A menudo se describe al sudeste asiático como una especie de patio de recreo arquitectónico, un escenario donde los ideales modernos y contemporáneos se han puesto a prueba a escala real a través de edificios singulares e icónicos. Es fácil trazar un linaje a través de los nombres que han ayudado a dar forma al imaginario del horizonte urbano de la región: el Lippo Centre de Paul Rudolph en Hong Kong y The Concourse en Singapur; el OCBC Centre de I.M. Pei y la Torre del Banco de China en Hong Kong; la Corte Suprema de Singapur de Norman Foster y el edificio principal del HSBC en Hong Kong; el Ayuntamiento de Hong Kong de Ron Phillips, y Marina Bay Sands de Moshe Safdie. Sin embargo, esta historia familiar —narrada a través de objetos, colonialismo, autorías y formas de autor— corre el riesgo de pasar por alto una capa de influencia más profunda y trascendental: las lógicas de planificación y los marcos de infraestructura que, de manera silenciosa, han estructurado la forma en que estas ciudades se expanden, se densifican y distribuyen la vida cotidiana.
La inteligencia artificial ha permeado casi todos los rincones de los flujos de trabajo profesionales, impulsando a la industria de la arquitectura a replantearse su funcionamiento. Para adaptarse a esta transición, las firmas se enfrentan hoy a los límites de un modelo que ha cambiado muy poco en las últimas décadas.
Lo que ha cambiado de manera notable es la presión sobre la productividad. Hoy en día, se espera que los despachos entreguen más trabajo, con mayor rapidez y precisión, al tiempo que gestionan presupuestos más ajustados, normativas complejas y las crecientes expectativas de la clientela. En la práctica, esto se traduce en plazos de entrega comprimidos y una demanda constante de rigor que deja poco margen de error. Con frecuencia, gran parte de esta presión recae sobre un pequeño grupo de personas que concentran el conocimiento crítico del proyecto.
Antes del giro digital, la memoria de la arquitectura era en gran medida tangible. Residía en el peso de los dibujos, la pátina de las maquetas y el grosor de los libros. Preservar la arquitectura significaba conservar sus huellas: los documentos, bocetos y fotografías a través de los cuales los edificios podían recordarse mucho después de que su forma material hubiera cambiado o desaparecido. El archivo de arquitectura moderna, tal como se desarrolló en el siglo XX, era a la vez un refugio y un dispositivo de legitimación. Instituciones como el Canadian Centre for Architecture, la Casa da Arquitectura o el Deutsches Architekturmuseum se erigieron sobre la convicción de que preservar la arquitectura consistía en preservar sus documentos.
Sin embargo, estos archivos no se limitaban a almacenar conocimiento. Determinaban qué se consideraba arquitectura, quién pertenecía a su canon y de qué manera se contaría la historia. Archivar es editar el pasado: decidir qué ingresa, qué se omite y cómo se interpretará. El archivo, según las teorías de Michel Foucault y, más tarde, de Jacques Derrida, nunca es neutral; es un instrumento de poder, un espacio de selección y exclusión. En la arquitectura, estas dinámicas resultan especialmente evidentes, ya que registran lo visible al tiempo que silencian aquello que queda fuera de sus categorías. El acto de coleccionar siempre ha sido, implícitamente, un acto de juicio.
Lo que la arquitectura deja en el suelo perdura más que lo que eleva en el aire. Un edificio demolido desaparece del horizonte en cuestión de días, pero sus cimientos permanecen incrustados en la tierra durante generaciones. La contaminación causada por un complejo industrial no se disipa cuando este se demuele. Los límites legales inscritos a lo largo del territorio colonial no se disuelven al terminar la administración colonial. El suelo retiene lo que la arquitectura olvida con rapidez.
