Quienes me conocen saben que me encanta hacer preguntas. Probablemente demasiadas. Sin embargo, al reunirse con el gran referente de la arquitectura y el diseño italiano, Michele De Lucchi, uno se convierte en todo oídos, tal es el calibre de su pensamiento y la elocuencia de su expresión, forjados a lo largo de más de medio siglo de una práctica creativa experimental y, en ocasiones, iconoclasta. Desde su participación en colectivos de diseño de vanguardia como Studio Alchimia y Memphis, hasta la creación de la lámpara Tolomeo —ganadora del Compasso d'Oro— y la cafetera Pulcina, ha visto y hecho de todo.

Muchos edificios religiosos del antiguo Egipto, Grecia y el mundo islámico comparten una característica común conocida como el espacio hipóstilo. Definida como una serie de columnas alineadas que sostienen una cubierta, esta solución se desarrolló en distintas culturas y períodos históricos, lo que explica la variedad de materiales, formas, dimensiones y distancias entre apoyos que pueden encontrarse en todo el mundo. Entre los ejemplos más célebres de la aplicación de este concepto se encuentran la Gran Sala Hipóstila (c. 1290–1224 a. C.), que forma parte del complejo del Templo de Karnak y es uno de los monumentos más visitados del Antiguo Egipto, y las Mezquitas hipóstilas de madera de la Anatolia medieval (entre el siglo XIII y mediados del XIV), un sitio declarado Patrimonio de la Humanidad ubicado en la actual Turquía.

En la arquitectura contemporánea, es posible encontrar diversos ejemplos de cómo se revitaliza este concepto. Mientras que algunos proyectos emplean el concepto para remitir a arquitecturas vernáculas afines al programa y uso del edificio propuesto —como ocurre en ciertas mezquitas—, otros apuestan por la abstracción del término mediante una interpretación que destaca los pilares y su disposición en la configuración espacial. En todos ellos, no obstante, resulta evidente que la relación entre la inspiración hipóstila y la arquitectura modular es estrecha, prácticamente intrínseca.

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El arte puede ser un catalizador para que los y las arquitectas observen el entorno construido desde otra perspectiva. Ofrece una oportunidad única de adentrarse en los puntos de vista de profesionales de la arquitectura de formación que han transitado hacia las artes visuales, así como de artistas que exploran las ciudades y sus dinámicas internas a través de sus historias personales.

Ubicada en la ciudad de Nueva York, la Bienal del Whitney es considerada la muestra de arte contemporáneo más importante y de mayor trayectoria en los Estados Unidos. Junto con la Bienal de Venecia, se sitúa como una de las exposiciones artísticas periódicas más relevantes a nivel mundial. El tema de este año, "Even Better Than the Real Thing" (Incluso mejor que lo real), profundiza en conceptos de identidad y autonomía corporal, amplificando las voces de quienes históricamente han sido marginados/as. Esto implica explorar relatos que examinan el vínculo entre las narrativas personales y la creciente sensación de precariedad en torno al mundo construido. Presentamos aquí a los y las artistas de la Bienal del Whitney de este año que abordan temas relacionados con la arquitectura y las ciudades.

Sin duda alguna, Airbnb ha transformado por completo la industria de la hospitalidad, inspirando un ecosistema de empresas que aprovechan la economía colaborativa, como las startups de alojamiento compartido o co-living. Si bien estas compañías han alcanzado un éxito financiero impresionante, también se argumenta que generan efectos problemáticos a escala urbana. Se alega que Airbnb, en particular, ha impulsado un aumento en los precios de los alquileres en ciudades que ya se enfrentan a serios problemas de asequibilidad de la vivienda. De manera muy similar al impacto de Uber en la movilidad urbana, el rápido crecimiento de Airbnb ha planteado desafíos significativos para los gobiernos locales, lo que exige una regulación integral y una reevaluación de su funcionamiento a escala de la ciudad.

Este artículo fue publicado originalmente en Common Edge.

