La sobreprovisión puede entenderse como una estrategia arquitectónica desde la perspectiva de la resiliencia, que consiste en hacer que los espacios sean adaptables a los cambios, las reinterpretaciones y las necesidades futuras. Sin embargo, ¿podría la sobreprovisión ofrecer también una perspectiva productiva para replantear el diseño espacial? ¿Existen paralelismos en la teoría o la práctica de la arquitectura que se alineen con este concepto, tal como lo han explorado figuras notables en el discurso sobre el espacio?

Esta cuestión adquiere una relevancia particular en el diseño residencial, especialmente en regiones como Hong Kong o Tokio, donde la exigencia de maximizar el espacio constituye una norma tanto cultural como práctica. Con frecuencia, a los/las diseñadores/as se les encomienda la tarea de "aprovechar cada centímetro" para almacenamiento o funcionalidad, lo que refleja una tendencia de los/las habitantes a acumular pertenencias de manera desproporcionada en relación con sus espacios habitables. 

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El término bóveda en arquitectura se refiere a una estructura arqueada autoportante que forma un cielo o cubierta, capaz de crear de manera eficaz un espacio amplio y libre de columnas. Mientras que las bóvedas de mampostería tradicionales transfieren las cargas a muros y contrafuertes, las versiones contemporáneas se definen de manera más amplia como cualquier cielo que sigue la línea de la cubierta, generando un interior alto y curvo. Estos cielos modernos suelen estructurarse con materiales como hormigón, madera o acero, los cuales aportan la flexibilidad estructural necesaria para lograr el dramático efecto de una bóveda sin sus limitaciones históricas. La bóveda de arco de medio punto, en particular, parece haberse convertido en una de las formas predilectas del último tiempo por su geometría simple y elegante, así como por su capacidad para adaptarse a una gran variedad de estilos residenciales contemporáneos.

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En la preservación de la arquitectura, existen diversos enfoques posibles: desde tratar un edificio como un monumento estático, restaurándolo meticulosamente in situ al punto de limitar el acceso público, hasta estrategias adaptativas más flexibles que reprograman y modifican los espacios interiores conservando al mismo tiempo elementos arquitectónicos clave como la materialidad y la forma estructural. Sin embargo, un método se destaca, tanto por su ambición como por su controversia: desmantelar deliberadamente un edificio —ladrillo por ladrillo—, etiquetar y documentar meticulosamente cada pieza, y almacenarla hasta que surja un nuevo sitio, propósito o narrativa. Para luego volver a ensamblarlo, posiblemente para un uso completamente diferente. Aunque el contexto original se pierda, esta estrategia busca preservar el significado cultural a través de la transformación en lugar del estatismo. Esta es la historia de Murray House en Stanley, Hong Kong.

Construida originalmente en 1846 como alojamiento para oficiales militares británicos en el distrito de Central, Murray House fue uno de los primeros ejemplos de arquitectura neoclásica en Hong Kong, un vestigio único y perdurable del pasado colonial de la ciudad. Sus robustas columnatas de granito y su fachada simétrica se erigieron como un símbolo de permanencia clásica. Durante la ocupación japonesa de Hong Kong en 1941, la función del edificio se reconfiguró para albergar el centro de mando de la policía militar japonesa. Sobrevivió a la guerra y continuó albergando diversos departamentos gubernamentales durante las décadas de la posguerra.

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Dos estudiantes se sientan a un pupitre de distancia. Uno/a sobresale en ciencias; el/la otro/a tiene dificultades. Quien tiene éxito recibe elogios; quien se queda atrás, críticas. Mientras un/a estudiante gana confianza, el/la otro/a, poco a poco, la pierde. Es fácil asumir que la diferencia radica en el esfuerzo, la crianza o la capacidad innata. Sin embargo, ¿y si el verdadero factor determinante fuera el aula misma? Imagine que el/la estudiante que se retrasó en el aprendizaje se sentaba, día tras día, en un pupitre afectado por el deslumbramiento de ventanas mal ubicadas. Al tener asignado un asiento fijo, no podía moverse. Con el tiempo, esa pequeña pero constante distracción se convirtió en desinterés, y la apatía terminó por erosionar su confianza. Una reacción en cadena provocada no por la falta de empeño, sino por el diseño.