Esto es lo que hace que el suelo sea un tema tan incómodo. La disciplina tiende a orientarse hacia arriba: hacia la forma, la fachada, la experiencia espacial del habitar. El suelo es donde la arquitectura comienza y, en cierto sentido, donde termina: el punto en el que el edificio se convierte en geología, el título de propiedad en reclamo territorial y la construcción en extracción. Tratar el suelo como un medio en lugar de como un simple dato implica reconocer que el acto de construir conlleva consecuencias que calan más hondo que el objeto visible sobre el nivel del terreno.
Escuela de Diseño y Medio Ambiente de la NUS / Serie Architects + Multiply Architects + Surbana Jurong. Imagen cortesía de Serie Architects + Multiply Architects + Surbana Jurong
Este artículo es parte de nuestra nueva sección de Opinión, un formato para ensayos argumentativos sobre las preguntas cruciales que definen nuestra disciplina.
Antes de que los y las estudiantes de arquitectura se conviertan en autores y autoras del espacio, se ven sometidos a uno. Durante años, trabajan dentro de un edificio que enseña sin anunciarse como docente. Este organiza su cansancio, su ambición, su visibilidad, su soledad, sus amistades, su sentido de la escala y su relación con el juicio. Mucho antes de que un/a estudiante pueda articular una postura sobre la arquitectura, la escuela ya les ha propuesto una a través de su implícito entorno construido.
Con esto no se pretende sugerir que los edificios determinen a los/las arquitectos/as. La influencia es más lenta y menos absoluta. El edificio de una escuela opera más bien como un currículo oculto: una disciplina espacial que actúa junto con el cuerpo docente, los planes de estudio, la cultura institucional y la vida estudiantil. Enseña a través del acceso y la obstrucción, las adyacencias del programa, la exposición a la luz natural y la escala. Produce hábitos de atención antes de generar creencias explícitas.
Mucho antes de convertirse en una cuestión de rendimiento, confort o eficiencia energética, la luz natural es un medio para dotar de presencia a la arquitectura. Revela la textura de un muro, la profundidad de un vano y el paso silencioso del tiempo en el espacio. En obras tan distintas como las de Tadao Ando y Alvar Aalto, la luz diurna se presenta como un material de diseño esencial: en algunos casos, orientando la mirada hacia la contemplación; en otros, haciendo que los espacios se perciban más humanos, acogedores y conectados con la vida cotidiana.
Una de las cualidades definitorias de los interiores contemporáneos es la flexibilidad. Las oficinas, los centros educativos, los hoteles y los espacios culturales necesitan ser adaptables. Requieren espacios que puedan expandirse, dividirse, abrirse y cerrarse según las diferentes actividades, sin sacrificar el confort o la acústica. Por lo tanto, la manera en que se subdivide un espacio ya no es una decisión secundaria, sino un componente central del rendimiento arquitectónico.
En la imagen: Granito Ambiance Negro F128 PA, Azul Profundo U590 PM/TM, Gris Angora U705 PM/TM, Gris Habana U755 PM/TM, Castaño Brighton H1708 ST17. Imagen cortesía de EGGER
Diseñar un interior es, en muchos sentidos, un ejercicio de orquestación. Del mismo modo que un director de orquesta coordina instrumentos, timbres, ritmos e intensidades para componer una pieza coherente, el/la arquitecto/a reúne materiales, color, luz, textura y proporción para definir la calidad espacial y la atmósfera de un entorno. Ninguna de estas decisiones opera de manera aislada: la elección de una superficie influye en cómo se refleja la luz; un material determinado puede definir cómo envejece un espacio con el tiempo; a su vez, el color afecta directamente la percepción de la escala.
Los materiales derivados de la madera, como los tableros de partículas decorativos, los tableros de MDF o los laminados, pueden entenderse, por lo tanto, como algo más que simples acabados. De fabricación industrial, combinan la selección del diseño, la textura de la superficie y el soporte técnico, definiendo tanto su apariencia como la manera en que un espacio responde al uso, la luz y el paso del tiempo. Factores como la estabilidad dimensional, la facilidad de mantenimiento y la resistencia al desgaste se vuelven parte integral de las decisiones de diseño, especialmente en interiores expuestos a un uso intensivo.
