Iluminación: Las más recientes noticias y obras de arquitectura

Allí donde ya no se puede depender de forma constante de los ríos, los embalses y las lluvias, el agua se busca cada vez más en la atmósfera. La niebla, la humedad atmosférica y la condensación ofrecen diferentes formas de captación. Cuando la arquitectura empieza a recolectar agua del aire, las superficies, las estructuras y los espacios abiertos pasan a formar parte del sistema hídrico.

Según UNICEF, la Estrategia Nacional del Agua de Jordania estima que cada persona tiene acceso a solo unos 61 metros cúbicos de agua renovable al año, una cifra muy inferior a los 500 metros cúbicos que suelen considerarse el umbral de la escasez absoluta de agua. Alrededor de la mitad de la población recibe agua de red solo una vez a la semana, mientras que las aguas subterráneas se extraen a un ritmo superior al de la recarga natural de muchos acuíferos.

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El sector de la edificación y la construcción representa alrededor del 39% de las emisiones globales de CO₂ y casi el 50% de la extracción mundial de materiales. Las emisiones de carbono operativo, asociadas a la energía consumida para el funcionamiento de los edificios, también aumentaron un 1% hasta alcanzar los 9,900 millones de toneladas de CO₂ en 2024, aun cuando la intensidad de uso de energía (EUI) en las edificaciones ha mejorado. Estas cifras revelan brechas persistentes en la forma en que se diseñan, construyen y rehabilitan los edificios. Un área clave para cerrar estas brechas es el aislamiento de la envolvente, un elemento que sigue siendo fundamental para controlar la demanda energética, mejorar la resiliencia térmica y reducir las emisiones de carbono.

En muchas ciudades asiáticas, el clima estival se puede experimentar cada vez más a la distancia. En Hong Kong, es posible trasladarse desde una torre de departamentos a través de un centro comercial en podio, ingresar al sistema de tránsito rápido ferroviario (MTR), llegar debajo de otro complejo comercial y continuar por puentes peatonales cerrados o pasajes subterráneos, percibiendo muy poco de la atmósfera exterior. El calor, la humedad, la lluvia y las variaciones estacionales siguen presentes, pero se pueden esquivar en gran medida gracias a una red continua de interiores climatizados.

A lo largo de varias décadas, el aire acondicionado ha pasado de ser una tecnología para enfriar habitaciones individuales a convertirse en una infraestructura capaz de producir un entorno urbano alternativo. Esto resulta especialmente visible en zonas de Asia Oriental y el Sudeste Asiático, donde el desarrollo orientado al transporte combina frecuentemente estaciones de tren, centros comerciales, viviendas, oficinas y otros servicios cotidianos en complejos interconectados. El modelo "Ferrocarril más Propiedad" (Railway plus Property) ha ayudado a institucionalizar esta relación entre transporte y desarrollo, creando distritos donde el movimiento a través de la ciudad es a menudo inseparable del tránsito por interiores de gestión privada.

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Los proyectos de diseño más innovadores e impactantes surgen de la intersección de diferentes campos. La comunidad de la arquitectura siempre ha tomado prestado de —o se ha inspirado en— otras formas de producción cultural, como el cine, la fotografía, la literatura y el teatro. En la teatralidad de las iglesias barrocas y las secuencias cinematográficas de los museos contemporáneos, los/las arquitectos/as han mirado más allá del propio edificio para comprender cómo el espacio puede dar forma a un relato y construir una experiencia.

La creación de mundos (worldbuilding) da un paso más allá. En lugar de diseñar únicamente la arquitectura de un lugar, exige a los/las arquitectos/as establecer las reglas sociales, narrativas, tecnologías, economías, atmósferas, comportamientos y relaciones que hacen que ese lugar sea creíble. En vez de empezar preguntándose: «¿Cómo debería verse este edificio?», la creación de mundos propone comenzar con: «¿En qué tipo de mundo tendría sentido este edificio?»

