Alero Olympio (1959-2005) fue una arquitecta y constructora conocida por un enfoque profundamente ecológico de la arquitectura. Nacida en Ghana, dividió su práctica profesional entre su país natal y Escocia. Se enfocó en un trabajo que priorizaba a las personas y asumió un compromiso sincero con la sostenibilidad social y ambiental, privilegiando el uso de materiales de origen local.
Su legado arquitectónico abarca desde obras construidas como el Instituto Kokrobitey hasta su defensa de las construcciones de tierra, investigaciones sobre productos forestales sostenibles y mucho más. Sin embargo, existe un vacío en los archivos institucionalizados de su obra, lo que ha impulsado los esfuerzos actuales por construir un registro exhaustivo de sus contribuciones. En este sentido, la conferencia anual de 2024 de Womxn in Design and Architecture (WDA), organizada por la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Princeton, realizó un aporte significativo. El evento incluyó exposiciones, seminarios y mesas de discusión que reflexionaron sobre el legado de Alero Olympio y examinaron las perspectivas arquitectónicas que su obra sigue ofreciendo.
La tienda física de Benetton imitará su entorno virtual. Imagen cortesía de Benetton
La evolución del diseño de retail exige un análisis de la práctica arquitectónica en el ámbito digital. Si bien los espacios comerciales físicos han sido el centro convencional de las experiencias de compra, la frontera emergente del metaverso —una red interconectada de entornos virtuales en 3D— señala una transformación trascendental en las interacciones entre marcas y consumidores/as. Para los/las arquitectos/as, este espacio liminal ofrece un lienzo único, libre de las limitaciones materiales que tradicionalmente han moldeado la conceptualización del diseño. El metaverso es un nuevo territorio donde la arquitectura de la imaginación puede realizarse plenamente, invitando a una reconceptualización de las posibilidades del diseño de retail.
Oficina de Slack en Toronto / Dubbeldam Architecture + Design. Imagen cortesía de Alcon Lighting
La iluminación ha evolucionado notablemente a lo largo de la historia de la arquitectura, impulsada por importantes avances tecnológicos. A pesar de estos cambios, su propósito central de mejorar la estética, la funcionalidad y la seguridad se ha mantenido constante. En este proceso de evolución, se puede identificar un hito con la transición de la iluminación fluorescente a la iluminación LED, lo que marcó un punto de inflexión que ha reducido los costos y el consumo de energía. Además, ha estimulado la creatividad gracias a la versatilidad de la iluminación LED. Estas nuevas posibilidades de diseño son evidentes en distribuciones de iluminación orgánicas, las cuales imitan patrones lineales de disposición lumínica en muros y techos, ya sea de forma suspendida o empotrada.
En este contexto, a medida que los/las arquitectos/as y diseñadores/as se alejan de los patrones de espejo simétricos, rígidos y paralelos, Alcon Lighting ha detectado una tendencia donde la iluminación lineal destaca rasgos y líneas arquitectónicas asimétricas. De este modo, se están adoptando configuraciones que parecen no seguir un patrón de diseño rígido.
https://www.archdaily.cl/es/1139417/explorando-el-diseno-de-iluminacion-lineal-para-crear-caminos-luminososEnrique Tovar
En todas las ciudades, los proyectos de vivienda urbana representan la mayor parte del entorno construido, lo que refleja un complejo tejido de necesidades sociales y visiones arquitectónicas. Esta selección de proyectos no construidos enviados por la comunidad de ArchDaily ofrece una mirada a la interacción dinámica entre las limitaciones del diseño y las oportunidades creativas. Desde la revitalización de fragmentos urbanos hasta la exploración de métodos constructivos innovadores, los/las arquitectos/as navegan por un terreno marcado por los imperativos de la sostenibilidad, la inclusión comunitaria y las dinámicas urbanas en constante evolución.
La diversidad de proyectos de vivienda urbana no construidos que se presenta aquí subraya la amplitud de las intervenciones arquitectónicas, caracterizadas por su compromiso con la sostenibilidad y la inclusión. Desde propuestas que incorporan nuevos materiales de construcción —como sistemas estructurales de madera— hasta aquellas diseñadas para maximizar la luz solar o involucrar a la comunidad en general, la selección curada de esta semana muestra proyectos de vivienda colectiva no construidos de diversas partes del mundo.