Fundada por Oliver Thomas, la ATN Summit es la primera conferencia insignia de Archi-Tech Network, que marca cinco años desde que la plataforma comenzó como una iniciativa comunitaria para compartir conocimientos prácticos sobre arquitectura. El encuentro, que se llevará a cabo los días 18 y 19 de marzo de 2026 en Londres, la ATN Summit reúne a profesionales de la arquitectura, la tecnología y la innovación del sector para explorar cómo las tecnologías emergentes están transformando la práctica profesional. Diseñada como un evento de alta producción impulsado por ideas, la cumbre refleja la evolución de ATN desde una conversación informal en línea hacia una plataforma global comprometida activamente con el futuro del entorno construido.
Al funcionar con solo cinco notas, la escala pentatónica establece un sistema musical estable e intuitivo en el cual la claridad estructural permite la variación sin riesgo de una disonancia excesiva. A partir de esta estructura consolidada, que constituye la base de innumerables estilos musicales —sobre todo de la música popular—, el blues introdujo una inflexión decisiva al incorporar notas adicionales a la escala. Sin entrar en tecnicismos excesivos, se trata de sutiles desviaciones tonales, de pequeñas disonancias asociadas a menudo con un sonido más melancólico, conocidas como blue notes. Ejecutadas de manera fugaz en lugar de como acentos enfáticos, tensionan brevemente el sistema, aportando expresividad y profundidad al mismo tiempo que mantienen intacta la estructura subyacente.
Si en la música la escala de blues opera mediante una sutil desviación que «condimenta» la estructura de base, un principio similar puede identificarse en la arquitectura. Aunque las comparaciones entre diferentes lenguajes artísticos siempre resultan delicadas, es posible reconocer proyectos que encuentran su fuerza expresiva no en la ruptura, sino en inflexiones localizadas introducidas dentro de sistemas claros, ya sea de modulación, sustracción, materialidad o tipología. Los desplazamientos y asimetrías localizados funcionan como tensiones internas que no comprometen la coherencia del conjunto, revelando cómo la expresividad puede surgir de la desviación controlada más que de la excepción permanente.
La arquitectura educativa sigue siendo un campo fértil para la exploración de proyectos no construidos, ofreciendo una perspectiva sobre cómo los entornos de aprendizaje pueden evolucionar a la par de los cambiantes valores sociales, ecológicos y pedagógicos. En esta edición de proyectos no construidos, enviados por la comunidad de ArchDaily, las propuestas seleccionadas reúnen una serie de proyectos que examinan escuelas, bibliotecas, guarderías y centros académicos como marcos espaciales para el cuidado, el conocimiento y el desarrollo colectivo. En lugar de entender la educación como un programa fijo albergado en edificios individuales, estas propuestas conciben los espacios de aprendizaje como entornos adaptables moldeados por el paisaje, el clima y la interacción humana.
A través de diversas geografías —desde las laderas del Mediterráneo y los patios de Europa Central hasta ciudades tropicales y modelos de campus distribuidos—, las propuestas exploran distintas respuestas arquitectónicas para la educación contemporánea. Estas abarcan desde jardines de infantes a escala infantil, organizados en torno a árboles y claustros, hasta bibliotecas concebidas como paisajes cívicos, edificios académicos centrados en la biodiversidad y escuelas imaginadas como sistemas urbanos peatonales.
