Sylphy por Boss Design x Okamura. Imagen cortesía de Boss Design
A pesar de toda la experimentación espacial del espacio de trabajo contemporáneo, una condición ha permanecido prácticamente inalterada: la gente sigue sentada. Diversos estudios sugieren que quienes trabajan en oficinas pasan hasta un 89% de su jornada laboral sentados —cerca de 36 horas a la semana— a pesar de décadas de concientización sobre la ergonomía. A medida que los entornos laborales se vuelven más flexibles, sociales y orientados al diseño, esta contradicción resulta cada vez más difícil de ignorar.
La oficina ya no se organiza en torno a un único modo de operación, ni bajo una lógica espacial fija. El trabajo se ha vuelto multifuncional, alternando entre la colaboración y la concentración, el intercambio colectivo y el enfoque individual. En respuesta a esto, la arquitectura y el diseño de interiores se alejan de las distribuciones uniformes y repetitivas para dar paso a entornos que reflejan la variabilidad del comportamiento humano.
Renaissance of the Real por Annabelle Schneider y Snøhetta, Semana del Diseño de Milán 2026. Imagen cortesía de USM
A través de plataformas culturales, sitios patrimoniales y desarrollos institucionales, las noticias de esta semana reflejan cómo se redefine el entorno construido mediante procesos de transformación, reinterpretación y participación pública. Desde reactivaciones arqueológicas y estrategias de reutilización adaptativa hasta expansiones de museos y encuentros internacionales a gran escala, la arquitectura opera a través de múltiples temporalidades, equilibrando la preservación con el uso contemporáneo, y la continuidad espacial con programas culturales en constante evolución. En este contexto, la selección de instalaciones y exhibiciones de ArchDaily de la Semana del Diseño de Milán 2026 destaca cómo las semanas del diseño funcionan cada vez más como marcos curatoriales para la experimentación, mientras que los eventos globales y los proyectos institucionales siguen expandiendo los formatos mediante los cuales la arquitectura se produce, se comparte y se debate.
Saint-Denis es una comuna en los suburbios del norte de París, Francia, conocida por la Basílica gótica de Saint-Denis y el Stade de France. En una esquina de la Place Jean-Jaurès, en su centro histórico y junto a la Basílica, se encuentra el complejo habitacional Îlot 8, un hito brutalista diseñado por la arquitecta Renée Gailhoustet. Construido entre 1975 and 1986 para ofrecer vivienda obrera en el centro de la ciudad y contrarrestar la tendencia de relegar la vivienda social a las periferias, el proyecto se encuentra actualmente en el centro de un polémico plan de reurbanización. La propuesta, que a menudo se describe como "residencialización" y reestructuración, contempla la demolición de partes significativas de su diseño original. Esta reconversión forma parte del Nouveau Programme National de Renouvellement Urbain (NPNRU) de Francia y se justifica por preocupaciones sobre deficiencias estructurales, seguridad y mantenimiento.
El trabajo de Daryan Knoblauch se sitúa en la intersección entre la arquitectura y la producción cultural en vivo, con un enfoque en cómo el espacio se hace legible a través de la tensión y la atmósfera. En lugar de tratar la obra temporal como una categoría menor de la arquitectura, Knoblauch aborda las instalaciones, los escenarios y las arquitecturas de eventos como verdaderos problemas de la disciplina en toda su dimensión, donde el cerramiento, la estabilidad, la luz y el movimiento deben resolverse con la misma seriedad que en cualquier edificio, a menudo bajo restricciones más estrictas y plazos más ajustados.
A lo largo de sus proyectos, un hilo conductor constante es la tensión productiva entre la precisión del alto modernismo y una intencionada y cruda claridad de ensamblaje. Las membranas y los sistemas ligeros no se despliegan como efectos superficiales, sino como instrumentos estructurales y espaciales: sintonizados con el viento, la carga y la ocupación, y calibrados para producir una sublimidad que se siente tanto como se ve. En este contexto, la cualidad efímera no es simplemente una duración, sino una condición de diseño: la temporalidad hace que las fuerzas —el clima, el desgaste, la acción— sean más visibles, y exige una ética del hacer que es a la vez rigurosa y adaptable.