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En la mayoría de los proyectos arquitectónicos, la circulación vertical se concibe como un elemento meramente funcional, oculto tras puertas cortafuego o en el núcleo de un ascensor. No obstante, en ocasiones los/las arquitectos/as recurren a las espirales para resolver los cambios de nivel del terreno. Con la escala adecuada, estos elementos permiten una expresión formal más artística que cumple un doble propósito, utilitario y estético, sin depender de elevadores mecánicos ni de cajas de escaleras. Los sistemas estructurales, como las cerchas de acero en voladizo y las losas de concreto armado, permiten que estos elementos helicoidales se proyecten hacia el exterior como marquesinas de acceso protegidas o que se envuelvan alrededor de atrios centrales abiertos. Desde el punto de vista funcional, estos recorridos de circulación pueden manifestarse de diversas maneras: como escaleras, al estilo del Palacio de Itamaraty en Brasilia, o bien como rampas, las cuales ofrecen la posibilidad de reducir las barreras de movilidad para los/las visitantes. En ambos casos, la espiral logra generar transiciones fluidas entre los distintos niveles y, al mismo tiempo, mantener una línea de visión despejada en todo el programa.

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A diferencia de los edificios, que están anclados a sus cimientos y responden al clima desde una posición fija, los yates están diseñados para el movimiento y el cambio constantes. Los interiores se balancean con la embarcación, la luz cambia minuto a minuto, la humedad es una condición de diseño permanente y cada kilogramo influye en el rendimiento. Por lo tanto, diseñar para el mar exige que los/las arquitectos/as, arquitectos/as navales, ingenieros/as y diseñadores/as de interiores resuelvan interrogantes que rara vez surgen en tierra: ¿cómo lograr que el espacio mantenga la calma cuando todo a su alrededor está en movimiento?

A medida que los proyectos arquitectónicos se vuelven más complejos y las exigencias evolucionan, la capacidad de iterar con rapidez resulta cada vez más crucial en el proceso de diseño. Para Bellway, una de las constructoras de viviendas más grandes del Reino Unido, acelerar la iteración y la visualización de los diseños se ha vuelto fundamental para satisfacer estas demandas. No se trata solo de una manera de presentar los proyectos terminados, sino también de una herramienta para poner a prueba ideas, comunicar opciones y tomar decisiones en etapas más tempranas del proceso de desarrollo.

El equipo liderado por el grupo de ingeniería y tecnología Sener, en colaboración con el estudio de arquitectura británico RSHP y la firma valenciana ERRE, ha sido seleccionado para diseñar la nueva Estación Central de Valencia en España. La propuesta fue elegida por el Comité de Valoración de Adif Alta Velocidad tras un concurso para un nuevo nodo ferroviario intermodal que integrará conexiones de alta velocidad, cercanías, metro, tranvía, autobús, taxi y movilidad activa. La nueva infraestructura se coordinará con el proyectado Parque Central, el proyecto del Canal de Acceso y el futuro túnel pasante. El alcance del proyecto también incluye la rehabilitación de la histórica Estación de Valencia Nord, declarada Bien de Interés Cultural, preservando al mismo tiempo su patrimonio arquitectónico y urbano.

Históricamente, la manera en que diseñamos ha estado estrechamente vinculada a la forma en que construimos. La arquitectura avanzaba mediante pruebas físicas, procesos de ensayo y error, dibujos de proyección, maquetas a escala real y modelos físicos; si bien cada recurso introducía una nueva capa de abstracción, todos permanecían vinculados al material, la escala y la construcción. La llegada del CAD modificó significativamente esta dinámica. En un principio, se entendió en gran medida como la digitalización de una geometría precisa para la construcción. Sin embargo, con el tiempo, las herramientas digitales se incorporaron en etapas cada vez más tempranas del proceso de diseño, desplazando al boceto, el ensayo y error físico, la elaboración de maquetas y otras formas de pensamiento que solían mantener la escala y la materia al alcance de la mano.