En la arquitectura contemporánea, el diseño de hoteles ya no se define únicamente por el lujo y el alojamiento. Por el contrario, se está convirtiendo en una plataforma para explorar cuestiones de identidad, ecología y significado cultural. Más allá de ofrecer habitaciones y servicios, los hoteles actuales buscan crear experiencias inmersivas que conecten a quienes viajan con las tradiciones, los paisajes y las comunidades locales. En esta selección curada de proyectos de hospitalidad no construidos, enviados por la comunidad de ArchDaily, propuestas especulativas y ganadoras de concursos ofrecen un vistazo al futuro del sector, donde la sostenibilidad y la narrativa son tan fundamentales como el confort y el estilo.

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El sector de la Arquitectura, Ingeniería, Construcción y Operación (AECO) viene atravesando, en las últimas décadas, un proceso de transformación digital sin precedentes. Desde la época en que los proyectos se representaban exclusivamente en papel —una realidad que perduró hasta principios de la década de 1980—, el área ya ha superado hitos importantes con la adopción del CAD (Diseño Asistido por Computadora) y, más recientemente, del BIM (Modelado de Información de Construcción). Ahora, se impone una nueva transición que promete ser aún más profunda. La Inteligencia Artificial (IA), que hasta hace poco parecía restringida a laboratorios o conceptos futuristas, comienza a ocupar un lugar práctico y estratégico en la manera en que diseñamos, construimos y gestionamos nuestros edificios y ciudades.

La arquitectura de jardines de infantes se ha distinguido desde hace tiempo por ser un ámbito donde convergen el diseño y la imaginación. A diferencia de la mayoría de las tipologías de edificios, estos espacios se conciben no solo para brindar refugio y funcionalidad, sino también para dar forma a las primeras experiencias de curiosidad, juego e interacción social. A lo largo de la historia, el diseño de estos centros ha evolucionado a la par de los cambios pedagógicos, transitando desde inicios modestos y utilitarios hacia entornos sumamente intencionados que estimulan tanto el aprendizaje como el asombro. En este contexto, la arquitectura se convierte en algo más que un simple telón de fondo: pasa a ser un educador silencioso, capaz de potenciar el desarrollo emocional, cognitivo y físico.

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Los niños y las niñas perciben el espacio de manera diferente a las personas adultas. Para ellos y ellas, el mundo aún no se ha racionalizado en función y circulación, sino que se experimenta a través de la emoción y la curiosidad. Mientras que las personas adultas suelen recorrer las habitaciones por hábito, la infancia las habita desde la inmediatez. Un haz de luz solar se convierte en un acontecimiento. La curva de un pasillo invita a deambular. El sonido de los pasos sobre la madera o la suavidad de una tela bajo la yema de los dedos no son un fondo, sino información. Aquello que las personas adultas pueden descartar como momentos periféricos media silenciosamente su sentido de seguridad, autonomía, pertenencia y posibilidad. La arquitectura es una oportunidad para que la pedagogía se materialice físicamente.

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La trayectoria de Susanna Moreira en la arquitectura estuvo marcada desde un inicio por su participación en la teoría y la investigación arquitectónica durante sus estudios de grado. Nacida en Salvador, Brasil, también ha vivido y estudiado en Milán y São Paulo; experiencias que han enriquecido su comprensión de las intersecciones dinámicas entre el arte, la arquitectura y los entornos urbanos. Estos intereses interdisciplinarios continúan guiando su enfoque curatorial y su trabajo editorial.

En su rol como curadora de proyectos de ArchDaily para los países de habla portuguesa, Susanna busca proyectos que aporten contribuciones significativas al discurso arquitectónico. Valora la originalidad, la calidad y la relevancia, cuestionando constantemente qué lecciones puede ofrecer una obra en términos de materiales innovadores, técnicas constructivas o enfoques conceptuales. En una era de sobrecarga informativa, considera que una curaduría meticulosa es fundamental para generar confianza, enriquecer el aprendizaje y destacar el trabajo que realmente sobresale.