Científicamente, el vidrio se define como un sólido amorfo, lo que significa que sus átomos no están dispuestos en una estructura cristalina regular. De ahí que este material se describa a menudo como un "líquido congelado en el tiempo". Esta configuración estructural explica una de sus cualidades más distintivas: la transparencia. Al carecer de una red cristalina capaz de dispersar la luz, la radiación atraviesa el material con muy poca interferencia. A pesar de su aparente fragilidad, esta misma estructura permite que el vidrio alcance un desempeño mecánico notable. Mediante procesos industriales como el templado, el laminado y la aplicación de revestimientos especializados, el material puede lograr altos niveles de resistencia, seguridad y eficiencia ambiental.
Torre Qapital Ecuador. Imagen cortesía de Kengo Kuma and Associates (KKAA)
Kengo Kuma & Associates ha presentado los planes para Qapital, una torre de uso mixto de 32 pisos que se construirá en Quito, Ecuador, en colaboración con la desarrolladora local Uribe Schwarzkopf. Con una entrega programada para 2029, el proyecto marca la primera obra del arquitecto japonésKengo Kuma en el país, expandiendo el portafolio internacional de la oficina hacia el contexto sudamericano. Ubicada frente al Parque La Carolina, en el distrito financiero de Quito, la torre de 125.8 metros de altura introduce un programa organizado verticalmente que reúne espacios residenciales, comerciales y amenidades compartidas.
Un edificio diseñado por Minoru Yamasaki en el centro de Minneapolis se convertirá en un hotel, marcando una nueva etapa en la vida de la antigua sede de la Northwestern National Life Insurance Company, una de las obras menos conocidas pero formalmente distintivas de su autoría. Desocupado desde 2023, el edificio ubicado en el 20 de Washington Avenue South es actualmente objeto de una propuesta de reutilización adaptativa que busca incorporar funciones hoteleras y de cara al público. Los planes iniciales se presentaron en abril de 2026, delineando una transformación de la estructura que conserva sus rasgos arquitectónicos más característicos. Se espera que el proyecto avance tras las aprobaciones correspondientes, con una apertura proyectada para 2028.
La oficina de arquitectura MVRDV, con sede en Róterdam, ha anunciado un nuevo hito en el desarrollo de sus Torres Tour & Taxis, un proyecto de uso mixto en Bruselas, Bélgica. El diseño fue encargado por el inversor y desarrollador inmobiliario Nextensa en 2021, bajo el marco de un plan maestro de uso de suelo específico para el sitio, diseñado también por MVRDV. El proyecto de dos torres combina oficinas, viviendas y servicios públicos distribuidos en 58,000 m², conformando un hito en el barrio y alcanzando los 126 metros de altura en su punto más alto. Tras recibir recientemente el permiso de construcción, el proyecto ha sido diseñado para reducir el carbono incorporado mediante el uso de una estructura híbrida y elementos de fachada ligeros, buscando minimizar el uso de concreto tanto en la estructura como en los cimientos. Desde las primeras etapas, la firma ha utilizado su software CarbonSpace para orientar estas decisiones.
Existe un gesto ancestral en dar forma a la tierra. Mucho antes de que la arquitectura se constituyera como disciplina, el barro ya era moldeado por las manos y transformado por el fuego, convirtiendo la materia en bruto en utensilio doméstico y objeto cultural. En la historia de este oficio, las fábricas de cerámicamarcan la transición del saber manual a la producción en serie, ampliando su escala sin romper por completo con su origen material. Dispersas por diferentes territorios, estas estructuras registran la relación entre técnica, paisaje y tiempo. Con el paso de las décadas, sin embargo, muchas de ellas terminaron por perder su función original, siendo reemplazadas por procesos más tecnológicos o fagocitadas por el desarrollo urbano a su alrededor, pasando a ocupar un estado intermedio entre la permanencia y la obsolescencia.
En Seis propuestas para el próximo milenio, Italo Calvino explora la levedad desde una perspectiva literaria y sostiene: "A la levedad se opone el peso. Quitar peso produce levedad; es un valor, no un defecto". Inspirándose en la mitología griega, reflexiona sobre una de las hazañas de Perseo tras decapitar a la terrible gorgona Medusa sin quedar petrificado. Con la ayuda de los dioses Hades, Hermes y Atenea, Perseo vuela con sus sandalias aladas y utiliza un escudo de bronce como espejo para reflejar la imagen de la gorgona. Apoyándose, al igual que muchos/as arquitectos/as, en lo más leve —el viento y las nubes—, también fija la mirada en aquello que se revela a través de la visión indirecta: una imagen reflejada en un espejo.