Por lo tanto, el linaje del diseño arquitectónico puede entenderse, en parte, como una evolución de las abstracciones. Algunas de ellas han sido extraordinariamente productivas. Las plantas y secciones, por ejemplo, aíslan dimensiones particulares de la arquitectura sin dejar de permitir que la mente reconstruya la totalidad. Aplanan, cortan y reducen, pero no abandonan el edificio. Mediante la combinación de dibujos, es posible comprender las habitaciones, las circulaciones, la estructura, las aberturas y las relaciones espaciales sin perderse en la complejidad del proyecto. Su abstracción es disciplinada porque permanece ligada a una realidad arquitectónica que, eventualmente, deberá ser medida, construida y habitada.

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La promesa original del BIM (Building Information Modeling) iba mucho más allá de la representación tridimensional de un edificio. Su ambición consistía en convertir el modelo en una estructura de información coordinada, en la que la geometría, los componentes, los sistemas y los datos permanecieran conectados a medida que evolucionaba el proyecto. Así, los cambios en un elemento se reflejarían en los planos, secciones, alzados y tablas de cantidades correspondientes; las interferencias entre las distintas disciplinas podrían identificarse antes de la construcción; y la información asociada a los componentes del edificio acompañaría al proyecto a lo largo de las distintas etapas de su ciclo de vida.

A los/las arquitectos/as se les capacita para seleccionar materiales, comparar sus propiedades y decidir cómo deben utilizarse. Sin embargo, algunos estudios están asumiendo una tarea distinta: desarrollar el material propiamente dicho.

Para Material Cultures, BC architects y Studio Ossidiana, este proceso puede comenzar con cáñamo cultivado para la construcción, tierra excavada de las obras o mezclas de concreto, pigmentos, piedra y conchas. Su trabajo vincula la investigación de materiales con el procesamiento, la fabricación y la construcción.

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La artesanía lleva las huellas de quienes le dieron forma, revelando cómo responden los materiales a las distintas técnicas e incluso ofreciendo pistas sobre las herramientas utilizadas para crearlos. Sin embargo, dentro de la experiencia arquitectónica, el trabajo artesanal puede expresarse no solo a través de los materiales y las estructuras, sino también a través del propio espacio. Con el fin de profundizar y aprender de las conexiones entre el diseño y la ejecución, amass studio ha explorado la traducción de métodos de construcción informales y cotidianos en sistemas espaciales a lo largo de varios de sus proyectos. Al integrar mecanismos, materiales, estructuras y mobiliario, el estudio crea nuevas narrativas espaciales en las que el diálogo entre lo artesanal y lo industrial se refuerza mutuamente. Más allá de la artesanía en sí, ¿por qué no visibilizar los procesos que le dan vida?

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En 1968, el diseñador de mobiliario y profesor del RCA David Pye publicó The Nature and Art of Workmanship, un libro estructurado en torno a la distinción entre el "oficio de riesgo" y el "oficio de certeza". Pye no escribía sobre arquitectura y, a pesar de cómo se suele emplear hoy en día este concepto, en realidad tampoco se refería a la dicotomía entre las manos y las máquinas. De hecho, señaló que una imprenta, aun siendo completamente mecánica, sigue dependiendo de que una persona evalúe la tinta y el registro, mientras que en el torneado manual de madera se puede seguir una plantilla con tanta precisión que prácticamente nada queda al azar.

El oficio de riesgo, según la definición de Pye, es cualquier proceso en el que el resultado no está predeterminado, sino que depende del juicio, la destreza y la atención de quien lo ejecuta mientras el trabajo está en marcha. El oficio de certeza representa la condición opuesta, ya que el resultado se define antes de que comience la producción, fijado en una plantilla, un molde o un programa, de modo que todo el proceso posterior se limita a la ejecución. Pye se encargó de señalar que ninguno de los dos modos es inherentemente superior, y que una máquina de control numérico, calibrada para dejar margen a la variación, puede estar más cerca del riesgo que una herramienta manual guiada por una plantilla fija.

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El centro de una planta nunca es simplemente un espacio vacío. Una vez que las habitaciones y los recorridos comienzan a organizarse a su alrededor, el centro empieza a estructurar la totalidad del diseño. Puede albergar un patio, una escalera, un jardín o una habitación compartida. También puede preservar algo preexistente en el sitio o dar soporte a un proceso que la arquitectura no controla por completo. Lo que ocupa esta posición determina cómo se distribuyen, conectan y utilizan los espacios circundantes.

