Bijoy Jain, fundador del estudio indio Studio Mumbai, es reconocido desde hace tiempo por su sensibilidad hacia los materiales vinculados a la tierra y por un enfoque de la arquitectura que tiende un puente entre el modernismo y la construcción vernácula. La reciente inauguración del tercer MPavilion anual en Melbourne, diseñado este año por Jain, ofreció la oportunidad de presentar este enfoque arquitectónico en un escenario global. En esta entrevista, que forma parte de su serie “City of Ideas”, Vladimir Belogolovsky conversa con Bijoy Jain sobre su diseño para el MPavilion y su arquitectura de “gravedad, equilibrio, luz, aire y agua”.
Manuel N. Zornoza creció en Alicante, España y, tras realizar estudios en Madrid (UAX) y Londres (la AA), se trasladó a China en 2010 para escapar de la crisis económica que asfixiaba el trabajo de arquitectura en su país de origen. Durante los últimos ocho años, el pequeño pero próspero estudio del joven arquitecto ha construido más de una docena de proyectos en China, que van desde tiendas y conversiones de espacios industriales hasta un tradicional hutong chino. Sin embargo, esto no significa que Zornoza haya dejado atrás sus raíces: actualmente también mantiene una pequeña práctica en Madrid que gestiona proyectos tanto en China como en España.
Esta entrevista se realizó a bordo de un tren de alta velocidad en el trayecto de Beijing a Tianjin, a donde nos aventuramos en busca de la arquitectura reciente que ha atraído tanta atención mediática hacia esta emergente metrópoli.
En los últimos años, algo ha sucedido con la disposición de los/las arquitectos/as a buscar la originalidad. Actualmente, las visiones más audaces suelen provenir de la vieja guardia de la arquitectura y, francamente, disfruto mucho más conversar con este grupo. La insistencia actual en encontrar un "terreno común" ha empujado a muchos/as arquitectos/as jóvenes a una mentalidad de imitación casi zombi. Sin embargo, para mí, un terreno común significa no pensar igual; solo así hay espacio para el debate.
Mi conversación más reciente con Helmut Jahn en su oficina de Chicago es un claro ejemplo de ello. “La arquitectura se trata de seguir el instinto. Prefiero que la forma siga a la fuerza antes que a la función”, me comentó. Su destacada trayectoria ha estado llena de giros y cambios de rumbo, y no tiene intenciones de dejar de explorar nuevas ideas en el corto plazo. Su Thompson Center de 1985, con una planta en forma de cuadrante, reinventó una tipología gubernamental ordinaria para convertirla en un imponente espacio público, cuya fachada curva de vidrio coloreado dio una bienvenida decisiva al período posmodernista en Chicago (un movimiento que creíamos superado, pero que hoy parece continuar vigente, abarcando todas las corrientes posmodernas como simples matices y variaciones de sí mismo). La arquitectura de Jahn sacudió y modernizó diversas ciudades del mundo y, con el tiempo y la experiencia, lo que comenzó como una rebelión contra el modus operandi mieseano del “menos es más” maduró hacia una producción de torres, aeropuertos, centros de convenciones, sedes corporativas y, fundamentalmente, espacios públicos, caracterizada por ser matizada, mesurada y, sin duda, audaz. Como el propio Jahn afirma: "...todo lo que no necesitas es un beneficio. No solo hay que tener menos cosas, sino que con las que te quedan debes hacer más".
Sergey Skuratov, fundador de Sergey Skuratov Architects, una galardonada oficina rusa (Arquitecto del Año 2008), es reconocido por su portafolio elegante y bien compuesto. Proyectos como Copper House, Art House y House on Mosfilmovskaya Street demuestran su sensibilidad hacia la materialidad y su capacidad para mantener la integridad de su visión desde el concepto hasta la realidad. Durante las últimas dos décadas, Skuratov ha logrado consolidar todo un estrato de arquitectura de clase mundial en Moscú, mucho más que cualquier otro/a profesional de la arquitectura local. Sus proyectos, principalmente complejos residenciales y de oficinas, se han mantenido atractivos y versátiles sin caer jamás en el conservadurismo.
