamiento y redefinen su función en las edificaciones. En la actualidad, se integran en una gran variedad de tipologías y escalas edilicias, actuando como elementos de transición que mejoran el confort, la eficiencia energética y la calidad general de los espacios interiores.
https://www.archdaily.cl/es/1141574/el-futuro-mas-verde-de-los-sistemas-de-puertas-automaticas-un-cambio-en-el-diseno-y-el-rendimientoEnrique Tovar
La arquitectura es, por naturaleza, una práctica basada en el lugar. La cantidad de conocimiento local necesario para diseñar un edificio ha significado que los arquitectos/as, incluso muchos de aquellos con obras ampliamente distribuidas, han tenido concentraciones de proyectos construidos en ciudades individuales. Giovanni "Gio" Ponti, nacido y criado en la ciudad italiana de Milán, es uno de esos arquitectos. Sus proyectos fuera de Milán incluyen el Museo de Arte de Denver en EE.UU. y la Villa Planchart en Caracas, Venezuela, así como edificios universitarios en Padua y Roma, y la Catedral de Taranto. Sin embargo, sus obras en su ciudad natal, como la Torre Pirelli, rastrean mejor el desarrollo de su arquitectura y su contribución al diseño de productos y la publicación.
Buildner ha anunciado los resultados de su concurso Last Nuclear Bomb Memorial No.5. Este certamen se celebra anualmente para apoyar la prohibición universal de las armas nucleares. En 2017, en el marco del 75.º aniversario de los bombardeos de Nagasaki e Hiroshima de 1945 —que cobraron la vida de más de 100,000 personas—, las Naciones Unidas adoptaron el Tratado sobre la Prohibición de las Armas Nucleares.
En consonancia con este tratado, Buildner convoca a presentar propuestas conceptuales para un memorial situado en cualquier sitio conocido de pruebas de armas nucleares que haya sido desmantelado. Este memorial conceptual busca reflexionar sobre la historia y la amenaza latente de las armas nucleares, con el objetivo de promover la concienciación pública sobre el desarme nuclear.
El desafío tiene como propósito visibilizar la historia y los peligros de las armas nucleares. Los/las participantes tienen la tarea de diseñar un espacio que conmemore a las víctimas de la guerra nuclear y transmita la necesidad de un futuro libre de armas nucleares. Al tratarse de un concurso "silencioso", las propuestas entregadas no pueden incluir ningún tipo de texto, títulos ni anotaciones.
La próxima edición de este concurso, Last Nuclear Bomb Memorial No. 6, ya está abierta y cuenta con un plazo de inscripción anticipada hasta el 12 de junio de 2025.
A finales del milenio, el mundo entero vivía bajo la sombra del error del milenio (Y2K), un fallo potencial de los sistemas informáticos que amenazaba con paralizar desde la banca hasta la aviación. A medida que se acercaba la medianoche del 31 de diciembre de 1999, la gente retiraba sus ahorros, las grandes corporaciones emitían advertencias y los gobiernos se apresuraban a evitar la histeria colectiva. Sin embargo, con el amanecer del 1 de enero de 2000, el temido fallo no tuvo un impacto real y la crisis se disipó tan rápido como había surgido. No obstante, esta época dejó su huella en lugares inesperados, especialmente en la arquitectura. En medio de la ansiedad en torno a la tecnología digital, nació una de las salas de conciertos más emblemáticas de nuestro tiempo, la Casa da Música en Oporto. Diseñada por OMA (Office for Metropolitan Architecture), sus orígenes se remontan a un proyecto mucho menor: la Casa Y2K. Lo que comenzó como una exploración de la domesticidad privada durante la psicosis digital evolucionó hasta convertirse en una imponente estructura pública: una transición arquitectónica del hogar a una sala de conciertos.
Sin espacios dedicados a la concentración privada —un elemento crucial para una colaboración eficaz—, incluso la idea más brillante se apaga. En efecto, la oficina debe equilibrar la conectividad con el espacio personal de forma óptima, permitiendo que el personal transite entre tareas sin fricciones. Cabinas como hushFree.XS, hushFree.S.Hybrid y hushFree.S son parte de esto, y juntas forman un trío de cabinas individuales que resuelven la mayor parte de las necesidades de espacios de trabajo individuales en la oficina.