No soy de ningún modo especialista en asociaciones público-privadas. No obstante, durante unos 10 años, en mi calidad de planificador/a de campus y, posteriormente, arquitecto/a de campus de la Universidad de California en Berkeley, observé el desarrollo de estas iniciativas en la educación superior; a veces desde la primera fila, otras veces como participante directo/a. En aquel entonces, esta estrategia, promovida con gran entusiasmo y optimismo, se presentaba como la solución a cualquier problema que surgiera. Sin embargo, la definición de lo que constituía una asociación público-privada resultaba imprecisa. El concepto mismo parecía adaptarse a cualquier expectativa, según lo que se requiriera, quién lo recomendara y qué equivalentes (si es que los había) existieran fuera de la universidad. Esta tendencia sigue vigente hoy en día, lo que hace aún más importante definir con precisión los pros y los contras de esta estrategia de desarrollo, no solo para las instituciones de educación superior, sino para toda toma de decisiones en el ámbito público.

Buildner ha anunciado los resultados de su concurso Museum of Emotions, un certamen internacional de diseño que se celebra anualmente y que desafía a los y las participantes a explorar hasta qué punto la arquitectura puede ser utilizada como una herramienta para evocar emociones.

El encargo solicitaba el diseño de un museo conceptual con dos salas de exposición: una diseñada para inducir emociones negativas y la otra para provocar emociones positivas. Los y las participantes tenían absoluta libertad para elegir cualquier sitio de su agrado, real o imaginario, así como la escala del proyecto. El significado de "positivo" y "negativo" queda abierto a la interpretación: ¿Qué dos emociones contrapuestas consideraría un diseñador o diseñadora? ¿Cómo podría un arquitecto o arquitecta concebir espacios que evoquen miedo, ira, ansiedad, amor o felicidad? 

A partir de una nueva colaboración, Trimo y Pininfarina han presentado el sistema de muros Qbiss Notch, estableciendo un nuevo estándar en el diseño arquitectónico. Esta alianza combina la experiencia en ingeniería de Trimo con la trayectoria de innovación en diseño de Pininfarina, introduciendo un sistema de muros metálicos modulares prefabricados que promete redefinir el panorama estético y funcional de la arquitectura moderna.

La Semana del Diseño de Milán rara vez deja de ofrecer muestras cautivadoras de diseño e innovación.

Una de las exposiciones de este año, creada por Swatchbox, transmite el “verdadero costo” de los enfoques tradicionales de la construcción. La plataforma de muestras, fundada por profesionales de la arquitectura para ofrecer métodos sostenibles de obtención de muestras a la comunidad del diseño, inauguró su provocadora exhibición en el corazón del Brera Design District de Milán.

La muestra confronta con audacia el problema del desperdicio inherente a las prácticas tradicionales de construcción. Instalada en una oficina de Brera que habitualmente ocupa un estudio de arquitectura de Milán, la exposición exhibe una gran pila de materiales de construcción que suelen terminar en los vertederos. Estos materiales están meticulosamente organizados para evidenciar el enorme volumen de residuos que genera la comunidad del diseño.

Visuales más realistas y flujos de trabajo acelerados de modelado as-built (directamente en iPad con Scan-to-Design [Labs]) forman parte de la última versión del software de diseño arquitectónico SketchUp. La versión 2024 incluye mejoras de rendimiento destinadas a aumentar la productividad, que van desde un nuevo motor gráfico hasta formas más sencillas de compartir ideas con colaboradores y clientes.

Simone Farresin, del estudio italiano Formafantasma, reflexiona sobre su práctica junto a su socio/a Andrea Trimarchi, su trabajo y los diversos enfoques de sus proyectos. Asimismo, aborda su participación en la Semana del Diseño de Milán y el rol político de los/las creativos/as en el mundo. 

Se suele hablar mucho de cómo el éxito de un espacio interior depende de la distribución de sus muros, puertas y ventanas, y tal vez del tono de la pintura o del nivel de confort de las sillas que alberga. En realidad, lo cierto es que su éxito o fracaso dependerá, muy probablemente, de la calidad de su iluminación.