Sharp Centre for Design en la Escuela de Arte y Diseño de Ontario, 2004. Imagen cortesía de aLL Design
Durante mis encuentros con Will Alsop —dos en su estudio de Londres en 2008 y 2010, y durante nuestro viaje de cuatro días a Moscú, donde organicé su conferencia para la revista SPEECH en el invierno de 2011—, me causó la impresión de poseer el alma más genuina, artística y libre de todos los arquitectos y arquitectas que he conocido. Calatrava, Hadid y Gehry pueden dar la impresión de ser grandes artistas, pero, por muy inventivos que sean, su labor principal se centra en dar forma a los edificios. En cambio, Alsop se desenvolvía de una manera completamente libre y sin restricciones, como un verdadero artista. Parece que sus caprichosas obras —"manchas y pinceladas", como él las llamaba— fueron concebidas como puras fantasías para ser transformadas en arquitectura mucho más tarde por su equipo de trabajo. Con el tiempo, tendría que "vendérselas" a sus clientes como edificios funcionales.
Las creaciones de Alsop aportan magia al mundo real; conectan realidades y sueños de las formas más fantásticas. Sin embargo, nunca pensé que sus edificios me gustarían. Consideraba que sus renders y fotografías eran caricaturescos, hasta que los visité en persona en Londres y Shanghái, entre otros lugares. Fue entonces cuando mis prejuicios se disiparon. Estas estructuras hacen que la gente se sienta feliz y curiosa; desarman a la crítica más severa y enriquecen nuestras experiencias. La siguiente conversación con Alsop, quien falleció el 12 de mayo a los 70 años, es una versión condensada de la entrevista basada en dos de nuestros encuentros de varias horas.
El arquitecto de Pekín Yung Ho Chang, junto con su esposa Lijia Lu, fundó su estudio en 1993 bajo el nombre de Feichang Jianzhu, atelier FCJZ. Literalmente significa “arquitectura fuera de lo común”, un nombre simbólico para la práctica que se convirtió en la primera oficina de arquitectura independiente de China, sentando las bases de la práctica contemporánea en el país. A Chang se le suele llamar el padre de la arquitectura contemporánea china. Creció en el seno de una destacada familia de arquitectos. El padre de Chang, Zhang Kaiji [el nombre chino de Yung Ho Chang es Zhang Yonghe], era clasicista; fue uno de los arquitectos principales del Instituto de Diseño Arquitectónico de Pekín y el arquitecto a cargo del diseño de lo que hoy es el Museo Nacional de China en la Plaza de Tiananmen. Chang estudió arquitectura en Nanjing, luego obtuvo su licenciatura en la Universidad Estatal de Ball en Muncie, Indiana, y su maestría en Arquitectura en la Universidad de California en Berkeley. Ha enseñado tanto en China como en Estados Unidos, incluyendo la GSD de Harvard, y dirigió el departamento de arquitectura del MIT de 2005 a 2010. En 2012, el mismo año en que se integró al jurado del Premio Pritzker, su compatriota Wang Shu se convirtió en el primer arquitecto chino en recibir el galardón. A continuación, presentamos un extracto de mi conversación con Yung Ho Chang en su oficina de Pekín.
A lo largo de la obra de la oficina pequinesa ARCHSTUDIO, se percibe una constante sensibilidad hacia la cultura y la historia. Esto no quiere decir que los diseños de la firma no sean modernos —de hecho, distan mucho de no serlo—, sino que el trabajo de su fundador, Han Wenqiang, impregna materiales y formas modernas de una sensibilidad claramente china, que resulta tan evidente en sus diseños para una planta de envasado de alimentos como en un santuario budista (ambos diseños, por cierto, ganadores de los premios ArchDaily al Edificio del Año en 2017 y 2018, respectivamente). En esta nueva entrega de su serie "City of Ideas", Vladimir Belogolovsky conversa con Han sobre si la arquitectura es una forma de arte y qué significa crear una arquitectura "china" en el siglo XXI.
