Cada doce años, las orillas del Ganges en Prayagraj se convierten en una de las ciudades más grandes de la Tierra y luego desaparecen. El Maha Kumbh Mela atrae a más de 400 millones de personas en peregrinación a lo largo de seis semanas, lo que requiere la construcción de una infraestructura urbana completa: puentes de pontones, hospitales de campaña, kilómetros de carreteras temporales y una cuadrícula de ciudades de tiendas de campaña visible desde el espacio. Al finalizar el festival, se desmantela por completo. Ningún encuentro en la historia de la humanidad genera una arquitectura del movimiento tan completa: construida para la llegada, diseñada para la transitoriedad y pensada para no dejar rastro permanente. El Kumbh Mela es excepcional en escala, pero no en su condición: el movimiento se ha convertido en un problema espacial que define nuestro siglo.

Este mes, ArchDaily explora Arquitecturas del movimiento: territorio, fronteras y las políticas de pertenencia, un tema que examina cómo la movilidad reconfigura la relación de la arquitectura con el territorio, la propiedad y la identidad. El tema no aborda el movimiento como una crisis que deba gestionarse, sino como un lente fundamental a través del cual reconsiderar lo que realmente hacen los edificios, las ciudades y las fronteras: a quiénes acogen, a quiénes excluyen y qué es lo que hacen permanente.

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Barcelona es la primera ciudad en la historia del Congreso Mundial de Arquitectos de la UIA en albergar el evento en dos ocasiones. La edición de 1996, Presente y futuros: arquitectura en las ciudades, llegó en un momento de gran efervescencia, cuando la urbe posolímpica consolidaba un modelo urbano que se convertiría en uno de los más estudiados y cuestionados del urbanismo contemporáneo, y cuando la arquitectura aprendía a pensarse a través de la gran metrópoli como su principal espacio de indagación. Treinta años después, la misma ciudad vuelve a plantear la pregunta bajo una condición muy distinta: una en la que el entorno construido ya no puede entenderse como un objeto autónomo, sino únicamente a través de los sistemas ecológicos, materiales y políticos más amplios que lo sostienen. El tema del Congreso de 2026 —Becoming. Arquitecturas para un planeta en transición— no abandona las preocupaciones urbanas de 1996, sino que las replantea desde una escala planetaria.

El equipo curatorial detrás de esta edición, integrado por Pau Bajet, Maria Giramé, Mariona Benedito, Tomeu Ramis, Pau Sarquella y Carmen Torres, aborda la arquitectura como una herramienta crítica y transformadora arraigada en el territorio, con una labor que abarca la práctica profesional, la investigación y la docencia. Su programa estructura el Congreso en torno a seis líneas temáticas interconectadas (Devenir más que humano, Devenir circular, Devenir encarnado, Devenir interdependiente, Devenir hiperconsciente y Devenir sintonizado) y lo distribuye en tres sedes de carácter muy diverso —Les Tres Xemeneies del Besòs, el Disseny Hub en Glòries y el CCIB—, cada una elegida tanto por su carga simbólica como por su capacidad de aforo.

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Durante mucho tiempo, la tradición filosófica occidental ha situado a la cultura en oposición a la naturaleza. Este pensamiento dual ha moldeado el canon de las ciencias y las humanidades, y la arquitectura no ha sido la excepción. Bajo esa lógica, todo lo que no es humano existe para ser explotado por el ser humano y recibe el nombre de "recurso natural". Esta mentalidad extractivista ha moldeado el desarrollo de muchas partes del mundo en los últimos siglos, dejando huellas profundas —a veces irreparables— en el planeta. Sin embargo, siempre han existido otras formas de habitar. Desde las prácticas religiosas de África occidental basadas en el animismo hasta las ciencias herbolarias de quienes custodian la Jurema Sagrada en Brasil; desde las comunidades indígenas en la India cuyo ritmo de vida refleja los monzones, hasta los inuit del Ártico que pueden ver decenas de tonalidades de blanco: entre los seres humanos y la naturaleza no hay distinción, lo que existe es la vida.