Históricamente, la transparencia se ha naturalizado como una condición inherente a la arquitectura moderna. Con la transición del pesado muro de carga a la ligera envolvente vidriada, el vidrio se incorporó a la disciplina, desdibujando los límites entre el interior y el exterior. Vinculada a la arquitectura inflable, la transparencia se asocia a la levedad y la impermanencia, dejando huellas temporales en los paisajes que habita. Al utilizar textiles o plásticos como materiales principales y el aire como sistema estructural, la búsqueda de levedad en el entorno construido reconoce ahora más de una sola atmósfera de aplicación.
A los equipos de diseño no les faltan herramientas; les falta continuidad. Los datos de los proyectos permanecen fragmentados en distintos archivos y las decisiones suelen perder su contexto a medida que el trabajo avanza de la planificación al diseño y la construcción. Como consecuencia, los equipos dedican un tiempo valioso a volver a conectar la información en lugar de hacer avanzar los proyectos.
Esto evidencia la necesidad de flujos de trabajo que preserven la intención del diseño y trasladen el conocimiento a lo largo de cada etapa del proceso. Bajo este enfoque, la idea de una "inteligencia de diseño y creación" puede entenderse como una transición hacia la continuidad, donde los datos, las decisiones y el aprendizaje obtenidos en la planificación, el diseño, la construcción y la operación permanezcan integrados en el proyecto en lugar de detenerse en la entrega del mismo. En este escenario, la inteligencia artificial y la automatización operan con mayor relevancia, apoyándose en la información acumulada en vez de en datos aislados.
La arquitectura suele evaluarse a través de lo que se construye. Sin embargo, en muchos casos, lo que realmente importa ocurre después: cómo se usan, adaptan e integran los espacios en la vida cotidiana. Para Región Austral, oficina ganadora de los 2025 Next Practices Awards de ArchDaily, es precisamente ahí donde comienza el diseño. Con una trayectoria que abarca diversos contextos, la oficina aborda el espacio público no como un objeto aislado, sino como algo que debe activarse, negociarse y sostenerse en el tiempo. Sus proyectos se centran menos en definir la forma y más en generar las condiciones para el uso, entendiendo el diseño como un punto de partida.
Este enfoque se manifiesta en distintos contextos, desde la Plaza del Barrio Olímpico hasta la red del Playón de Chacarita. Si bien cada proyecto responde a una situación específica, ambos exploran cómo el espacio público puede sostener la vida colectiva en áreas marcadas por la fragmentación y la desigualdad. En lugar de seguir una metodología predefinida, el trabajo se adapta a las diferentes condiciones urbanas, recurriendo a la participación y a estrategias incrementales para moldear el funcionamiento de los espacios a lo largo del tiempo.
El patio suele recordarse como una figura del pasado, un espacio introspectivo de nostalgia, cultura y ritual doméstico. Sin embargo, este enfoque pasa por alto su función primordial. Antes de ser un elemento simbólico, el patio era operativo: organizaba el aire, moderaba la luz y absorbía el calor. No decoraba la arquitectura; la hacía habitable. En la vivienda contemporánea, estas funciones suelen delegarse en sistemas mecánicos que se aplican una vez definida la forma. En las casas con patio, estas cuestiones se resuelven espacialmente, mucho antes de levantar el primer muro.
Lo que a primera vista parece una tipología recurrente en distintas regiones es, en realidad, un conjunto de respuestas sumamente específicas al clima. El patio en Egipto no se comporta como el patio en Marruecos, ni como el de la India. Cada uno está calibrado para resolver un problema ambiental distinto utilizando el mismo dispositivo espacial. Interpretarlos como una tipología única equivale a restarles inteligencia; compararlos permite entender cómo el clima puede integrarse de manera directa en la forma arquitectónica.
¡Ooooh, eso es EpiQ! por Ricardo Orts Ulises, Semana del Diseño de Milán 2026. Imagen cortesía de Skoda
Al reunir una semana de exposiciones, instalaciones e intercambio industrial, la Semana del Diseño de Milán 2026 y la 64ª edición del Salone del Mobile.Milano concluyeron el 26 de abril, tras seis días de programación en el recinto ferial y por toda la ciudad. Celebrados del 20 al 26 de abril, los eventos de este año reafirmaron el papel central de Milán en el calendario global del diseño. El propio Salone atrajo a más de 316,000 visitantes de 167 países. Con 1,900 marcas representadas y una fuerte presencia internacional, la semana funcionó una vez más tanto como plataforma cultural como motor económico, navegando en un contexto marcado por la incertidumbre del mercado y manteniendo al mismo tiempo su capacidad para convocar a diseñadores/as, instituciones y líderes de la industria a escala global.