HushFree.XS, hushFree.S.Hybrid y hushFree.S funcionan como un sistema completo que garantiza que los/las colaboradores/as cuenten con las condiciones adecuadas para un trabajo individual productivo a lo largo del día, demostrando ser herramientas invaluables para los/las arquitectos/as al momento de diseñar espacios que respondan plenamente a las diversas necesidades del personal. Este tipo de cabinas se convierten en refugios de primer nivel para llamadas que requieren concentración, espacios sumamente inmersivos para videoconferencias y burbujas de enfoque profundo.
La 19ª edición de la Bienal de Arquitectura de Venecia abrió oficialmente sus puertas al público el pasado 10 de mayo, convirtiéndose en un gran escenario internacional para conocer la actualidad de la arquitectura mundial y abrir conversaciones en torno a los desafíos que enfrenta hoy la disciplina, tanto los compartidos como los específicos de cada territorio. Bajo el lema de este año, "Intelligens. Natural. Artificial. Collective", la propuesta del curador general, el arquitecto italiano Carlo Ratti, invita a reflexionar sobre la interconexión de la arquitectura con otras disciplinas, como el arte, la inteligencia artificial y la tecnología, haciendo hincapié también en los territorios, los paisajes y, sobre todo, en las personas que habitamos y conformamos de manera colectiva nuestro entorno construido.
Una casa ancestral en el pueblo rural de Willendorf in der Wachau custodia un huerto de árboles frutales. Estos árboles han permanecido en pie durante generaciones y, hasta el día de hoy, proveen la fruta que sirve de base para el negocio familiar. Delimitados por un lado por el río Danubio y por el otro por el borde del valle, tanto la casa como el huerto han sido testigos de incontables estaciones juntos. Con cada transición entre la oscuridad y la luz, del invierno al verano, se hace evidente la inevitabilidad del cambio.
En Venecia, ante una abrumadora abundancia de belleza arquitectónica —la majestuosidad de hitos como la Basílica de San Marcos, la Plaza de San Marcos y el Puente de Rialto, por mencionar solo algunos— resulta fácil dejarse llevar por la imaginería icónica y la imponencia espacial de la ciudad. Así, se podrían perder de vista aquellos momentos más sutiles, pero igualmente magistrales, que se encuentran en la ejecución de los detalles en todo su tejido edificado. Más allá de la monumentalidad, la ciudad ofrece una gran riqueza en sus callejones sinuosos, canales estrechos y una vibrante vida urbana; elementos que contribuyen al tapiz cultural que hace que Venecia sea tan singular. Sin embargo, entre estos célebres componentes yacen detalles arquitectónicos sutiles pero extraordinarios que a menudo pasan desapercibidos. Estos merecen una observación y una reflexión más profundas, ya que ofrecen su propio tipo de maestría: una cimentada en la precisión material, el oficio artesanal y los ritmos cotidianos de la ciudad.
A pocos pasos de la emblemática Plaza de San Marcos, se entabla un silencioso diálogo arquitectónico entre dos figuras célebres. A apenas un minuto de distancia a pie, coexisten en estrecha proximidad dos proyectos ejecutados con meticuloso esmero: el Showroom de Olivetti de Carlo Scarpa —un sitio de peregrinación largamente venerado por profesionales de la arquitectura y el diseño— y las recientemente reabiertas Procuratie Vecchie, restauradas por David Chipperfield Architects. Una mirada atenta a los detalles arquitectónicos integrados en cada obra revela un intercambio fascinante a través del tiempo, el cual se despliega mediante el lenguaje de los materiales, la precisión espacial y un compromiso inquebrantable con el oficio.
A medida que la inteligencia artificial (IA) se integra cada vez más en la sociedad, es esencial pausar ocasionalmente para reflexionar sobre los fundamentos que la sustentan y las dimensiones a las que se extiende. En el corazón del aprendizaje de la IA están los conjuntos de datos, cuya estructura y contenido moldean cómo estos sistemas interpretan y responden al mundo que los rodea. Esta dependencia crea una profunda interdependencia, una que no solo informa las capacidades de la IA sino que también define posibles puntos ciegos. A la luz de esto, debemos hacer una pregunta crucial: ¿Qué formas de comprensión podría excluir este proceso, particularmente aquellas que no se capturan fácilmente en forma digital?