Los entornos de trabajo contemporáneos prometen colaboración; sin embargo, cada vez les resulta más difícil ofrecer espacios para la privacidad. En una era dominada por las distribuciones de planta libre, los pequeños espacios acústicos como las cabinas telefónicas y los módulos de concentración se han vuelto esenciales para mantener la productividad y la privacidad. No obstante, la paradoja de los "conflictos de reserva" combinados con "espacios subutilizados" ha convertido estas áreas en un desafío operativo. El interrogante, por lo tanto, radica en cómo los espacios de trabajo pueden equilibrar la eficiencia, la productividad y las experiencias individuales de los/las usuarios/as dentro de entornos cada vez más complejos.
A medida que los requisitos técnicos de las envolventes de los edificios han evolucionado, el comportamiento frente al fuego se ha convertido en un criterio clave en el diseño de fachadas ventiladas. Ante este escenario, los análisis ya no se centran únicamente en la reacción individual de los materiales, sino también en la respuesta conjunta de toda la envolvente ante posibles escenarios de propagación exterior del fuego.
Cuéntale al agua lo que la arcilla mantuvo en secreto. Imagen cortesía de Ola Hassanain
Ola Hassanain es una arquitecta y artista sudanesa que trabaja en los Países Bajos y que expondrá en la Bienal Panafricana de Arquitectura en Nairobi, Kenia, a finales de 2026. Estos tres lugares relatan la relación del entorno construido con el agua, ilustrando las continuas batallas entre las fuerzas amorfas de la naturaleza —los ríos y los mares— y los intentos humanos por moldearlas y controlarlas. En la mayoría de los casos, se trata de iniciativas de extracción. Las catástrofes ocurren como resultado de los excesos de estas acciones, de su mala gestión, o de una combinación de ambos factores.
La arquitectura residencial sigue ofreciendo un terreno fértil para la exploración de proyectos no construidos, revelando cómo los/las arquitectos/as responden al sitio, al clima y a las preexistencias a escala doméstica. En esta edición de No Construido, enviada por la comunidad de ArchDaily, los proyectos seleccionados reúnen una serie de propuestas que reconsideran la vivienda no como un objeto aislado, sino como un sistema espacial moldeado por su entorno. Estas obras posicionan a la arquitectura como un marco de negociación entre el suelo, la materia y el habitar, emergiendo a menudo de forma directa de las condiciones del sitio.
A través de geografías diversas, desde Kerala y Cartagena hasta Amán, Tromsø y Zwolle, los proyectos demuestran respuestas variadas a la arquitectura doméstica. Entre ellos se encuentran viviendas urbanas compactas organizadas mediante una estratificación vertical, casas con patio parcialmente enterradas en el terreno, residencias adaptadas a pendientes pronunciadas y transformaciones tipológicas condicionadas por normativas urbanísticas. Algunos proyectos exploran secuencias espaciales lineales arraigadas en proporciones tradicionales, mientras que otros organizan la vida doméstica en torno a atrios o vacíos excavados que regulan la luz, la ventilación y la privacidad. En su conjunto, estas propuestas analizan cómo la casa puede estructurarse a través de la sección, el material y el comportamiento ambiental en lugar de priorizar la expresión formal.
En 2012, Cities Without Ground: A Hong Kong Guidebook ofreció una de las documentaciones más claras de una condición que muchos/as habitantes experimentan de manera intuitiva pero rara vez nombran: la dependencia de Hong Kong de un urbanismo elevado en un segundo nivel. Mediante dibujos y una cartografía minuciosa, el libro capturó cómo las redes peatonales de la ciudad se elevan sistemáticamente por encima de la calle—separando a los peatones del tráfico, extendiendo el frente comercial más allá del nivel del suelo y lidiando con una topografía montañosa donde la circulación "plana" suele ser una hazaña de la ingeniería. Desde su publicación, estos sistemas no han hecho más que ganar protagonismo—not solo por su enorme complejidad espacial, sino por la forma en que redefinen el espacio público como algo continuo pero selectivo, conectivo pero curado.