Pensadores y pensadoras contemporáneos llevan este debate a los ámbitos de la filosofía y, más específicamente, de la arquitectura. Donna Haraway, Antônio Bispo dos Santos, Achille Mbembe y Beatriz Colomina son solo algunas de las figuras cuyo trabajo ha ayudado a expandir la estrecha perspectiva occidental, arrojando luz sobre formas alternativas de convivencia —con otros seres humanos y más que humanos— en este planeta.

«La historia de la arquitectura no está equivocada», argumentó Lesley Lokko en su introducción a la Bienal de Arquitectura de Venecia 2023, «sino incompleta». Durante la mayor parte del siglo XX, la historia de la arquitectura habló en una sola lengua: una narrativa única y dominante centrada en un puñado de movimientos, nombres y ciudades, cuyo alcance e influencia parecían universales precisamente porque las voces alternativas quedaban silenciadas. Sin embargo, los movimientos de diseño rara vez cruzaron las fronteras intactos. Con frecuencia fueron absorbidos, resistidos, reinterpretados y transformados en función de la geografía, la política, la economía, el clima y los materiales disponibles. Lo que en un lugar se recibió como doctrina, en otro se convirtió en algo completamente distinto.

Este mes, ArchDaily explora Diseño del siglo XX en transición: una reinterpretación global de la historia de la arquitectura, un tema que rastrea los lenguajes de diseño de este siglo no como un canon único, sino como una constelación de trayectorias en evolución, intersección y continua reinvención. Este enfoque desafía la suposición de que las arquitecturas regionales y no occidentales eran meras derivaciones, posicionándolas en cambio como espacios de reinterpretación activa, donde las ideas globales se filtraron a través de materiales, climas, mano de obra y prácticas culturales locales para producir algo completamente distinto.

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Al lanzar una piedra hoy, Eshu mata un pájaro de ayer. Este proverbio yoruba relata una historia tanto de reparación como de ancestralidad al desafiar con alegría las convenciones del espacio-tiempo y acceder a sujetos del pasado mediante acciones del presente. El dicho ofrece un punto de partida poético hacia tradiciones más amplias de África Occidental y hacia la práctica del artista y arquitecto escocés-nigeriano Dele Adeyemo. Reconocido como uno de los ganadores de los Premios ArchDaily 2025 Next Practices, el trabajo de Adeyemo reúne ecología, espiritualidad, danza y territorio, examinando cómo las prácticas culturales encarnadas pueden generar posibilidades espaciales alternativas dentro y en contra de la arquitectura del capitalismo racial.

Nacido en Nigeria y criado en el Reino Unido, Adeyemo ha visitado Lagos durante muchos años. A través de este vínculo, ha desarrollado un amplio cuerpo de investigación sobre prácticas de movimiento colectivo que anteceden al capitalismo y ofrecen inteligencias espaciales distintas y a menudo imaginativas que operan en paralelo a los sistemas dominantes. ArchDaily conversó con Dele sobre sus prácticas artísticas y pedagógicas, y sobre cómo identifica la sofisticación del diseño allí donde los/as arquitectos/as suelen percibir deficiencias.

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Desde hace mucho tiempo, la arquitectura se ha sentido atraída hacia arriba. En El aire y los sueños, Gaston Bachelard escribe sobre una imaginación moldeada por el movimiento; por el impulso de elevarse, de dejarse llevar, de escapar de la atracción del suelo. El aire, para él, invita a la imaginación a distorsionar, a inventar, a ir más allá de lo dado en lugar de simplemente reproducirlo. En este sentido, la ligereza no es solo una condición física, sino un sentimiento: el deseo de trascender el peso de la tierra y avanzar hacia algo menos tangible. Este impulso puede rastrearse a lo largo de los persistentes intentos de la arquitectura por elevarse, desde los pilotis y las grandes luces hasta los sistemas suspendidos y las membranas tensadas. Construir de manera ligera, por lo tanto, no es solo una ambición técnica, sino también cultural: una forma de alcanzar el cielo.

En la actualidad, esta búsqueda de ligereza adquiere una urgencia renovada. A medida que las preocupaciones ambientales, los riesgos climáticos y los avances tecnológicos reconfiguran el entorno construido, construir de manera ligera ya no es únicamente una ambición estética o estructural; se plantea cada vez más como un imperativo ecológico y ético.