No es ninguna novedad que la luz tiende a elevar el estado de ánimo, mientras que los largos y sombríos días de invierno pueden provocar decaimiento; la influencia de la luz siempre ha tenido una repercusión directa en la arquitectura. Al conversar con el arquitecto británico John Pawson durante cinco minutos, uno se da cuenta de que la luz es, tal vez, su material favorito: modela los interiores con ella al controlar minuciosamente sus puntos de entrada. No obstante, hoy en día el potencial de la iluminación va más allá de la gestión de la luz natural en un espacio. Una comprensión cada vez más profunda sobre el impacto preciso de las distintas calidades de luz nos permite empezar a modelar las atmósferas de nuestros interiores mediante la iluminación artificial con un gran efecto. 

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La 62.ª edición del Salone del Mobile en Rho Fiera reunió a profesionales del diseño, la arquitectura, la producción y a destacadas figuras del sector. Con más de 1950 expositores, el evento de seis días de duración, que se llevó a cabo del 16 al 21 de abril de 2024, hizo hincapié en la convivencia, el bienestar y la sostenibilidad. Diseñado bajo un enfoque centrado en el ser humano e incorporando principios de la neurociencia para enriquecer la interacción del público visitante, el Salone del Mobile está revolucionando el futuro de las ferias.

Durante el evento, ArchDaily tuvo la oportunidad de conversar con Cristian Catania, arquitecto senior y director de proyectos de "Reinventing Fairs" en Lombardini22 —firma responsable de la renovación del Salone—, sobre los principales cambios en la distribución de la feria y la aplicación de enfoques neurocientíficos en la conceptualización de los espacios de exhibición.

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La infraestructura social abarca los recursos y servicios que permiten la creación de vínculos comunitarios y conexiones sociales. Dentro del entorno construido, se manifiesta a través de espacios públicos como parques, bibliotecas y centros comunitarios, junto con espacios de transición como las paradas de transporte público.

Estos espacios sociales públicos desempeñan un papel crucial en el fortalecimiento de las comunidades y, a su vez, en su capacidad para responder a eventos catastróficos relacionados con el clima. Pueden brindar refugio físico a las poblaciones más vulnerables ante estos fenómenos y fomentar redes resilientes de personas capaces de recuperarse con mayor rapidez. Dada la creciente frecuencia de eventos climáticos extremos en los Estados Unidos debido al cambio climático y las deficiencias de su infraestructura social, resulta vital examinar los espacios públicos como una herramienta crítica para la resiliencia climática.

A la hora de diseñar una casa moderna integrada a la naturaleza en Palo Alto, California (EE. UU.), el/la arquitecto/a Tai Ikegami asumió con total seriedad la responsabilidad de proteger y venerar los majestuosos árboles del terreno.

“La casa se diseñó en torno a una serie de árboles en el terreno: un roble al frente, otro roble al costado y una secuoya en la parte posterior. Son árboles imponentes, de gran escala”, señala Ikegami, socio/a de Feldman Architecture, San Francisco.

Desde hace tiempo, la Semana del Diseño de Milán se ha consolidado como uno de los eventos más significativos en el ámbito del diseño global, al exhibir conceptos innovadores y talentos visionarios, además de fomentar el debate crítico dentro de la comunidad del diseño. Desde la gran feria comercial Salone Del Mobile en Rho Fiera hasta los distritos de diseño distribuidos por toda la ciudad, la Semana del Diseño reúne diversas voces, perspectivas y talentos. De acuerdo con el comunicado de prensa de Salone del Mobile, la edición de este año registró un 17,1% más de visitantes que en 2023, alcanzando una cifra récord de 361.417 asistentes en total.

Con visitantes provenientes de China, Alemania, España, Brasil, India, Turquía, Japón y muchos otros países, este encuentro despliega una gran cantidad de exposiciones, instalaciones, conferencias y mesas de debate. Tras el cierre de esta edición, que se llevó a cabo del 15 al 21 de abril de 2024, este artículo destaca diversas instalaciones distribuidas por la ciudad que resultan de gran relevancia para profesionales de la arquitectura y el diseño a nivel mundial. Ya sea a través de la exploración sobre la regeneración de Mario Cucinella, la propuesta experimental de Google en torno a lo sensorial y el color, o la investigación de MAD Architects sobre los límites entre el paisaje natural y el artificial, la semana estuvo repleta de colaboraciones fructíferas que vislumbran el futuro del diseño.