El modelo de Diseño y Construcción (Design-Build) es un método de ejecución de proyectos cada vez más atractivo, que ofrece beneficios como un mayor control, reducción de riesgos, eficiencia de costos y plazos de entrega más cortos. En el centro de este enfoque se encuentran el trabajo en equipo y la colaboración, lo que contrasta drásticamente con el método tradicional de diseño independiente y licitaciones a precio cerrado por parte de los contratistas. Este modelo motiva de forma natural a todos los participantes a buscar maneras de aumentar la productividad y la calidad, garantizando la equidad y la transparencia en los costos.

El juego trasciende su dimensión recreativa y se convierte en un acto social que anima a los niños a aprender, interactuar, ser creativos y vincularse con su entorno espacial. Como señala Johan Huizinga en Homo Ludens, es un elemento fundamental de la cultura, donde los niños crean vínculos y exploran formas de coexistencia. De este modo, cuando la arquitectura de los espacios de juego excluye ciertos cuerpos o modos de participación, la experiencia colectiva se fragmenta y pierde parte de su significado. Así, diseñar con la inclusión en mente implica reconocer que el valor real del juego reside en su potencial de ser compartido por todos.

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Todos los materiales provienen de algún lugar y forman parte de una cadena de extracción, suministro, producción y eliminación que, según su escala, deja huellas más o menos significativas en el medio ambiente. En arquitectura, solemos abordar este recorrido desde la perspectiva de la circularidad de los materiales, considerando cómo pueden reincorporarse a los ciclos de producción en lugar de convertirse en desechos. Pero al ampliar la mirada hacia lugares inesperados, emergen sistemas paralelos donde los subproductos de una industria se transforman en recursos para otra. Este enfoque ha encontrado un terreno fértil en los residuos orgánicos convertidos en biomateriales, siendo uno de los ejemplos más recientes el trabajo de Fahrenheit Works. En su instalación From the Tagus to the Tile, reutilizan conchas de ostra desechadas por los sistemas alimentarios para reinterpretar los emblemáticos azulejos de Lisboa.

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Fundado en Shanghái en 2016, el estudio Atelier Tao&C abarca en su práctica el diseño en diversas áreas y escalas: desde una luminaria hasta un barrio, desde el interior de una vivienda urbana mínima hasta la renovación de una antigua casa de campo, y desde tiendas locales hasta comunidades juveniles. En paralelo a nuestra práctica profesional, nos enfocamos en temas de investigación como la renovación de edificios existentes y la organización de objetos en los espacios habitables.

Nuestros proyectos no están limitados por la tipología ni la escala. En cada proceso de diseño, prestamos especial atención a la escala, la tectónica, la proximidad y la intimidad, así como a la reconciliación entre el pasado y lo inmediato. A través de la exploración y comprensión de las tipologías, buscamos revelar las potencialidades de cada sitio.

Nuestro método de diseño consiste en retirarse al interior, permitiendo que el espacio crezca desde adentro y trascienda los límites, construyendo conexiones en los intersticios a menudo ignorados entre la arquitectura y el interiorismo. Buscamos crear un sentido de escala global, delicado y adecuado, tanto interior como exterior, mediante formas fundamentales, relaciones proporcionales claras y cambios inesperados de sección. Asimismo, buscamos descubrir materiales locales y métodos constructivos directos y cotidianos para transformarlos en una expresión profunda de la artesanía y el detalle, permitiendo que la vida se desarrolle con toda su complejidad dentro de la simplicidad.

Las obras del estudio han sido recopiladas en libros de editoriales como Gestalten y Phaidon, y publicadas ampliamente en prestigiosos medios de diseño nacionales e internacionales, tales como The Architectural Review, Domus, The Plan, AIT, Azure, Wallpaper*, ArchDaily, Dezeen, Yellowtrace y Divisare, entre otros.

Sitio web:   www.ateliertaoc.com

Cuenta de WeChat:  西涛设计工作室 (Atelier Tao&C)

Instagram:  atelier_taoc

En las comunidades indígenas de América del Sur, el lugar del niño es donde él desea estar. Los bebés gatean por el suelo de tierra, se acercan a las fogatas, investigan hormigueros, experimentan el mundo con todo su cuerpo. Aprenden sintiendo: descubren límites, reconocen peligros y recogen lecciones que ningún manual podría enseñar. En el escenario urbano, por otro lado, los niños suelen estar contenidos en espacios pensados para adultos, llenos de reglas que, aunque bien intencionadas, a menudo los alejan de experiencias vitales. Ante estas diferencias culturales, no nos corresponde juzgar cuál modelo es mejor, sino, más bien, percibir que, cuando culturas diferentes se observan, siempre hay espacio para aprender.