Los contenedores de carga, en su momento los favoritos del supra-reciclaje arquitectónico, han recibido críticas severas recientemente, a medida que en el ámbito de la arquitectura se comienza a reconocer que sus supuestas ventajas —un espacio habitable y una estructura prefabricados, junto con la oportunidad de reciclar un material de gran disponibilidad— se basan en poco más que una optimista estrategia de relaciones públicas. Sin embargo, para una de las firmas más prominentes que utiliza regularmente contenedores de carga en su trabajo, LOT-EK, el atractivo de estos elementos de diseño listos para usar (ready-mades) siempre fue más allá de las justificaciones ecológicas y prácticas planteadas por otros. En esta entrevista en el estudio de la firma en Nueva York, que forma parte de la serie «City of Ideas» de Vladimir Belogolovsky, la dupla fundadora de LOT-EK, Ada Tolla y Giuseppe Lignano, dialoga sobre los fundamentos conceptuales de su fascinación por la arquitectura con contenedores de carga.
Tras graduarse del Tecnológico de Monterrey, una de las principales instituciones técnicas de México, Francisco González Pulido trabajó en proyectos de diseño y construcción durante seis años antes de partir hacia los Estados Unidos, donde obtuvo su maestría en la GSD de Harvard en 1999. Ese mismo año, el arquitecto comenzó a trabajar con Helmut Jahn en Chicago, donde permaneció durante 18 años, pasando de pasante a convertirse en presidente de la empresa en 2012, momento en el que renombró la firma como Jahn. Para entonces, ya había desarrollado su propia obra allí. El año pasado, González Pulido fundó FGP Atelier en su ciudad adoptiva.
Hoy en día, el estudio cuenta con una docena de arquitectos y arquitectas y supervisa el diseño de un par de rascacielos en China, un estadio de béisbol en la Ciudad de México y edificios universitarios en Monterrey, entre otros proyectos. La siguiente entrevista se llevó a cabo en FGP Atelier en Chicago, donde el arquitecto fue enfático al transmitir su visión: “La arquitectura es demasiado rígida, demasiado formal. Es hora de liberarse… Quiero construir más ligero. Quiero construir de manera más inteligente”.
Cuando el edificio original del New Museum, diseñado por SANAA —un apilamiento de cajas opacas desplazadas y envueltas en una piel de malla metálica—, abrió sus puertas en 2007, ya parecía destinado a alguna forma de expansión para aliviar la presión vertical generada por su circulación restringida y su limitada huella. En marzo, el museo presentó su tan esperada ampliación, diseñada por Shohei Shigematsu y Rem Koolhaas, de OMA. El edificio complementario, de líneas angulosas y con un ligero retranqueo, duplica la capacidad de exposición del museo y, al mismo tiempo, reconfigura la relación de la institución con la ciudad y con la estructura original de SANAA, proyectada por Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa.
Durante la apertura para la prensa, Koolhaas describió el proyecto "no simplemente como una extensión, sino como un complemento o contraparte". Más tarde, Shigematsu profundizó en la idea: "Pensamos en diseñar un par compuesto por dos edificios distintos y, sin embargo, estrechamente conectados. Uno es más vertical e introvertido; el otro, más horizontal y extrovertido".
"Steven Holl – Drawing as Thought", una extensa exposición de las acuarelas originales del arquitecto estadounidense, se presenta actualmente en el Museo de Dibujo Arquitectónico de la Fundación Tchoban en Berlín. La muestra revela los planteamientos detrás de algunos de los proyectos clave de Holl y su metodología de diseño. Los dibujos seleccionados abarcan desde tempranas propuestas ganadoras de concursos que no llegaron a construirse hasta algunas de sus visiones más recientes, actualmente en obra en Europa y Estados Unidos. Ocupando los dos niveles del museo, la muestra se inauguró el 6 de febrero con una conversación entre Holl y el fundador del museo y también arquitecto Sergei Tchoban, así como con las intervenciones de Kristin Feireiss, curadora de la exposición y directora fundadora del vecino Aedes Architecture Forum, y Diana Carta, arquitecta e investigadora de Roma. La muestra, que puede visitarse hasta el 4 de mayo, está acompañada por un catálogo que señala: "La obra del internacionalmente reconocido arquitecto estadounidense Steven Holl se distingue no solo por sus extraordinarios edificios —enfocados en estructuras culturales y públicas como museos, centros de arte, salas de conciertos, bibliotecas y universidades en todo el mundo—, sino también por su producción artística, que hoy cuenta con más de 50,000 bocetos, dibujos en blanco y negro y acuarelas. […] Si bien quienes visiten la exposición solo encontrarán una pequeña parte de este vasto corpus de trabajo, cada dibujo debe ser explorado y estudiado de manera individual, de acuerdo con la intención de Holl".