Como seres humanos, vivimos bajo la reconfortante ilusión de que somos dueños de nuestro propio destino, personas de voluntad firme e impermeables a las influencias. Sin embargo, el papel crucial que desempeña el diseño de interiores en el éxito de los espacios comerciales demuestra lo contrario. Cada aspecto de estos entornos se diseña meticulosamente para incentivar a la clientela a gastar su dinero —y a sentirse a gusto al hacerlo—, desde la iluminación y la temperatura hasta la acústica y, quizás lo más importante, el paisaje visual.
Ya sea atrayendo a la clientela con un individualismo cautivador, relajándola a través del lujo y la hospitalidad, proyectando un mundo sofisticado donde coexistan público y producto, o bien ofreciendo sutiles estímulos para explorar a fondo y descubrir más, la influencia que las superficies de un entorno comercial ejercen sobre su éxito es enorme.
Con una afluencia superior a los 30,000 visitantes, la instalación de GROHE SPAen la Pinacoteca di Brera durante la Semana del Diseño de Milán 2023 dejó una huella imborrable, lo que le valió el premio Red Dot 'Best of the Best'. Tras este éxito, GROHE regresa a la Semana del Diseño de Milán 2024 con una experiencia inmersiva en uno de los escenarios más prestigiosos de la ciudad: el Palazzo Reale. Este antiguo palacio real, ubicado cerca del Duomo, funciona como un nodo cultural y alberga exposiciones de arte de talla internacional, lo que lo convierte en el marco ideal para GROHE SPA —su submarca de gama alta— y para celebrar el poder revitalizante del agua.
Del 16 al 21 de abril, el patio del histórico Palazzo Reale de Milán se transformará en un espacio de exhibición. Concebida por el equipo interno de Identidad de Marca y Diseño Global de LIXIL, la instalación rinde homenaje a la historia del edificio evocando su pasado y entrelazándolo con el concepto contemporáneo de GROHE SPA "Salus per aquam" (del latín, "salud a través del agua").
Las viviendas modulares son casas construidas parcial o totalmente en una fábrica. Este proceso consiste en la creación de una serie de "módulos" tridimensionales que se entregan en el sitio siguiendo un patrón espacial predeterminado para luego ensamblarse en un producto terminado. Estas viviendas se han convertido en soluciones populares ante las crisis de vivienda, ya que pueden producirse un 50% más rápido y emiten la mitad de contaminación.
Sin embargo, la procedencia local de los materiales utilizados es un factor significativo que otorga carácter a las viviendas, ya que transmite un sentido de lugar, cultura, historia constructiva y artesanía local. Esto plantea interrogantes sobre su papel en la vivienda modular: ¿pueden utilizarse materiales locales en la producción de casas en fábrica? ¿Es posible combinarlos con una estructura modular y uniones temporales? ¿Cuáles son las limitaciones de construir viviendas modulares en los contextos locales del Sur Global?
The Second Studio (anteriormente conocido como The Midnight Charette) es un pódcast sin filtros sobre diseño, arquitectura y la vida cotidiana. Conducido por el arquitecto David Lee y la arquitecta Marina Bourderonnet, el programa presenta a diferentes profesionales de las industrias creativas en conversaciones espontáneas que dan lugar a reflexiones profundas y debates personales.
Se aborda una gran variedad de temas con honestidad y humor: algunos episodios son entrevistas, mientras que otros ofrecen consejos para colegas del diseño, reseñas de edificios y otros proyectos, o exploraciones informales sobre la vida cotidiana y el diseño. The Second Studio también está disponible en iTunes, Spotify y YouTube.
Esta semana, David y Marina, de FAME Architecture & Design, conversan sobre el programa arquitectónico. Ambos analizan qué significa el programa en la arquitectura, por qué es importante, cómo se desarrolla e implementa, y presentan ejemplos de cómo aprovecharlo para lograr un diseño creativo.
https://www.archdaily.cl/es/1139653/the-second-studio-podcast-el-programa-como-el-secreto-de-la-gran-arquitecturaThe Second Studio Podcast
La Semana del Diseño de Milán se consolida como uno de los eventos más importantes del calendario de diseño global, funcionando no solo como un escaparate de innovación, sino también como un catalizador para el discurso crítico y el intercambio creativo. Este año, el evento se despliega con una multitud de exposiciones, instalaciones y charlas que tendrán lugar en todo Milán durante la semana del 15 al 21 de abril de 2024. Al reunir diversas voces, perspectivas y talentos, la Semana del Diseño de Milán adquiere gran relevancia para los y las profesionales de la arquitectura, funcionando como un nexo para el diálogo interdisciplinario. Para ayudarte a navegar mejor por la gran cantidad de eventos, conferencias e instalaciones, este artículo destaca los principales espacios que albergan actividades relevantes para arquitectos/as y diseñadores/as, desde la monumental feria comercial Salone del Mobile en Rho Fiera hasta los distritos de diseño repartidos por la ciudad y locaciones inesperadas ocultas en patios de palacios o en sitios de patrimonio industrial reinventados.