En el ámbito arquitectónico, esta infancia vivida con rara libertad de tiempo y espacio invita a repensar la forma en que moldeamos nuestro cotidiano: ¿por qué limitar la exploración espontánea de los niños en ambientes controlados? ¿por qué crear barreras físicas y simbólicas entre ellos y el mundo natural? Y, sobre todo, ¿cómo la arquitectura contemporánea podría romper este paradigma e, inspirada por el niño indígena, crear espacios que devuelvan a la infancia su dimensión más salvaje, curiosa y plena?

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A medida que el fervor por la inteligencia artificial sigue reconfigurando nuestra percepción del mundo, 2025 se perfila como un año más en la marcha hacia el avance tecnológico. Si bien a algunos les preocupa el dominio de la tecnología en la sociedad, los/las arquitectos/as están dirigiendo su atención hacia los cimientos del futuro digital: los centros de datos. El diseño de estos espacios desafía a los/las diseñadores/as a conciliar las exigencias de la funcionalidad tecnológica con los principios de la excelencia arquitectónica. Conforme se profundiza la dependencia de la computación en la nube, los ecosistemas de IoT y el análisis de big data, la arquitectura de los centros de datos exige una mayor atención. Ante el crecimiento exponencial del consumo de datos, las tasas de consumo de estas instalaciones aumentan al mismo ritmo. Estas estructuras, que alguna vez estuvieron relegadas a zonas industriales anodinas, se están convirtiendo en componentes integrales de los entornos urbanos y suburbanos. Aunque a algunos miembros de la comunidad les inquieta la proliferación de centros de datos en sus localidades, otros los consideran indicadores de desarrollo económico.

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En el diseño contemporáneo de jardines de niños en Japón y China, los equipos de arquitectura están transformando los espacios interiores, pasando de ser un simple contenedor a convertirse en un entorno multisensorial activo. Este cambio parece alinearse con estudios en psicología del desarrollo que sugieren que la experiencia espacial de los niños y las niñas comienza con una interacción sensorio-motriz a través del tacto y la manipulación. Por lo tanto, se hace un fuerte énfasis en el uso de materiales y en el enfoque del aprendizaje a través del juego. Los equipos de arquitectura parecen ir más allá de las aulas tradicionales para dar paso a entornos táctiles, estimulantes y arraigados en sus contextos específicos. Los edificios mismos se convierten en herramientas pedagógicas, incentivando a la niñez a aprender y explorar mediante una interacción física directa.

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Históricamente, la arquitectura ha producido muchos edificios icónicos moldeados por visiones singulares; a menudo, diseñados de manera unilateral para las personas usuarias, las comunidades y las ciudades. Si bien este enfoque vertical ha permitido una sólida coherencia formal y claridad conceptual, también ha priorizado la autoría por encima de la participación. El resultado: proyectos que pueden ser celebrados como visionarios, pero que a menudo se sienten desconectados de las realidades cotidianas de quienes los habitan.

Diseñar para otras personas es intrínsecamente complejo. Como profesionales de la arquitectura, con frecuencia se nos encomienda la tarea de crear entornos para comunidades con las que quizás no tengamos ninguna familiaridad personal o cultural. Sin embargo, esta distancia puede aportar una valiosa objetividad: nos permite abordar diversas perspectivas con una mirada fresca, analizando críticamente las necesidades y limitaciones de múltiples actores involucrados. A través de este proceso, la disciplina de la arquitectura ha avanzado, ampliando los límites del pensamiento espacial, la innovación de materiales y la experimentación estructural.

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Ya sea en concursos de diseño o en premios de arquitectura, los edificios suelen juzgarse por lo que ofrecen: sus funciones programadas, su forma o su deleite visual. Sin embargo, en una minoría de casos, es la ausencia o la reducción de la intervención lo que determina el éxito de un proyecto. En 1971, una propuesta que utilizaba únicamente la mitad del terreno disponible —cediendo el resto a la ciudad como espacio público— ganó un prestigioso concurso de arquitectura en París. En Londres, una propuesta para reconvertir una central eléctrica en desuso con mínimas adiciones, dejando grandes espacios intactos, se impuso en un concurso de diseño en 1994. Por su parte, el Premio Stirling, el galardón de arquitectura más prestigioso del Reino Unido, fue otorgado en 2017 a una propuesta que consistía en poco más que una plataforma vacía. Estos ejemplos de edificios culturales en el noroeste de Europa ilustran cómo la ausencia de intervención puede, en última instancia, ofrecer mucho más.