No obstante, esta fascinación siempre ha traído consigo una inquietud paralela. Los pasajes elevados pueden ser generosos y eficaces, ofreciendo un tránsito resguardado y una conectividad confiable. Sin embargo, también plantean interrogantes persistentes: ¿hacia dónde conducen estas rutas?, ¿quiénes logran conectarse? y ¿qué tipo de programas son convocados—o excluidos—por este nivel de circulación "privilegiado"? La ciudad del segundo nivel no solo esquiva los vehículos; también puede dejar de lado a la calle como escenario cívico. Con el tiempo, corre el riesgo de desviar la atención arquitectónica de la vida pública a nivel del suelo, eximiendo a los/las diseñadores/as de tener que negociar la escala peatonal, las fachadas y la compleja reciprocidad de la calle. En sus peores momentos, el resultado es un paisaje de conjuntos de podios y megaestructuras selladas—edificios que simulan conectividad en el Nivel 2 mientras permanecen indiferentes al barrio en el Nivel 0.
Buildner ha anunciado los resultados de su concurso Concrete Pavilion. Como parte de la serie Material Studies de Buildner, la convocatoria invitó a arquitectos/as y diseñadores/as a explorar el potencial arquitectónico del concreto a través del diseño de un pabellón experimental. Se desafió a los y las participantes a reconsiderar este material más allá de su uso convencional, investigando sus posibilidades espaciales, estructurales y sensoriales.
En un equilibrio entre estética, rendimiento y versatilidad, HIMACS se consolida como la opción de superficie sólida de preferencia para profesionales de la arquitectura y el diseño. Dando un paso más allá, toda la gama de fregaderos y lavabos estándar de HIMACS cuenta ahora con la certificación oficial de SCS, con un mínimo del 8% de contenido reciclado preconsumo. Esta certificación potencia el atractivo técnico y visual del material al ofrecer una opción más sostenible sin comprometer la calidad ni la funcionalidad.
Desde encimeras de baño con lavabos integrados hasta islas de cocina con fregaderos instalados al ras, las formas de HIMACS ofrecen un equilibrio perfecto entre estilo y funcionalidad. Cada componente se integra sin esfuerzo con la superficie de HIMACS circundante, creando un acabado continuo y sin juntas que resulta tan elegante como fácil de mantener.
Cortesía de [applied] Foreign Affairs, Instituto de Arquitectura, Universidad de Artes Aplicadas de Viena
Mucho antes de que la arquitectura tomara la forma de muros, techos o ciudades, esta ya reunía a las personas en torno al fuego. El simple fogón fue uno de los primeros dispositivos espaciales de la humanidad: un lugar para el calor, la comida, las historias y el ritual. A su alrededor, el espacio cobraba forma a través de la proximidad y no del cerramiento; mediante la presencia compartida en lugar de un uso prescrito. El fuego organizaba los cuerpos en círculo, fomentaba alianzas y transformaba la supervivencia en vida colectiva. Hoy en día, esta lógica ancestral persiste: la arquitectura tiene el potencial de reunir a las personas, no dictando cómo deben encontrarse, sino creando las condiciones que hacen posible el encuentro.
Este mes, ArchDaily explora El encuentro y la creación de lugar, un tema que examina la arquitectura como un marco para la inclusión, el cuidado y la pertenencia. Esta temática se alinea con la primera edición de los ArchDaily Student Project Awards, los cuales abordan el cuidado desde una perspectiva colectiva, enfocándose en espacios que fomentan mejores formas de convivencia. Más allá de los espacios de reunión emblemáticos, nuestra cobertura analiza los entornos cotidianos, desde mercados de alimentos y mesas comunitarias hasta plazas de barrio, terceros lugares, ámbitos domésticos y entornos digitales o híbridos de encuentro a distancia. En lugar de tratar el encuentro como un programa rígido, se plantea cómo el diseño espacial puede potenciar la apertura, la diversidad y la vida colectiva sin imponer formas fijas de reunión.
Hoy en día, el aprendizaje y el intercambio interdisciplinarios son más cruciales que nunca para abordar desafíos ambientales, sociales y urbanos cada vez más complejos.