Cortesía de Geometrium Studio | Complejo de Villas Olympus
Reconocidos desde hace tiempo como refugios de relajación y lujo, los resorts ofrecen a sus huéspedes un escape de la cotidianidad de la vida diaria. Estos santuarios buscan brindar alojamientos lujosos, ubicaciones escénicas y experiencias integrales. Desde playas bañadas por el sol hasta refugios de montaña o rincones aislados en plena naturaleza, los resorts pueden adoptar diversas formas, cada una de las cuales ofrece una experiencia única. La historia del diseño de resorts por parte de los y las arquitectos/as está entrelazada con el desarrollo de la industria de la hospitalidad y el concepto del viaje de ocio. En el ámbito de la arquitectura, los resorts permiten a los y las diseñadores/as fusionar la funcionalidad con un estilo de vida lujoso, creando espacios que ofrecen experiencias que van más allá de las simples residencias.
El complejo multifuncional “Next Collection” en Georgia, diseñado por SPECTRUM Architecture, ilustra esto al adoptar formas orgánicas que se mimetizan con la costa, mientras que “Ethereal Mountains”, del Maden Group en Albania, busca fomentar la participación de la juventud en un paisaje impresionante. En Indonesia, el complejo de villas “Olympus”, de Geometrium Studio, presenta un concepto estructural único en el que la cubierta de cada villa funciona como la terraza de la unidad superior, evocando los campos de arroz de Bali. En la selección curada de esta semana de resorts no construidos, enviados por la comunidad de ArchDaily, estos temas se exploran en diferentes entornos y condiciones de diseño.
Impulsados por un espíritu vanguardista, AMDL CIRCLE, el equipo de Michele De Lucchi, se ha asociado con Mara para diseñar una nueva silla, TYPO. Imagen cortesía de Mara
Quienes me conocen saben que me encanta hacer preguntas. Probablemente demasiadas. Sin embargo, al reunirse con el gran referente de la arquitectura y el diseño italiano, Michele De Lucchi, uno se convierte en todo oídos, tal es el calibre de su pensamiento y la elocuencia de su expresión, forjados a lo largo de más de medio siglo de una práctica creativa experimental y, en ocasiones, iconoclasta. Desde su participación en colectivos de diseño de vanguardia como Studio Alchimia y Memphis, hasta la creación de la lámpara Tolomeo —ganadora del Compasso d'Oro— y la cafetera Pulcina, ha visto y hecho de todo.
«La Mindfulness City será una ciudad sostenible. Ser consciente de uno mismo es estar atento, para rendir al máximo», afirmó Giulia Frittoli, socia y directora de paisajismo en BIG. El Reino de Bután es un país budista sin salida al mar en el Himalaya oriental, enclavado entre China e India. Tiene una superficie de 36,000 kilómetros cuadrados y una población de casi 800,000 habitantes.
La Oficina Real de Bután encargó a BIG, Arup y Cistri el desarrollo del plan maestro para una nueva Mindfulness City en Gelephu, al sur de Bután, cerca de la frontera con la India. La urbe abarcará unos 1,000 kilómetros cuadrados e incluirá un nuevo aeropuerto internacional, conexiones ferroviarias, una represa hidroeléctrica, una universidad, un centro espiritual y espacios públicos.
La arquitectura tradicional suele percibirse como arquitectura histórica, tanto por el público general como por los y las profesionales del diseño. Dicho de otro modo, “tradicional” equivale a “estilo”. No existe una conciencia del proceso de tradición que da origen a lo que más tarde se considera un estilo. El modernismo lleva esta percepción un paso más allá y define la arquitectura tradicional como algo “ajeno a nuestra época” y, por lo tanto, obsoleto.
Propuesta de casa modular. Imagen cortesía de Han Kuo
La vivienda es una tipología arquitectónica diversa cuya configuración está determinada no solo por quienes la diseñan, sino también por el uso que le dan quienes la habitan. Por lo tanto, los hogares son estructuras fundamentalmente adaptables que evolucionan a la par de su época y de sus habitantes, experimentando cambios constantes que se manifiestan en las formas de vivir. La casa concebida hoy no será la misma que se construirá mañana, por lo que resulta necesario mantener un enfoque crítico y profundo sobre el papel que desempeña en el entorno construido.