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Esta edición de Architecture Now reúne proyectos que exploran cómo la arquitectura está transformando los puntos de acceso globales, los destinos culturales y la vida urbana. El diseño de SOM para una nueva Sala de Llegadas y Salidas en Austin y la propuesta de Scott Brownrigg para Heathrow West destacan al aeropuerto como un umbral cívico, mientras que el complejo de tres torres de Kerry Hill Architects en Brisbane pone el énfasis en el espacio público y los paisajes subtropicales dentro de la vivienda de alta densidad. La torre frente al mar de Zaha Hadid Architects en Florida da continuidad a la tradición escultórica costera de Miami, y Japa Valley Tokyo, de Pharrell Williams y NIGO, introduce un distrito cultural temporal que fusiona arte, hospitalidad y comercio minorista. En conjunto, estas iniciativas reflejan cómo la infraestructura, el estilo de vida y el diseño se intersectan para definir la experiencia urbana contemporánea.

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Las casas patio encarnan una de las tipologías arquitectónicas más perdurables, sintetizando la dualidad entre apertura y aislamiento a la vez que fomentan una profunda conexión con la naturaleza. Si bien en el sector inmobiliario estadounidense contemporáneo el término también se utiliza para describir viviendas de una sola planta y bajo mantenimiento en lotes pequeños, su significado arquitectónico clásico se refiere a un diseño introvertido organizado en torno a un patio central privado. Es esta forma tradicional, objeto de este artículo, la que remonta sus orígenes miles de años atrás. Las casas patio surgieron de manera independiente en diversas regiones, respondiendo de forma universal a necesidades humanas fundamentales: privacidad, adaptabilidad climática y coherencia espacial. A pesar de sus diversas expresiones geográficas y culturales, los principios básicos de introversión, apertura controlada y sensibilidad ambiental se mantienen notablemente constantes a lo largo de la evolución de esta tipología.

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Durante casi 65 años, la marca DETAIL ha sido sinónimo de una investigación meticulosa y de una documentación arquitectónica exhaustiva. Los artículos de la revista y sus libros especializados demuestran cómo se planifica, diseña y ejecuta una arquitectura sobresaliente, aportando un conocimiento profundo sobre construcción, tipologías de edificios y aspectos técnicos de la disciplina.

DETAIL ha ganado un reconocimiento especial por sus dibujos constructivos, investigados minuciosamente por el equipo de redacción y redibujados por un equipo interno de CAD bajo un estilo estandarizado.

¿Qué lógicas y dinámicas envuelven la concepción de una arquitectura en diálogo con el territorio y el paisaje? ¿Cómo la topografía determina el proceso de diseño y desarrollo de los proyectos arquitectónicos? Fundada en Santiago de Chile hacia el año 2012, la oficina de arquitectura WHALE! trabaja considerando los conceptos de territorio y paisaje como ejes de estudio y reflexión en la búsqueda de entender como la arquitectura no solo es capaz de diseñar espacios sino también de dar forma a la manera en que los seres humanos viven, sienten y se relacionan con el mundo.

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El concreto dista mucho de generar consenso. Hay quienes lo aman y quienes lo odian. Puede sentirse tan duro como el granito o tan suave como el terciopelo, dependiendo enteramente de las manos que lo moldeen. Tratado con precisión de ingeniería o con una sensibilidad artística, el concreto deja de ser un simple material para cobrar vida propia. Juega con la luz, sorprende por su textura y, de algún modo, da forma al silencio. A pesar de su densidad y carácter estructural, puede adquirir una presencia casi inmaterial: ligera, etérea y contemplativa. En ciertos espacios parece desaparecer, disolviéndose en las sombras o vibrando con la luz del entorno. Más que un mero elemento constructivo, se convierte en un lenguaje capaz de evocar emoción, espiritualidad y tiempo.