El Panteón de Roma es conocido mundialmente como un importante ícono turístico y arquitectónico, un testimonio construido tanto de la cultura griega como de la técnica romana, y un símbolo del Imperio Romano. El monumento fue intervenido recientemente por el estudio de arquitectura italiano STARTT (Studio of Architecture and Territorial Transformations). El proyecto, titulado Pantheon – Micro Architectures for Archaeology, fue promovido por el Ministerio de Cultura de Italia como parte de un programa de intervenciones iniciado en 2019 para abrir el acceso público a las áreas arqueológicas del Panteón. El proyecto de STARTT representa la primera fase de este programa y se centra en la apertura de un nuevo acceso desde el Pozzo del Diavolo, un área ubicada detrás de la Rotonda del monumento, lo que permite a los/las visitantes acceder a partes del tejido arqueológico del edificio que antes estaban reservadas para funciones técnicas.
La 25ª edición del Festival de Música y Artes de Coachella Valley regresa al Empire Polo Club en Indio, California, del 10 al 12 y del 17 al 19 de abril de 2026, reuniendo a más de 130 espectáculos junto con un ambicioso programa de instalaciones artísticas a gran escala. Presentada por Public Art Company (PAC) y curada por su fundador Raffi Lehrer, en colaboración con el director de arte de Goldenvoice, Paul Clemente, la selección de este año explora la monumentalidad a través de la luminiscencia, la transparencia y la ligereza de las formas. Situadas en el oasis desértico de Coachella, las instalaciones invitan a los y las visitantes a interactuar física y sensorialmente, respondiendo a la luz diurna cambiante y a la atmósfera en evolución desde el amanecer hasta el anochecer.
A finales de 2024, se llevó a cabo un evento en los jardines del recientemente restaurado Palais de Lomé, de la época colonial, en la capital de Togo. Estudiantes de la universidad de arquitectura de Lomé asistieron a los primeros Encuentros de Arquitectura de Lomé (RAL #1), curados por el equipo transdisciplinar de Studio NEiDA, que incluyeron conferencias, proyecciones de películas, talleres y visitas a obras. Una exposición paralela mostró la arquitectura más significativa del país a lo largo de su historia. El propósito del evento era explorar el patrimonio arquitectónico de Togo, marcando el inicio de un viaje transfronterizo que plantea interrogantes sobre la conservación del patrimonio moderno. A diferencia de los edificios coloniales como el propio Palais de Lomé, que gozan de mayor valoración y se restauran con facilidad, las obras modernas abandonadas, como el Hôtel de la Paix, requieren enfoques creativos y comunitarios para recuperar su antigua vitalidad.
Los ruidos fuertes, el zumbido continuo de los equipos, los cambios abruptos de luz o los reflejos intensos suelen pasar desapercibidos para la mayoría. Para las personas neurodivergentes, sin embargo, estos estímulos pueden provocar un malestar significativo o incluso reacciones físicas y cognitivas intensas. El término "neurodivergente" se refiere a personas cuyo funcionamiento neurológico difiere de lo que se considera típico, lo que abarca condiciones como el autismo, el TDAH y la dislexia, ya que su cerebro procesa la información de manera distinta, particularmente en relación con el estímulo sensorial, la atención y la regulación emocional.
Sin embargo, la luz no es únicamente visual: también es neurológica. La forma en que ingresa a un espacio, se desplaza por las superficies y cambia a lo largo del tiempo puede afectar profundamente el confort cognitivo. Los contrastes extremos, el deslumbramiento, la penetración de haces de luz directos y las variaciones rápidas de brillo exigen una adaptación constante de los sistemas visuales; para las personas con mayor sensibilidad sensorial, este esfuerzo puede traducirse en fatiga, distracción o malestar.