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En una nación que se enfrenta a una grave escasez de vivienda para los sectores económicamente más vulnerables, resulta sorprendente que el concepto de "vivienda de bajo costo" haya desaparecido de la conciencia pública y del discurso político. Esta crisis, que afecta a millones de las personas más pobres del país, hace que la necesidad de vivienda asequible sea aún más urgente en un momento en que la población de la India supera a la de China, convirtiéndose en la nación más poblada del mundo. De no abordarse, la crisis habitacional podría derivar en una situación de sinhogarismo masivo y en condiciones de vida indignas para la ciudadanía.

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The Second Studio (anteriormente conocido como The Midnight Charette) es un podcast sin filtros sobre diseño, arquitectura y la vida cotidiana. Conducido por los/las arquitectos/as David Lee y Marina Bourderonnet, el programa presenta a diferentes profesionales de la creatividad en conversaciones espontáneas que dan pie a reflexiones profundas y debates de carácter personal.

La variedad de temas se aborda con honestidad y humor: algunos episodios consisten en entrevistas, mientras que otros ofrecen consejos para colegas del diseño, análisis de edificios y otros proyectos, o exploraciones informales de la vida cotidiana y el diseño. The Second Studio también está disponible en iTunes, Spotify y YouTube.

Esta semana, David y Marina de FAME Architecture & Design conversan con el/la fundador/a y CEO de Peak Projects, Grant Bowen, para analizar cómo lograr que un proyecto sea exitoso para los/las clientes, la trayectoria de Grant, el rol del/de la representante de la propiedad a lo largo del diseño y la construcción, el trabajo en conjunto con la clientela y diferentes profesionales, los costos de construcción, los honorarios, las diversas tipologías de proyectos y más.

Este artículo fue publicado originalmente en Common Edge.

El 10 de abril de 2024, la organización New York Landmarks Conservancy otorgó el Premio al Liderazgo en Preservación a la escritora y urbanista Roberta Brandes Gratz. Activista de la preservación desde hace mucho tiempo, Gratz formó parte de la Comisión de Preservación de Monumentos Históricos de la ciudad. También lideró con éxito la restauración de la sinagoga de la calle Eldridge, que hoy alberga el Museo de la Calle Eldridge. La siguiente es una versión ligeramente editada del discurso que Gratz pronunció en la 34.ª edición anual de los Premios de Preservación Lucy C. Moses.

Fundado en París en 2010 y registrado formalmente en Pekín en 2015 como firma de arquitectura, Wild City Factory es un estudio interdisciplinario, innovador y experimental. Su investigación y práctica abarcan diversos campos, como la arquitectura, el urbanismo, el paisajismo, el diseño de interiores y de exhibiciones (museografía), la curaduría de arte, la planificación de eventos, la producción de contenidos, la integración de arte y tecnología, y el desarrollo del metaverso.