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El arquitecto chileno Smiljan Radić Clarke ha sido anunciado como el galardonado con el Premio Pritzker de Arquitectura 2026, considerado uno de los máximos honores en el campo de la arquitectura. El galardón reconoce a Radić por una obra que explora la arquitectura a través de la experimentación material, la percepción espacial y un diálogo atento con el paisaje y el contexto. Nacido en Santiago, Chile, donde sigue viviendo y trabajando, Radić dirige la oficina Smiljan Radić Clarke, fundada en 1995. Al convertirse en el segundo chileno en recibir este premio, después de Alejandro Aravena en 2016, se une a una distinguida lista de galardonados previos, que incluye a Liu Jiakun en 2025, Riken Yamamoto en 2024, David Chipperfield en 2023 y Diébédo Francis Kéré en 2022.

La arquitectura de Radić opera en un territorio donde la experiencia fenomenológica del espacio precede a la explicación. Sus edificios suelen mostrarse silenciosos, elementales y reacios a una interpretación verbal sencilla, propiciando que quienes los recorren los experimenten a través del movimiento, la atmósfera y la percepción, en lugar de recurrir a la expresión formal. 

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¿Cuánto pesa una casa? En su ensayo de 1965 A Home Is Not a House, Reyner Banham observó que las viviendas estadounidenses modernas se estaban volviendo estructuralmente más ligeras, al tiempo que aumentaban de peso en instalaciones mecánicas como plomería, cableado, calefacción y aire acondicionado. Sostenía que el verdadero peso de la arquitectura ya no radicaba en los muros y techos, sino en los sistemas de alto consumo energético que garantizaban el confort.

Décadas más tarde, la pregunta se actualizó en la 7ª Trienal de Arquitectura de Lisboa. La curaduría de Ann-Sofi Rönnskog y John Palmesino planteó el interrogante: ¿cuánto pesa una ciudad? La escala se trasladó así del interior doméstico al territorio. La tecnosfera, materializada en un estimado de 30 billones de toneladas de materia creada por el ser humano en la Tierra, replantea por completo la discusión. Las ciudades, los centros de datos, los campos petroleros, los centros logísticos, los satélites, los cables y los flujos de desechos conforman un sistema planetario en el que la arquitectura no es un mero objeto ni un telón de fondo, sino un participante activo.

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En una época tan obsesionada con el cuidado de la piel y las apariencias, pocos/as arquitectos/as se interesan realmente por los intestinos de nuestros edificios. Con una práctica arraigada en la conciencia contextual y el pragmatismo técnico, sensible a las necesidades de las personas a las que sirve y a las limitaciones de recursos, la arquitecta marroquí Aziza Chaouni se enfoca en los sistemas ocultos que permiten que la arquitectura exista. Durante las últimas dos décadas, ha trabajado en proyectos en diversas geografías, particularmente en la región del Sáhara, colaborando activamente con sus comunidades y su patrimonio.

Actualmente al frente del Laboratorio Sur-Norte (SoNo) para la Construcción Sostenible y la Conservación en la EPFL de Lausana (Suiza), Chaouni aporta al ámbito académico su experiencia arquitectónica en el desarrollo de proyectos bajo restricciones severas, abogando por una colaboración recíproca entre el Sur Global y el Norte Global. ArchDaily tuvo la oportunidad de conversar con Aziza sobre su experiencia en África y cómo esta puede fomentar formas más sostenibles de diseñar edificios para el futuro de nuestras ciudades.

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"Sabemos que no nacemos para morir", solía decir el arquitecto brasileño Paulo Mendes da Rocha. "Nacemos para continuar". En la arquitectura, esta idea de continuidad yace en el núcleo del patrimonio, no como una herencia estática, sino como algo que perdura, se transforma y se reinterpreta constantemente. No obstante, aquello que continúa y lo que se permite que desaparezca nunca es neutral. Las decisiones sobre la preservación están moldeadas por el poder, la memoria y el valor, lo que plantea una pregunta fundamental para la práctica contemporánea: ¿quién define qué vale la pena preservar y para quién?