El Bass Museum of Art ha designado a la oficina de arquitectura con sede en Los Ángeles, Johnston Marklee, para liderar la ampliación de su campus en Collins Park, Miami Beach, impulsando una visión a largo plazo que integra arquitectura, paisaje y arte contemporáneo. Fundado en 1964 tras la donación de la colección de John y Johanna Bass, el museo se encuentra en un edificio Art Deco de la década de 1930, diseñado originalmente por Russell Pancoast como la Biblioteca Pública y Centro de Arte de Miami Beach. Con el tiempo, la institución ha evolucionado a través de diversas intervenciones arquitectónicas, entre las que destaca el plan maestro del campus presentado por Arata Isozaki, el cual establece un diálogo entre el tejido histórico y las adiciones contemporáneas.
La Universidad de Toronto ha presentado el diseño del Edificio Temerty, una nueva instalación para la investigación y educación en salud en el corazón del campus universitario. El proyecto fue diseñado por MVRDV y Diamond Schmitt Architects en colaboración con Two Row Architect. El desarrollo da continuidad a una colaboración previa entre las dos primeras oficinas en el campus Scarborough de la Universidad de Toronto, cuya finalización está prevista para finales de 2026. Presentada por primera vez en el Plan Estratégico Académico 2018-2023 de Temerty Medicine, la propuesta contempla una extensión de 36,000 metros cuadrados para el Edificio de Ciencias Médicas de la universidad, incorporando laboratorios de educación superior, aulas y espacios compartidos. Se prevé que las obras en el sitio comiencen en el segundo semestre de 2026, iniciando con los trabajos preparatorios en julio.
La arquitectura comienza como un encuentro con la gravedad. Es el ancestral acto de colocar peso sobre la tierra, de persuadir a la materia para que se sostenga, permanezca de pie y ofrezca cobijo. Sin embargo, bajo esta condición de pesadez fundamental subyace una posibilidad más silenciosa: la densidad misma puede generar una sensación de ligereza, una condición perceptiva en la que el cuerpo, plenamente convencido del peso de la materia, comienza a experimentar el espacio como una suspensión.
Gran parte de la arquitectura contemporánea ha buscado la ligereza por medio de la reducción: estructuras más delgadas, superficies más tersas y transiciones cada vez más fluidas entre el interior y el exterior. En este enfoque, la ligereza se equipara con la desaparición, como si la gravedad pudiera superarse al retirar la presencia material. No obstante, existe otra dimensión en la que la ligereza no resulta de la ausencia, sino de la intensificación. Esta surge cuando la presencia material se vuelve tan precisa, tan plenamente afirmada, que empieza a alterar la percepción misma: cuando la masa sigue siendo pesada, pero deja de comportarse como algo meramente inerte.
Este artículo es parte de nuestra nueva sección de Opinión, un formato de ensayos argumentativos sobre las preguntas cruciales que definen nuestro campo profesional.
Casa Barcelona - Strom Architects - Corrediza - Fotografía de Helena Lee
Durante gran parte de la historia, el peso ha estado estrechamente asociado a la idea misma de la arquitectura. Vitruvio, cuya noción de firmitas vinculaba la construcción con la estabilidad y la permanencia, entendía la solidez como una de sus cualidades fundamentales, y construir significaba, en gran medida, resistir los efectos del tiempo, la gravedad y las fuerzas de la naturaleza. En la arquitectura romana y griega, la monumentalidad dependía de los sistemas constructivos y materiales disponibles, tales como la piedra y la mampostería maciza, cuya expresión estaba definida por la masa, el espesor y la repetición estructural. Columnas, muros y podios, más allá de soportar los edificios, afirmaban su presencia en el territorio, comunicando orden, durabilidad y poder. La arquitectura se encontraba con el suelo a través del peso.
Ubicado en Tomioka, prefectura de Fukushima, Sea of Time – TOHOKU es tanto una obra de arte de Tatsuo Miyajima como un proyecto arquitectónico encargado por el artista. Diseñado por el/la arquitecto/a japonés/aTsuyoshi Tane de Atelier Tsuyoshi Tane Architects (ATTA), el proyecto plantea un museo permanente para albergar la obra de Miyajima. Actualmente en desarrollo de 2024 a 2027, se prevé su inauguración para la primavera de 2028. Situada sobre un acantilado con vistas al océano Pacífico, la propuesta reúne arquitectura e instalación en un emplazamiento marcado por la memoria del terremoto y tsunami de Tōhoku de 2011, incorporando tanto el paisaje como su contexto histórico como componentes integrales del diseño.
