对于建筑外表面材料而言，首要考量无疑是耐久性。由于需要直面雨水、强风、日光、温度波动等诸多气候条件的侵蚀，我们对其性能有着极高的要求。然而，在墙体的另一侧，室内表面的设计往往更注重饰面效果——通过涂料、瓷砖或木饰面板等材料，呈现出富有质感的色彩、图案与纹理。
传统上，室外与室内这两个世界泾渭分明，人们普遍认为，截然相反的需求需要由截然不同的表面来满足。然而，随着外部环境与内部空间的边界逐渐融合，演变为一种统一且宜居的空间类型，越来越多不论大小、无论商业还是私人的项目，开始从外部世界汲取表面设计的灵感，将外立面的材料、主题乃至历史记忆引入室内。以下是来自 Architonic 项目库的四个近期项目，它们恰好体现了这一设计趋势。
如果你对复杂的障板系统感到一头雾水，不必担心。因为这正是它的设计初衷。各类障板（Baffles）的共同目的——也是其英文名字的由来——就是“制造干扰”。在其他行业中，挡板常用于引导水流、控制气流与热交换，或减缓交通流速。
而在严谨的声学领域中，障板则通过延伸至喧闹的空间中来干扰声波，以此捕捉、吸收并软化声音。无论是在自然嘈杂的公共区域、需要保持安静的特定空间，还是为了选择性地过滤声波、阻止其形成回音，障板都发挥着重要作用。然而，这并不意味着这些排列整齐的条形障板会牺牲室内美感。相反，它们往往能为原本单调的天花板注入急需的视觉活力。
“我们如何确保新公园不会引发‘绿色绅士化’，进而导致服务欠缺的弱势社区面临被排斥和被迫迁离的困境？我们又该如何确保，自己不会将新公园本应服务的社区排挤出去？”在 Olmsted 200 纪念活动上，奥姆斯特德网络（Olmsted Network，前身为美国国家奥姆斯特德公园协会）首席执行官 Dede Petri 提出了这样的质问。
新公园本应面向所有人开放，但在许多城市地区，开发商驱动的公园项目主要吸引的却是更富裕的美国群体。尽管城市因这些新公园周边开发项目的增多而受益，获得了更高的税收，但这也不免让人产生质疑：这些公共空间在实际效果上，是否反而导致了原有社区居民的流离失所？
从史前洞穴中的篝火，到智慧城市中的公共照明，照明技术始终伴随着科技的进步而不断演进。然而，近年来，由于人们愈发关注照明对环境和人体健康的影响，其设计与功能正经历着更为深刻的变革。
从史前洞穴的火光，到智慧城市的公共照明，照明始终随着科技的进步而不断演进。然而近年来，伴随着人们对其环境与健康影响的深入认知，照明在设计与功能层面正经历着更为深刻的变革。
建筑从未局限于建造行为本身。它始终在物质实践与思想反思之间不断协商。然而，在二十世纪与二十一世纪，许多建筑师逐渐意识到，仅凭建成项目并不足以回应这一学科所面对的复杂问题。经济压力、政治语境与功能需求常常限制了建筑实践的范围。
相比之下，展览和策展平台为实验与批判创造了空间，使建筑能够反观自身：重释过去，质疑当下，并投射未来。正是在这种张力中，“建筑师—策展人”的身份逐渐出现。他们将策展本身视为一种设计实践——设计的对象不再是墙体或立面，而是话语、叙事与意义框架。
在每年5月16日庆祝的联合国教科文组织“国际光日”（International Day of Light）之际，日光奖（The Daylight Award）公布了2026年度获奖人选。该奖项旨在支持对日光的科学理解及其对健康、福祉、生态系统和建筑设计之重要性的研究，设有两大奖项类别：“建筑日光奖”（Daylight in Architecture）和“日光研究奖”（Daylight Research）。今年，来自犬吠工作室（Atelier Bow-Wow）的日本建筑师贝岛桃代（Momoyo Kaijima）和塚本由晴（Yoshiharu Tsukamoto）因展示了日光如何塑造共享空间和日常生活而荣获建筑奖；同时，来自美国和加拿大的海洋生物学家 Brittany N. Zepernick、Steven W. Wilhelm 和 R. Michael McKay 凭借其对水生微生物及其对地球健康和生物多样性影响的研究而荣获研究奖。
通过使用通常厚达数厘米、重达数吨的厚重钢板，理查德·塞拉（Richard Serra）的雕塑传达出一种近乎不可思议的轻盈感。这种效果并非源于质量的减少，而是源于质量的组织方式：巨大的弧面倾斜，狭窄的通道挤压着身体，看似不稳定的元素创造出一种持续的失衡感。塞拉将重量转化为一种动态的空间体验。
在建筑领域，至少自现代主义时期以来，“轻盈”一直占据着核心地位。尽管早期的建筑传统（如古希腊和古罗马建筑）与“稳固”紧密相连，大型教堂则诉诸“纪念性”，但20世纪在材料的处理方式上引入了决定性的转变，尤其是通过结构与围护结构的分离。
有些城市的发展循序渐进，有些城市则在爆发式的加速中实现重构。阿塞拜疆首都巴库，似乎就介于这两者之间。其历史核心区——内城（Icherisheher），至今仍保留着一种抵御扩张的空间逻辑：紧凑、封闭，以邻近性与重复性为特征。然而，一旦越过城墙，整座城市便开始发生转变。空间尺度不断放大，建筑间距随之拉宽，建筑之间的关系也从原有的连续性转变为对视觉显现力的追求。