Cada verano, el College of Environmental Design (CED) de la Universidad de California, Berkeley, se convierte en un laboratorio intensivo para la exploración arquitectónica, paisajística y urbana. A través de dos programas complementarios —Design + Innovation for Sustainable Cities (DISC) y los Summer Institutes—, Berkeley ofrece un plan de estudios inmersivo fundamentado en el rigor disciplinario, el intercambio intencionado y una cultura institucional compartida. En conjunto, estos programas reflejan la consolidada estructura multidisciplinaria del CED, donde la arquitectura, la arquitectura del paisaje, la planificación urbana y el diseño urbano prosperan y colaboran bajo un mismo techo.
Este artículo es parte de nuestra nueva sección de Opinión, un formato de ensayos argumentativos sobre las preguntas cruciales que definen nuestro campo profesional.
Las instituciones culturales representan un campo activo de exploración arquitectónica no construida, lo que refleja cómo los/las arquitectos/as continúan cuestionando el papel de los edificios públicos en la configuración de la vida urbana. En esta edición de Arquitectura no construida, enviada por la comunidad de ArchDaily, las propuestas seleccionadas reúnen una serie de proyectos que abordan museos, centros de exposiciones y edificios diplomáticos como espacios de encuentro público. En lugar de tratar estos programas como tipologías fijas, estas propuestas los plantean como entornos espaciales en evolución a través de los cuales las ciudades se relacionan con la historia, el conocimiento y la representación.
A lo largo de geografías diversas, desde Wenzhou y Helsinki hasta Belgrado, Debrecen, la Ciudad de México y Núremberg, las propuestas exploran distintas respuestas a la arquitectura cultural contemporánea. Estas van desde la reutilización adaptativa de estructuras industriales e ideológicas hasta nuevos edificios integrados en frentes marítimos, parques y barrios residenciales. Mientras algunas enfatizan la continuidad con los contextos históricos, otras experimentan con estructuras más ligeras, estrategias ambientales o nuevas relaciones entre los programas interiores y el espacio público. En conjunto, ofrecen una instantánea de cómo se están reimaginando las instituciones culturales en diversas condiciones urbanas.
La arquitectura siempre ha dependido de sistemas de representación para hacer visibles las ideas antes de que existan. Sin embargo, mientras que la perspectiva lineal del siglo XV de Filippo Brunelleschi organizaba el espacio de acuerdo con la percepción humana, hoy en día los/las arquitectos/as se enfrentan a una saturación de imágenes sin precedentes. La IA genera atmósferas en segundos y los proyectos circulan continuamente mucho antes de que comience la construcción. No obstante, esta abundancia de imágenes no produce necesariamente una mayor claridad; a medida que los flujos de trabajo arquitectónicos se vuelven más rápidos y fragmentados, el material visual a veces circula desvinculado de las decisiones, limitaciones e intenciones que lo generaron. El valor real de la visualización moderna ya no radica únicamente en renderizar una imagen final, sino en cómo se comprenden colectivamente el diseño y la comunicación visual a lo largo de todo el proceso.
En el competitivo panorama del diseño actual, el Modelado de Información de Construcción (BIM, por sus siglas en inglés) ya no es solo una tendencia: se ha convertido en un requisito básico. Sin embargo, muchos despachos aún tienen dificultades para equilibrar la complejidad y el esfuerzo invertidos con el valor real que reciben a cambio. Pero ¿y si fuera posible aprovechar los beneficios del BIM sin añadir una carga de trabajo innecesaria? Explorar un enfoque *lean* (eficiente) del BIM —centrado en la eficiencia, la claridad y los resultados reales del proyecto— puede ayudar a los equipos de arquitectura a optimizar sus flujos de trabajo de diseño, fortalecer la colaboración y mantener el control creativo desde el concepto hasta la entrega.