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Mucho antes de que la arquitectura tomara la forma de muros, techos o ciudades, esta ya reunía a las personas en torno al fuego. El simple fogón fue uno de los primeros dispositivos espaciales de la humanidad: un lugar para el calor, la comida, las historias y el ritual. A su alrededor, el espacio cobraba forma a través de la proximidad y no del cerramiento; mediante la presencia compartida en lugar de un uso prescrito. El fuego organizaba los cuerpos en círculo, fomentaba alianzas y transformaba la supervivencia en vida colectiva. Hoy en día, esta lógica ancestral persiste: la arquitectura tiene el potencial de reunir a las personas, no dictando cómo deben encontrarse, sino creando las condiciones que hacen posible el encuentro.

Este mes, ArchDaily explora El encuentro y la creación de lugar, un tema que examina la arquitectura como un marco para la inclusión, el cuidado y la pertenencia. Esta temática se alinea con la primera edición de los ArchDaily Student Project Awards, los cuales abordan el cuidado desde una perspectiva colectiva, enfocándose en espacios que fomentan mejores formas de convivencia. Más allá de los espacios de reunión emblemáticos, nuestra cobertura analiza los entornos cotidianos, desde mercados de alimentos y mesas comunitarias hasta plazas de barrio, terceros lugares, ámbitos domésticos y entornos digitales o híbridos de encuentro a distancia. En lugar de tratar el encuentro como un programa rígido, se plantea cómo el diseño espacial puede potenciar la apertura, la diversidad y la vida colectiva sin imponer formas fijas de reunión.

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Fundado por la arquitecta senegalesa Nzinga Mboup y el arquitecto francés Nicolas Rondet, Worofila es un estudio dedicado a la arquitectura bioclimática y ecológica. Con sede en Dakar, Senegal, la firma explora el potencial de los materiales vernáculos, como los bloques de tierra y la tifa (typha), aplicando técnicas modernas para crear soluciones constructivas eficaces. Su trabajo aborda cuestiones clave del medio ambiente, la sostenibilidad y la urbanización, fusionando materiales tradicionales con prácticas innovadoras.

En esta entrevista, Nzinga y Nicolas comparten su visión de una modernidad marcadamente africana que integra métodos contemporáneos con saberes y recursos tradicionales. Abogan por un enfoque de desarrollo que no solo responda a las necesidades inmediatas, sino que también empodere a las comunidades y fomente un progreso significativo a largo plazo. Sus reflexiones ofrecen una perspectiva elocuente sobre cómo la arquitectura puede impulsar un futuro más sostenible y contextualizado para las ciudades africanas. 

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En los últimos años, el discurso arquitectónico se ha visto moldeado por el surgimiento de nuevas voces, territorios redescubiertos y un compromiso creciente con formas compartidas de conocimiento. Estas inquietudes siguen plenamente vigentes en 2025 a través de debates abiertos que continúan ganando complejidad y matices. Las preguntas sobre quién produce la arquitectura, desde qué contextos y bajo qué condiciones siguen siendo fundamentales, alimentadas de forma creciente por prácticas que operan de manera colectiva, interdisciplinaria y más allá de la autoría individual.

Esta continuidad se refleja en el modo en que la arquitectura se entiende cada vez menos como un objeto terminado y más como un proceso continuo integrado en sistemas sociales, culturales y ambientales. Los debates en torno a la agencia, la participación y la producción de conocimiento persisten, a la par de una atención sostenida hacia los contextos rurales, periféricos e históricamente marginados. En lugar de privilegiar una única escala o geografía, la arquitectura se aborda como una práctica que se desplaza entre territorios, reconociendo las condiciones desiguales que determinan cómo se diseñan, construyen, mantienen y habitan los espacios.

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Frank Gehry, una de las figuras más influyentes y reconocidas de la arquitectura de las últimas seis décadas, falleció en su hogar en Santa Mónica a los 96 años. Su jefa de gabinete, Meaghan Lloyd, confirmó que la causa fue una breve enfermedad respiratoria. El fallecimiento de Gehry marca la partida de un creador cuya obra transformó no solo la cultura arquitectónica, sino también el imaginario colectivo global sobre lo que un edificio puede llegar a ser.