Desde nuevos desarrollos a escala urbana hasta propuestas de reutilización adaptativa, esta edición de Architecture Now destaca una selección de proyectos recientemente anunciados en todo el mundo. Foster + Partners lidera el reinicio de Amaravati, una ciudad capital planificada en la India; Safdie Architects propone una nueva torre en el histórico puerto viejo de Portland; y SOM inicia las obras de un pabellón cultural y académico en la Universidad de Temple. Otras novedades incluyen un plan de preservación para un puente histórico en Praga, un desarrollo hotelero costero en Abu Dabi y un proyecto de vivienda a gran escala en Brooklyn diseñado por TenBerke. En su conjunto, estos proyectos reflejan las prioridades en constante evolución en torno a la vivienda, la sostenibilidad, el patrimonio y el espacio público en diversos contextos globales.
En La poética del espacio, el filósofo francés Gaston Bachelard propone interpretar la arquitectura como una experiencia vivida, donde cada ambiente posee una carga emocional y simbólica. Al reflexionar sobre la casa, otorga especial importancia a los umbrales (ventanas, puertas, escaleras, desvanes, sótanos) como zonas de transición y ruptura entre lo íntimo y lo abierto, lo conocido y lo desconocido. Para él, la ventana no es una mera apertura funcional, sino un punto de ensoñación y contemplación: a través de ella, quien habita se proyecta hacia el mundo. Esta perspectiva inspira una aproximación sensible al quehacer arquitectónico, en la cual los límites no se reducen a la separación, sino que articulan la imaginación, la memoria y el deseo.
La propuesta de los arquitectos argentinos Marco Zampieron y Juan Manuel Pachué para el Pabellón Argentino de la 19ª Bienal de Arquitectura de Venecia 2025, es clara desde el inicio: al ingresar a Siestario, el visitante se sumerge en un espacio de luz tenue y sonidos evocadores, encontrándose —en el centro, extendida por la sala y como protagonista indiscutida— con una gran bolsa rosada inflada que invita automáticamente a recostarse sobre ella. Se trata de una silo bolsa, un elemento utilizado en el campo argentino para almacenar granos y símbolo de la economía de exportación nacional. En este contexto, la silo bolsa no es solo un gesto espacial, sino también temporal: una invitación a pausar y reflexionar en medio del recorrido de la Bienal.
Cuando hablamos de inteligencia en la Bienal de Venecia 2025, la exhibición principal la categoriza ampliamente en tres dominios: natural, artificial y colectiva. Si bien se ha prestado mucha atención a las performances robóticas, los experimentos materiales orientados hacia el futuro—como los ladrillos de estiércol de elefante de Boonserm Premthada o la exhibición de picoplancton hipnotizante de Canadá—una forma de inteligencia colectiva, a menudo pasada por alto pero crítica, radica en el acto de archivar.
Varios pabellones nacionales muestran esta inteligencia colectiva a través de exposiciones bellamente curadas: el ingenioso juego de escalas del Pabellón Español, por ejemplo, presenta modelos meticulosamente elaborados que invitan a una lectura atenta y al deleite. Estas colecciones curadas ofrecen una instantánea del presente y, en algunos casos, gestos hacia el futuro. Pero sin involucrarse críticamente con el pasado, sin documentar y dar sentido a nuestro conocimiento espacial y arquitectónico compartido, el potencial de la inteligencia colectiva permanece incompleto. Archivar no es simplemente un acto de preservación; es una herramienta generativa para proyectar nuevos futuros.
Las perspectivas internacionales se representan a través de enfoques en países como Brasil (arriba) o Italia (abajo). Fotos: Cortesía de Bell'Arte (arriba) y Gaspare Asaro SRL (abajo)
ICFF regresa al Javits Center de Nueva York del 18 al 20 de mayo con un renovado sentido de propósito y una perspectiva global. Bajo su lema para 2025, "Designing in Harmony" (Diseñar en armonía), la feria se propone explorar cómo el diseño puede tender puentes ante las divisiones: entre materiales y métodos, culturas y climas, pasado y futuro.
En una época en que el equilibrio parece esquivo, la ICFF busca generarlo mediante una selección curada de mobiliario, iluminación, objetos y diálogos en torno a la regeneración, la resiliencia y la colaboración, planteadas como marcos de trabajo prácticos. Architonic conversó con las directoras de marca de la ICFF, Odile Hainaut y Claire Pijoulat, antes del evento para profundizar en este eje conductor y anticipar qué más cabe esperar.