Me encanta armar listas de declaraciones originales, a modo de manifiesto, de arquitectos/as que buscan perpetuamente abrir nuevos caminos. Nos provocan a imaginar posibilidades que no nos habíamos atrevido a considerar antes. Cuestionar las convenciones debería ser el objetivo primordial de la crítica para entablar una conversación con un/a creador/a. De lo contrario, ¿qué queda realmente por discutir? Por eso, conversar con Elizabeth Diller sobre el trabajo y las intenciones de su estudio es como un soplo de aire fresco, especialmente hoy en día, cuando tantos/as arquitectos/as se conforman con alinearse en la búsqueda de lo esperado. En una de nuestras conversaciones anteriores, Diller lo expresó sin rodeos: «No nos tomamos en serio los límites profesionales. Cada vez que nos entregan un programa, lo desarmamos y nos planteamos constantemente nuevas preguntas. Nada está predeterminado». En esta ocasión, conversamos sobre la nueva monografía de Diller Scofidio + Renfro, «Architecture, Not Architecture». El libro, un proyecto en sí mismo, se propone replantear los límites mismos de la disciplina. En el proceso, reinventa lo que puede ser un libro. Durante nuestra charla de una hora y media por Zoom —formato que prefiero por su grabación dual frontal—, me dijo con entusiasmo: «Siempre estábamos criticando; siempre estábamos lanzando granadas a las cosas».
En mi entrevista de 2008 con Kengo Kuma en Manhattan —el arquitecto establecido en Tokio se encontraba en la ciudad para ofrecer una conferencia en Cooper Union y supervisar la remodelación de una casa en la vecina Connecticut—, resumió la intención de su trabajo con estas palabras: "La imagen más cercana al tipo de arquitectura que intento lograr es un arcoíris". El arquitecto diseña sus edificios como un/a chef prepararía una ensalada o un/a florista diseñaría un ramo de flores: mediante una meticulosa selección de ingredientes según su tamaño, forma y textura. Luego, pone a prueba si deben tocarse, superponerse o mantener cierta distancia para permitir el paso del flujo de aire. Este proceso se asemeja más a un experimento científico de prueba y error que a un ejercicio artístico de proyección de formas e imágenes visionarias. Aun así, no cabe duda de que sus edificios poseen una expresividad artística sorprendente y una belleza sobrecogedora. Son, a la vez, precisos y libres, primitivos y refinados, tangibles y efímeros. La fascinación del arquitecto por la materialidad es asombrosa y, a pesar de haber construido decenas de obras en todo el mundo a lo largo de su distinguida carrera, en nuestra conversación del mes pasado por Zoom, Kuma me confesó: "Me encuentro al inicio de un largo proceso de exploración material".
En 1993, una joven pareja de profesionales con dos hijos pequeños y un gran terreno suburbano en Naarden, una localidad a menos de media hora en auto al sureste de Ámsterdam, se acercó a Ben van Berkel para encargarle el diseño de una casa inusual. La imaginaban progresista e innovadora en todos los sentidos posibles. Más que eso, buscaban un tipo de edificación que "fuera reconocida como un referente en cuanto a la renovación del lenguaje arquitectónico". Antes de decidirse por el/la arquitecto/a, conversaron con varios candidatos, entre ellos Rem Koolhaas. Eligieron a van Berkel —quien cinco años antes, junto a su entonces esposa Caroline Bos, había cofundado su estudio homónimo— porque, según me relató: "Fui al sitio, lo estudié detenidamente y ya tenía ideas sobre lo que llamé los cuatro cuadrantes del paisaje. Sabía qué tipo de casa sería. Podía ver con claridad dónde iría cada habitación, qué forma tendrían y cómo se relacionarían entre sí". La pareja no pudo resistirse. Sin embargo, no hubo prisa con el proyecto, el cual tardó cinco años en completarse; la mayor parte del tiempo se invirtió en su diseño, pasando por múltiples iteraciones y refinamientos, todos basados en la banda de Möbius.