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Desde los pabellones de Osaka y Venecia, hasta las mesas redondas de Belém, un año más llega a su fin. Diciembre nos invita a hacer una pausa y repasar los momentos que definieron la arquitectura y las ciudades en 2025. La reflexión no es solo un acto de memoria, sino de prospectiva: una forma de entender dónde hemos estado para imaginar hacia dónde podemos dirigirnos. Desde narrativas culturales en constante cambio hasta avances materiales y tecnológicos, este último año subrayó la importancia de la experimentación y la adaptación en todo el entorno construido.

Este mes, ArchDaily explora el Resumen del Año, un espacio que reúne las historias, ideas y voces más destacadas del año. Esta cobertura revisita los proyectos, entrevistas y ensayos que dieron forma a la conversación, al tiempo que reconoce a los/las arquitectos/as y pensadores/as que dejaron un impacto duradero en la disciplina. Asimismo, proyecta su mirada hacia el futuro al identificar los proyectos y temas más anticipados de 2026, junto con las direcciones emergentes que estos sugieren.

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La Biennale di Venezia anunció que los/as arquitectos/as Wang Shu y Lu Wenyu curarán la 20ª Exposición Internacional de Arquitectura, que se inaugurará en mayo de 2027. La dupla fundadora de Amateur Architecture Studio y referente de la práctica contemporánea es conocida por un enfoque arraigado en la artesanía, la reutilización de materiales y un profundo compromiso con el lugar. Su nombramiento dirige de nuevo la atención hacia el conocimiento vernáculo, las culturas constructivas y las realidades sociales que moldean la arquitectura actual.

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Como solía sostener el recordado urbanista Jaime Lerner, el futuro de la arquitectura no radica en construir nuevas ciudades, sino en actualizar las que ya existen. En un mundo donde los recursos son finitos y el espacio urbano está cada vez más saturado, su afirmación resulta más urgente que nunca. Es un llamado a que quienes ejercen la arquitectura miren hacia adentro, replanteen lo que realmente necesita construirse y reconozcan el potencial creativo de lo que ya existe. Dentro de las limitaciones de las estructuras existentes se esconde una oportunidad para diseñar de manera diferente: reparar, adaptar y reutilizar. O, como diría el poeta francés Louis Aragon, reinventar el pasado para ver la belleza del futuro.

Este mes, ArchDaily explora Construir menos: replantear, reutilizar, renovar, reconvertir, un tema que examina la creciente tendencia en la arquitectura de trabajar con lo preexistente. A medida que los espacios urbanos se densifican y el suelo escasea, quienes ejercen la arquitectura están replanteando el impulso de construir desde cero. En su lugar, prolongan la vida útil de las estructuras existentes, adoptando la renovación y la reutilización adaptativa como estrategias de sostenibilidad y creatividad. La pregunta que guía esta exploración es sencilla pero urgente: ¿cómo puede la arquitectura redefinir los futuros urbanos construyendo menos?

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La octava edición de The Architecture Drawing Prize ha revelado sus 15 propuestas ganadoras, tras una profunda reestructuración de sus criterios de evaluación para reflejar el panorama en constante evolución de la representación arquitectónica. Por primera vez, el certamen evaluó todas las propuestas en conjunto, en lugar de hacerlo por categorías, reconociendo la creciente influencia de las herramientas digitales y asistidas por inteligencia artificial en el proceso creativo.

Creado en 2017 y cocurado por Make Architects, el Museo Sir John Soane y el World Architecture Festival (WAF), el premio celebra el arte y la destreza del dibujo arquitectónico a través de múltiples modalidades de creación. Con el patrocinio de Iris Ceramica Group y el apoyo de ArchDaily como socio de medios, la edición de este año atrajo un número récord de más de 200 propuestas provenientes de todo el mundo. Los dibujos fueron evaluados por su destreza técnica, originalidad y capacidad para transmitir ideas arquitectónicas mediante diversas técnicas, que van desde el dibujo tradicional a mano hasta complejas composiciones híbridas.

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