En este sentido, la arquitectura modular se ha presentado de manera constante como una estrategia de diseño dinámica que ha revolucionado la vivienda, desarrollando soluciones versátiles para espacios y prácticas constructivas sostenibles. De este modo, la vivienda modular ha sido un terreno fértil para explorar y profundizar en las formas de habitar el espacio y responder a las necesidades humanas. Desde las casas de catálogo prefabricadas del siglo XIX hasta el auge de la vivienda posterior a la Segunda Guerra Mundial, su evolución refleja tanto las propuestas del pasado como la exploración de nuevos conceptos para el futuro.
https://www.archdaily.cl/es/1139413/como-se-puede-utilizar-el-diseno-modular-para-revolucionar-la-arquitectura-de-la-viviendaEnrique Tovar
Ante el aumento en los costos de los materiales de construcción, las empresas constructoras y desarrolladoras buscan alternativas a los métodos tradicionales de edificación para hacer frente a la escasez de vivienda. Frente a este panorama, el sector de la impresión 3D emerge como un campo de tecnología aplicada a la construcción en plena expansión. Esta tecnología promete una ejecución más rápida y económica, además de la posibilidad de extruir materiales reciclados y de origen local. Sin embargo, dada la lentitud con la que suele transformarse la industria de la edificación, parece poco probable que a corto plazo ocurra un giro radical que implique el despliegue de maquinaria de impresión 3D a gran escala en la obra y una reestructuración total del proceso constructivo.
La vivienda modular prefabricada e impresa en 3D ofrece una solución atractiva, ya que aporta los beneficios de los avances en impresión 3D al tiempo que aprovecha la maquinaria y la mano de obra estándar de la construcción. En la construcción con impresión 3D fuera de la obra (off-site), no es necesario trasladar enormes impresoras al terreno. En su lugar, los componentes se fabrican en un entorno controlado para luego ensamblarse en la obra. Este tipo de kits modulares de piezas residenciales impresas en 3D ya se están fabricando y atraen importantes inversiones.
Muchos edificios religiosos del antiguo Egipto, Grecia y el mundo islámico comparten una característica común conocida como el espacio hipóstilo. Definida como una serie de columnas alineadas que sostienen una cubierta, esta solución se desarrolló en distintas culturas y períodos históricos, lo que explica la variedad de materiales, formas, dimensiones y distancias entre apoyos que pueden encontrarse en todo el mundo. Entre los ejemplos más célebres de la aplicación de este concepto se encuentran la Gran Sala Hipóstila (c. 1290–1224 a. C.), que forma parte del complejo del Templo de Karnak y es uno de los monumentos más visitados del Antiguo Egipto, y las Mezquitas hipóstilas de madera de la Anatolia medieval (entre el siglo XIII y mediados del XIV), un sitio declarado Patrimonio de la Humanidad ubicado en la actual Turquía.
En la arquitectura contemporánea, es posible encontrar diversos ejemplos de cómo se revitaliza este concepto. Mientras que algunos proyectos emplean el concepto para remitir a arquitecturas vernáculas afines al programa y uso del edificio propuesto —como ocurre en ciertas mezquitas—, otros apuestan por la abstracción del término mediante una interpretación que destaca los pilares y su disposición en la configuración espacial. En todos ellos, no obstante, resulta evidente que la relación entre la inspiración hipóstila y la arquitectura modular es estrecha, prácticamente intrínseca.
Sin duda alguna, Airbnb ha transformado por completo la industria de la hospitalidad, inspirando un ecosistema de empresas que aprovechan la economía colaborativa, como las startups de alojamiento compartido o co-living. Si bien estas compañías han alcanzado un éxito financiero impresionante, también se argumenta que generan efectos problemáticos a escala urbana. Se alega que Airbnb, en particular, ha impulsado un aumento en los precios de los alquileres en ciudades que ya se enfrentan a serios problemas de asequibilidad de la vivienda. De manera muy similar al impacto de Uber en la movilidad urbana, el rápido crecimiento de Airbnb ha planteado desafíos significativos para los gobiernos locales, lo que exige una regulación integral y una reevaluación de su funcionamiento a escala de la ciudad.
El arte puede ser un catalizador para que los y las arquitectas observen el entorno construido desde otra perspectiva. Ofrece una oportunidad única de adentrarse en los puntos de vista de profesionales de la arquitectura de formación que han transitado hacia las artes visuales, así como de artistas que exploran las ciudades y sus dinámicas internas a través de sus historias personales.