En Un lenguaje de patrones, de Christopher Alexander, Sara Ishikawa y Murray Silverstein, se describe que los espacios compartidos son más eficaces cuando se sitúan en el centro de gravedad de la vida cotidiana y permanecen conectados con las rutas que las personas transitan con mayor frecuencia. Su argumento sugiere que un centro es relevante no por ocupar el medio geométrico, sino porque las habitaciones, los senderos y las actividades circundantes le otorgan peso espacial. Los proyectos incluidos aquí extienden esa idea más allá del espacio comunitario, mostrando cómo el centro puede organizar la circulación, el uso colectivo, los sistemas ambientales y la relación entre la arquitectura y lo preexistente en el sitio.

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Diseñado por el consorcio de 3XN, B+H Architects y Zhubo Design, el Museo de Historia Natural de Shenzhen ha abierto sus puertas al público en Shenzhen, China. Con una superficie de más de 100,000 metros cuadrados, la institución es el museo de historia natural más grande del sur de China y se encuentra entre los museos de su tipo más grandes del mundo de reciente construcción. Desarrollado como parte de la creciente infraestructura cultural de Shenzhen, el proyecto reúne espacios de exhibición, investigación, educación y áreas públicas en un solo destino cívico. 3XN lideró el diseño arquitectónico; B+H Architects actuó como consultor principal, arquitecto ejecutivo y arquitecto de paisaje; y Zhubo Design aportó la experiencia técnica local y la coordinación normativa a lo largo de todo el desarrollo del proyecto.

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La arquitectura suele nutrirse de la historia de un lugar, traduciendo las narrativas locales en formas, materiales y experiencias espaciales contemporáneas. Ubicado en la ciudad balneario de Bad Orb, cerca de Fráncfort, el ALEA RESORT HIDEAWAY sigue este enfoque y se inspira en la historia de la extracción de sal de la zona.

Diseñado por el estudio PLAJER + FRANZ, este proyecto hotelero de 5.200 m² hace referencia a la geometría de los cristales de sal a través de su lenguaje arquitectónico, al tiempo que utiliza soluciones de iluminación de OLEV para definir la atmósfera de sus espacios interiores. En esta entrevista, el arquitecto Alexander Plajer analiza la relación del proyecto con su contexto, el proceso de diseño y el papel de la iluminación.

En un lapso de 36 horas entre el 24 y el 25 de junio, cuatro terremotos significativos sacudieron tres regiones distintas del mundo. Un sismo de magnitud 7.2 sacudió la costa noreste de Japón, un evento de magnitud 5.6 se registró en el norte de California y dos grandes terremotos de magnitudes 7.2 y 7.5 ocurrieron con solo 39 segundos de diferencia en la costa norte de Venezuela. Aunque la proximidad temporal de los eventos desató especulaciones en internet, los/las sismólogos/as confirmaron que no estaban relacionados, ya que ocurrieron de manera independiente en diferentes límites de placas tectónicas.

En el sur de China, existe a veces un mito urbano —especialmente en Hong Kong, Shenzhen y Guangzhou— sobre la conveniencia de elegir una vivienda que evite la luz del oeste. Durante décadas, el sol orientado al oeste ha demostrado ser una condición particularmente difícil de sobrellevar: su ángulo bajo por la tarde, su agresiva ganancia térmica (especialmente en verano) y la forma en que penetra profundamente en los interiores. Con el calentamiento global y las estaciones cada vez más largas y calurosas, ese tan romantizado "resplandor del atardecer" se experimenta cada vez menos como algo idílico y más como deslumbramiento, calor y fatiga. Si bien esta creencia circula como una regla empírica comunitaria, entraña una innegable claridad arquitectónica sobre la orientación de los edificios: evitar la luz del oeste no se trata solo del confort térmico, sino también de evitar la forma más aguda e intrusiva de iluminación directa; una luz que incide en el ángulo más implacable, barriendo las superficies, aplanando la profundidad y convirtiendo las habitaciones en campos de malestar de alto contraste.

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