Su fundador y arquitecto principal, Ye Cheng, egresó del Departamento de Ciencias de la Tierra de la Universidad de Nankín, para luego trasladarse a Francia, donde ingresó a la École Spéciale d'Architecture (ESA) de París, institución en la cual su proyecto de graduación obtuvo el Gran Premio Anual de la ESA. Es el primer ciudadano chino en recibir el “Premio al Joven Artista” de la Academia de Bellas Artes (Institut de France). Con una estancia de más de diez años en Francia y una formación interdisciplinaria y multicultural que combina la ciencia con el arte de la arquitectura, Ye Cheng se ha consolidado como un exponente destacado de la integración transdisciplinaria entre los jóvenes profesionales de China. Ha curado importantes exposiciones nacionales e internacionales, entre ellas las cinco ediciones de la gran exposición de arte arquitectónico “Reconstructing Utopia”; la serie “City Connection”, exposición de arquitectura contemporánea franco-china con motivo del 60.º aniversario del establecimiento de relaciones diplomáticas entre ambos países; la exhibición de instalaciones y video de arquitectura contemporánea china “Unknown City”; la exposición principal de la Semana del Diseño de Pekín 2015; el primer Festival de Luces Artísticas de los Juegos Olímpicos de la Juventud de Nankín 2019; la exposición de arte digital “Along the River During the Qingming Festival 3.0” en Hong Kong; y la muestra “Architecture Affective” en la galería del Laboratoire de París. Sus obras de arte espacial a gran escala, como Huntian City, Empty Landscape, Net City, Super Axis, Ecological Mandala y Wormhole City, fusionan la filosofía y la estética orientales con la tecnología moderna, proponiendo una concepción poética del espacio urbano y las estructuras sociales del futuro bajo el concepto de “Shan-Shui Urbano Oriental”. Asimismo, produjo de manera independiente el cortometraje de ciencia ficción Interstellar Folding, explorando el lenguaje cinematográfico para ilustrar su visión de una ciudad espacial en la “Gran Bahía Interestelar”. En 2022, como planificador general de la ciudad del metaverso “Meta City” (Yuanbang), colaboró con Meta Media y Baidu para desarrollar y materializar esta aplicación pionera a nivel internacional, fundando a su vez la corriente del metaverso “Oriental Futurism”, que fusiona la filosofía de Oriente y Occidente con la teoría urbana.

设计理念
Wild City Factory se rige firmemente por la filosofía del “espacio como ontología”. De lo espiritual a lo material, de las personas al mundo, de lo real a lo virtual: todo cuestionamiento remite inevitablemente al espacio. Partimos del espacio, arraigándonos en el presente para atravesar la triple temporalidad del pasado, el presente y el futuro. El espacio no es solo un contenedor, sino un conector: vincula a las personas, une los espacios entre sí y entrelaza a los individuos con su entorno. El espacio habita en el instante, pero también en la eternidad del tiempo. En este sentido, desde la arquitectura hasta el arte, desde la exhibición hasta la escritura, y desde la observación hasta la crítica, la labor de Wild City Factory se despliega en torno a la problemática espacial, entendiendo el espacio como el origen de todas las interrogantes.

Nuestra labor externa consiste en explorar, percibir, imaginar, construir, disolver, abolir y regenerar el espacio dentro de sus límites físicos. Nuestra labor interna radica en transitar de forma continua el “intervalo” espacial dentro de su infinitud, aproximándonos de manera ilimitada al “vacío” esencial, es decir, a la ontología misma del espacio.

Wild City Factory defiende la premisa de que “diseñar es resolver problemas” junto con la estrategia tridimensional de “Espacio-Contenido-Evento”. A través de una rigurosa investigación y análisis de los contextos de cada proyecto, integramos esta filosofía y metodología espacial en el diseño innovador. Esta práctica refleja la diversidad, la multiplicidad de enfoques y la amplitud de fronteras que caracterizan el trabajo transdisciplinario de la oficina.

Producir materiales y productos sostenibles exige un análisis constante sobre cómo conservamos los recursos y gestionamos los residuos de manera eficaz. Esto ocurre en un escenario donde los impactos ambientales del calentamiento global y la crisis climática son cada vez más evidentes. En este contexto, mantener el diálogo sobre la gestión de residuos es fundamental para generar un impacto positivo en nuestro entorno y maximizar las oportunidades de la economía circular.

Con base en esta perspectiva y como muestra de su compromiso con la sostenibilidad a través de la reducción de residuos y la conservación de recursos, VitrA ha creado un lavabo fabricado en su totalidad con un 100%* de materiales reciclados, incluyendo cerámicas descartadas de su propio proceso de producción. Este innovador producto ha sido diseñado para generar un impacto ambiental mínimo y reducir en un 30% el potencial de calentamiento global de su fabricación por unidad, transformando lo que antes se consideraba desperdicio en recursos valiosos.