Ubicada en la ciudad de Nueva York, la Bienal del Whitney es considerada la muestra de arte contemporáneo más importante y de mayor trayectoria en los Estados Unidos. Junto con la Bienal de Venecia, se sitúa como una de las exposiciones artísticas periódicas más relevantes a nivel mundial. El tema de este año, "Even Better Than the Real Thing" (Incluso mejor que lo real), profundiza en conceptos de identidad y autonomía corporal, amplificando las voces de quienes históricamente han sido marginados/as. Esto implica explorar relatos que examinan el vínculo entre las narrativas personales y la creciente sensación de precariedad en torno al mundo construido. Presentamos aquí a los y las artistas de la Bienal del Whitney de este año que abordan temas relacionados con la arquitectura y las ciudades.
No soy de ningún modo especialista en asociaciones público-privadas. No obstante, durante unos 10 años, en mi calidad de planificador/a de campus y, posteriormente, arquitecto/a de campus de la Universidad de California en Berkeley, observé el desarrollo de estas iniciativas en la educación superior; a veces desde la primera fila, otras veces como participante directo/a. En aquel entonces, esta estrategia, promovida con gran entusiasmo y optimismo, se presentaba como la solución a cualquier problema que surgiera. Sin embargo, la definición de lo que constituía una asociación público-privada resultaba imprecisa. El concepto mismo parecía adaptarse a cualquier expectativa, según lo que se requiriera, quién lo recomendara y qué equivalentes (si es que los había) existieran fuera de la universidad. Esta tendencia sigue vigente hoy en día, lo que hace aún más importante definir con precisión los pros y los contras de esta estrategia de desarrollo, no solo para las instituciones de educación superior, sino para toda toma de decisiones en el ámbito público.
https://www.archdaily.cl/es/1139574/son-los-desarrollos-con-fines-de-lucro-coherentes-con-los-valores-de-una-universidad-publicaEmily B. Marthinsen
Buildner ha anunciado los resultados de su concurso Museum of Emotions, un certamen internacional de diseño que se celebra anualmente y que desafía a los y las participantes a explorar hasta qué punto la arquitectura puede ser utilizada como una herramienta para evocar emociones.
El encargo solicitaba el diseño de un museo conceptual con dos salas de exposición: una diseñada para inducir emociones negativas y la otra para provocar emociones positivas. Los y las participantes tenían absoluta libertad para elegir cualquier sitio de su agrado, real o imaginario, así como la escala del proyecto. El significado de "positivo" y "negativo" queda abierto a la interpretación: ¿Qué dos emociones contrapuestas consideraría un diseñador o diseñadora? ¿Cómo podría un arquitecto o arquitecta concebir espacios que evoquen miedo, ira, ansiedad, amor o felicidad?
A partir de una nueva colaboración, Trimo y Pininfarina han presentado el sistema de muros Qbiss Notch, estableciendo un nuevo estándar en el diseño arquitectónico. Esta alianza combina la experiencia en ingeniería de Trimo con la trayectoria de innovación en diseño de Pininfarina, introduciendo un sistema de muros metálicos modulares prefabricados que promete redefinir el panorama estético y funcional de la arquitectura moderna.
La Semana del Diseño de Milán rara vez deja de ofrecer muestras cautivadoras de diseño e innovación.
Una de las exposiciones de este año, creada por Swatchbox, transmite el “verdadero costo” de los enfoques tradicionales de la construcción. La plataforma de muestras, fundada por profesionales de la arquitectura para ofrecer métodos sostenibles de obtención de muestras a la comunidad del diseño, inauguró su provocadora exhibición en el corazón del Brera Design District de Milán.
La muestra confronta con audacia el problema del desperdicio inherente a las prácticas tradicionales de construcción. Instalada en una oficina de Brera que habitualmente ocupa un estudio de arquitectura de Milán, la exposición exhibe una gran pila de materiales de construcción que suelen terminar en los vertederos. Estos materiales están meticulosamente organizados para evidenciar el enorme volumen de residuos que genera la comunidad del diseño.
Simone Farresin, del estudio italiano Formafantasma, reflexiona sobre su práctica junto a su socio/a Andrea Trimarchi, su trabajo y los diversos enfoques de sus proyectos. Asimismo, aborda su participación en la Semana del Diseño de Milán y el rol político de los/las creativos/as en el mundo.
https://www.archdaily.cl/es/1139256/simone-farresin-de-formafantasma-sobre-la-semana-del-diseno-de-milan-y-la-responsabilidad-de-los-las-disenadores-asArchDaily Team