Durante los últimos ocho años, he entrevistado en varias ocasiones al arquitecto y educador pequinés Zhu Pei. Me intriga su búsqueda constante por combinar los principios tradicionales de planificación y construcción con una sensibilidad formal y espacial innovadora. Sus proyectos más recientes, que incluyen el Campamento de Conferencias Internacionales Zijing (2022) y el Museo del Horno Imperial de Jingdezhen (2020), han sido ampliamente publicados y representan sus obras de mayor madurez. Sin embargo, está convencido de que su mejor edificio se encuentra en proceso de creación. "¡Esto va a ser increíble! ¡Estoy muy emocionado!", me comentó el arquitecto en alusión al Museo y Observatorio de las Ruinas de Majiayao, actualmente en construcción en la provincia de Gansu, al noroeste de China. "Detesto las soluciones de vigas y columnas. Para los edificios públicos, busco espacios sin columnas", continuó. Nuestra conversación se llevó a cabo a principios de este año mediante una videollamada que incluyó decenas de ilustraciones de sus proyectos.
Si hay un libro que todo estudiante de arquitectura debe tener en su estante, debe ser una historia de la arquitectura. No hay una alternativa más completa y a la vez compacta que Arquitectura Moderna: Una Historia Crítica de Kenneth Frampton, publicado originalmente en 1980 por Thames & Hudson. Su última edición, mucho más ampliada, de 734 páginas y 813 ilustraciones, salió en 2020. En 2023, discutí el libro en profundidad con el autor en una entrevista en video, ahora disponible en YouTube.
En cuanto a un estudio compacto pero fundamental de la evolución del Movimiento Moderno, Arquitectura Moderna: Una Historia Crítica es indiscutiblemente la crónica más autoritaria, completa y profunda. La adición más valiosa en el libro es la introducción de nuevos capítulos enfocados en regiones como Canadá, México, Colombia, Australia, China, India y Sri Lanka, entre otros. Estos capítulos arrojan luz sobre muchas prácticas que antes habían sido pasadas por alto y que operaron fuera de los centros tradicionales de poder, a saber, Europa Occidental, Estados Unidos y Japón.
El equipo de arquitectura neoyorquino conformado por Marion Weiss y Michael Manfredi fundó su estudio, Weiss/Manfredi, en 1989 tras ganar un par de concursos importantes: el del Monumento Conmemorativo a las Mujeres en el Servicio Militar en el Cementerio Nacional de Arlington y el del Centro Comunitario y de Olympia Fields cerca de Chicago, ambos construidos en la década de 1990. Entre sus obras construidas más representativas se encuentran el Centro de Visitantes del Jardín Botánico de Brooklyn, el parque costero de Hunter's Point South y el Diana Center en el Barnard College, todos ellos en la ciudad de Nueva York. Asimismo, el Parque de Esculturas Olímpico del Museo de Arte de Seattle, obra de la firma que obtuvo el primer lugar en un concurso internacional y fue construido en 2007, ha sido aclamado por la crítica como uno de los mejores parques de esculturas del mundo y un referente del urbanismo del paisaje.
Oct Art Center, fotografía de Xia Zhi. Imagen cortesía de Zhu Pei Studio
“¡Esto va a ser increíble! Estoy muy entusiasmado”, dice Zhu Pei sobre su Museo y Observatorio de las Ruinas de Majiayao, actualmente en construcción en Lintao, provincia de Gansu. El arquitecto, establecido en Pekín, diseñó su edificio como un espacio cavernoso profundamente incrustado que evoca un fragmento gigante de cerámica antigua, semejante a un sitio arqueológico del Neolítico descubierto en este lugar hace un siglo. El edificio es tan inusual que no puede describirse en los términos arquitectónicos habituales. Por ejemplo, una vasta cáscara hiperbólica de concreto colado en sitio descansa sobre el terreno, bloqueando el viento frío del noroeste en invierno. El arquitecto utilizó la arena y la grava del río local Tao para producir un concreto rugoso especial con marcas horizontales en la superficie, que simbolizan las huellas de miles de años de erosión. Todas las obras de Zhu son notables. Sin embargo, a pesar de su novedad, están arraigadas en la cultura, la naturaleza y el clima. Están diseñadas a partir de su filosofía arquitectónica, la Arquitectura de la Naturaleza, articulada en cinco puntos fundamentales: integridad incompleta, arquitectura esponja, cueva y nido, postura de asentamiento, y estructura y forma.