«Constitution Gardens se convertirá en un epicentro de biodiversidad en el National Mall», afirmó Adam Greenspan, FASLA, socio de diseño en PWP Landscape Architecture. «Crearemos un jardín basado en la naturaleza, respetando al mismo tiempo el diseño histórico». Los Constitution Gardens, ubicados en Washington D.C., se inauguraron en 1976 para conmemorar el bicentenario de la revolución estadounidense. El paisaje fue moldeado por los conceptos esbozados en el Plan McMillan y los diseños de Dan Kiley y SOM.

Sin embargo, a lo largo de las últimas cuatro décadas, los jardines sufrieron un proceso de deterioro y se convirtieron en un lugar de paso hacia otros destinos más populares del Mall. Actualmente, la Comisión de Bellas Artes y la Comisión de Planificación de la Capital Nacional han aprobado la segunda fase de un plan de tres etapas para revitalizar el jardín. El diseño de PWP Landscape Architecture y Rogers Partners Architects creará un «nuevo paisaje ecológico» concebido tanto para las personas como para cientos de especies vegetales y animales.

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Para los/las diseñadores/as que buscan evocar una expresión sastre de «lujo silencioso» en un interior, un elemento indispensable para toda paleta minimalista es la incorporación de un objeto escultórico: uno que atraiga la mirada, brille como una joya y evoque un refinamiento sutil. En el caso de cocinas y baños, donde predomina la funcionalidad, ¿qué tal capturar ese instante de tensión elegante —ese je ne sais quoi— mediante una grifería radical?

El A' Design Award and Competition se creó con el propósito de promover y reconocer lo mejor del diseño a nivel mundial, abarcando todas las disciplinas creativas. El galardón está dirigido a profesionales del diseño, la innovación y empresas que desean destacar y atraer la atención de los medios de comunicación, editoriales y compradores/as. Estos aspectos resultan de especial relevancia en el ámbito del diseño, donde cada año se lanzan millones de productos y proyectos que, a menudo, quedan invisibilizados sin recibir el debido reconocimiento. Con el fin de contrarrestar esta tendencia, cada año se postulan cientos de proyectos enfocados en la innovación, la tecnología, el diseño y la creatividad. El certamen ofrece una valiosa oportunidad de consagración respaldada por la curaduría de un jurado de gran prestigio, así como la posibilidad de lograr un exitoso lanzamiento internacional. El A' Design Award incluye una serie de servicios de relaciones públicas, publicidad y marketing para celebrar el éxito de sus ganadores/as. Asimismo, a diferencia de otros certámenes de diseño, participar es completamente gratuito.

La construcción modular es un proceso en el que un edificio se construye fuera de su emplazamiento definitivo, bajo entornos controlados de fábrica, utilizando los mismos materiales y cumpliendo con una serie de códigos y normativas. Esta metodología se introdujo originalmente como una solución en la búsqueda de sistemas constructivos eficientes, con control de calidad y rentables. Este método de construcción industrializada evolucionó para satisfacer demandas históricas y, recientemente, ha despertado un renovado interés. Posteriormente, estos "módulos" se transportan al sitio de construcción y se ensamblan para conformar la estructura final, cumpliendo con los mismos estándares de edificación que las instalaciones construidas de manera convencional. Gracias a sus beneficios potenciales en materia de reducción de residuos, eficiencia energética, respuesta ante emergencias y desarrollo acelerado, esta metodología está ganando terreno en todo el mundo.

En los últimos años, la construcción modular se ha perfilado como un factor de cambio determinante en la industria de la construcción, particularmente en Medio Oriente y en la región del Consejo de Cooperación del Golfo (CCG). Ante la creciente adopción de soluciones innovadoras para hacer frente a las necesidades cambiantes de la región, la edificación modular se presenta como una alternativa sumamente atractiva. A medida que aumenta la concientización y avanzan las tecnologías, la construcción modular podría ofrecer una alternativa viable frente a las prácticas de construcción tradicionales en la región del CCG.

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