在过去的二十年里，巴库一直致力于刻意塑造自身的城市形象。石油财富为其提供了物质基础，而建筑则成为其最核心的工具。由扎哈·哈迪德建筑事务所设计的黑达尔·阿利耶夫文化中心（Heydar Aliyev Center）以及火焰塔（Flame Towers）便是这一转型的象征，其极具张力的形式不仅在城市实体中矗立，更在媒体传播中广为流传。它们是精准、受控且高度成熟的建筑实体。但同时，它们也引入了一种不同的城市逻辑——这种逻辑更强调建筑的独特性而非连续性，并将建筑定位为某种城市形象的表意媒介。
2026年4月19日星期日，洛杉矶郡立艺术博物馆（LACMA）全新的大卫·格芬展厅（David Geffen Galleries）正式向公众开放。该建筑由建筑师彼得·卒姆托（Peter Zumthor）设计，为博物馆的常设馆藏提供了一个抬升的展览空间。所有艺术品均在单层的开放式空间中展出，以无等级划分的布局展示不同的文化、传统和时代，涵盖了约15.5万件、跨越6000年艺术史的藏品。空间布局灵活，既能适应多样化的策展项目，也能满足观众个性化的观展路线。该项目标志着该机构在长达二十年的转型道路上迈出了新的一步，致力于成为一家享誉全球、且作为美国西部规模最庞大、门类最齐全的艺术博物馆。
2023年，在利雅得举办的“THE LINE”展览闭幕之际，ArchDaily 总编辑与沙特新未来城（NEOM）“THE LINE”设计执行总监 Tarek Qaddumi 进行了一场深度对话。Qaddumi 描绘了一个以“五分钟步行生活圈”为核心概念的分层、立体的三维城市：垂直叠加的步行社区通过高速铁路相连，彻底摆脱了汽车和传统街道基础设施的束缚，旨在与周围的自然景观和谐共生。这是一个令人向往的愿景，结合当时背景来看，它既具备合理性，又极具吸引力。对于正在苦苦思索如何解决20世纪城市建设弊端的建筑师和城市思想家而言，其阐述的理念无疑非常值得探讨与规划。
1988年6月23日至8月30日间，纽约现代艺术博物馆（MoMA）举办了名为“解构主义建筑”（Deconstructivist Architecture）的展览，作为其旨在“探讨当下建筑发展趋势”项目的一部分。该展览由菲利普·约翰逊（Philip Johnson）和马克·维格利（Mark Wigley）联合策展，重点展示了七位国际建筑师的当代作品：蓝天组（Coop Himmelblau）、彼得·艾森曼（Peter Eisenman）、弗兰克·盖里（Frank Gehry）、雷姆·库哈斯（Rem Koolhaas）、丹尼尔·里伯斯金（Daniel Libeskind）、伯纳德·屈米（Bernard Tschumi），以及当时还很年轻的扎哈·M·哈迪德（Zaha M. Hadid）。彼时37岁的哈迪德，其作品被向世人展示，并被视为“建筑界新感性觉醒”的典范。而当时展出的并非模型或蓝图，而是她为1983年香港建筑竞赛创作的画作——“峰顶”（The Peak）。以此为起点，她对建筑界的贡献不断深化，正契合了她入选该展览时所展现的特质：发展出一种独特的、具有数学美感且用她自己的话来说是“流动”的建筑语言，并在这一历史上由男性主导的领域中，成长为举足轻重的女性领军人物。
在快速城市化的催化下，城市的升温速度约两倍于全球平均水平。尽管气温上升正在重塑全球的日常生活，但一些城镇和社区（通常是那些最脆弱、资源最匮乏的地区）的升温速度却远超其他地方。究其原因，在于城市环境。道路、建筑、人行道和公共空间等建成基础设施，决定了热量如何在城市中流动、在何处聚集以及滞留多长时间。无论处于何种气候带或地理位置，阴影依然是为行人降温并缓解建成环境热压力最有效、最直接的手段。
WORKac 是一家总部位于纽约的建筑事务所，由阿玛尔·安德拉奥斯（Amale Andraos）和丹·伍德（Dan Wood）于 2003 年创立。该事务所始终坚信“建筑与设计有能力介入环境及社会议题，并为未来创造新的可能”。基于这一信念，事务所合伙人将其建筑方法定义为一种持续的进化。在他们看来，这是一个不断学习、质疑和重新学习的过程，而这一过程又深深植根于事务所对当地文化、气候和历史的融入，以及在生态、景观和城市规划领域的学术探讨。由此，他们得以将这些议题融会贯通，并专注于公共、文化及市政项目，旨在重塑人们生活、工作和感知世界的方式。
智利建筑师斯米连·拉迪奇·克拉克（Smiljan Radić Clarke）创作了一系列难以被简单归类的作品。他的建筑往往兼具古老与临时的特质，在展现纪念碑般存在感的同时，又保留了一种出人意料的脆弱感。石材、混凝土、木材、织物和玻璃纤维以意想不到的方式结合，创造出游走于永恒与瞬时之间的建筑。这位2026年普利兹克奖得主并未追求固定的形式语言，而是将建筑视为一个开放的实验场，在其中不断探索材料的物理性能与人们对结构的感知边界。
