La arquitectura contemporánea de Japón ha sido, desde hace mucho tiempo, una de las más inventivas del mundo, reconocida por su sostenibilidad y creatividad infinita. Al menos siete arquitectos/as japoneses/as han sido galardonados/as con el Premio Pritzker.

Acompañe al fotógrafo Frédéric Chaubin en un viaje único que abarca siglos a través de Europa. Con imágenes de más de 200 edificios en 21 países, Stone Age presenta la historia y la arquitectura de los castillos medievales más espectaculares del continente en una colección sin precedentes.

Tras Tadao Ando, Toyo Ito y Fumihiko Maki, Kengo Kuma ha insuflado un renovado vigor y ligereza a la arquitectura japonesa. Alejándose del rascacielos modernista del siglo XX, Kuma recorrió su Japón natal para desarrollar un enfoque verdaderamente sostenible, traduciendo la artesanía y los recursos locales en edificios oportunos y específicos para cada lugar. Inspirado por la tradición y con los pies firmemente plantados en el presente, este «materialista» anuncia una nueva arquitectura táctil marcada por sus superficies cautivadoras, estructuras innovadoras y formas fluidas, reconectando a las personas con la fisicidad de la casa. El objetivo de Kuma, por encima de todo, es «simplemente respetar la cultura y el entorno del lugar donde estoy trabajando».

Recién publicado y disponible para su compra en línea, The Future of Modular Architecture presenta una propuesta sin precedentes para viviendas modulares de media y gran altura personalizadas en masa, que pueden fabricarse y distribuirse a escala global. La tesis del libro surge de la idea de que adoptar los estándares dimensionales del sistema de transporte de carga intermodal existente es la clave para lograr economías de escala significativas.

El Museo de Arte Amos Rex de JKMM Architects estableció un nuevo estándar sobre lo que puede ser un museo de arte, redefiniéndolo como un espacio tanto para el arte como para la interacción social, al tiempo que presenta una experiencia arquitectónica innovadora y emocionante en el centro de Helsinki que invita activamente a la participación pública.

No hay duda: la vida es mejor junto al mar. El aroma de la brisa marina, el sonido de las olas al romper y esa sensación de liberación que envuelve la vida costera resultan fascinantes. Este estilo de vida de descanso también trasciende a la arquitectura local y al diseño de interiores mediante el uso de técnicas tradicionales, materiales naturales y una decoración ecléctica. Desde humildes cabañas de playa hasta impresionantes refugios en lo alto de acantilados, Life’s a Beach lleva a los/las lectores/as a conocer extraordinarias viviendas costeras alrededor del mundo, cada una caracterizada por su ubicación, clima y cultura particulares. Ya sea el encanto angloamericano de las elegantes casas de playa de la Costa Este, que ofrecen tanto una sensación de amplitud como refugios íntimos para el recogimiento; las paredes blancas y los suelos de madera clara de las casas escandinavas junto al mar; el enfoque mediterráneo de los interiores que combina una reducción austera con una profunda comprensión de los materiales utilizados; las moradas playeras del sudeste asiático que celebran una artesanía centenaria; o el «brutalismo tropical» de América Latina: las viviendas presentadas aquí han encontrado formas nuevas e ingeniosas de interpretar los lenguajes de diseño clásicos.
Lo que las une y, a la vez, las diferencia es el compromiso de reflejar las personalidades y estilos de vida individuales de sus propietarios/as. Cada una es un lienzo para la expresión creativa que busca evitar los clichés de la decoración costera y, en cambio, pretende reflejar y preservar historias significativas sobre su entorno local y la comunidad permanente que allí habita.

Situada en la encrucijada entre lo extranjero y lo vernáculo, Quito —la capital de Ecuador, con su entorno construido mundialmente famoso pero poco estudiado— se erige como un testimonio de la condición intermedia arquitectónica. Este libro entrelaza historia y teoría para explorar cómo las influencias cercanas y lejanas han dado forma a su carácter único.

Este libro trata sobre el entorno terapéutico de los centros Maggie’s y explora las diversas formas en que este se logra. Gracias a una arquitectura poco convencional, tal como lo exige el programa de diseño, combinada con el programa de apoyo psicológico de Maggie’s, esta instalación sanitaria especial permite alcanzar efectos terapéuticos extraordinarios en las personas, hasta el punto de que se puede hablar de un poder terapéutico.

"Wit-ness to Mat-Haroo Spirit" es una serie de historias escritas de forma encantadora por los/las arquitectos/as Gurjit Singh Matharoo y Vagish Naganur, que arrojan luz sobre las relaciones matizadas y los desafíos a los que se enfrentan los/las profesionales de la arquitectura. Estas anécdotas abarcan una carrera de 30 años y ofrecen una visión fascinante del funcionamiento interno de un prestigioso estudio, un territorio inexplorado hasta ahora en la literatura arquitectónica. Repleto de un humor autocrítico, el libro nos brinda una mirada peculiar sobre el lugar especial que ocupa la profesión, trascendiendo los meros edificios físicos para simbolizar la cultura, la historia y las conexiones humanas. Las historias profundizan en temas como el amor, la pérdida y la naturaleza transitoria de la existencia humana, grabados profundamente en las páginas de este libro.

Una perspicaz colección de ensayos sobre el letrero, un elemento a menudo pasado por alto. Cada capítulo explora la extraordinaria conexión que la cultura y la sociedad mantienen con este objeto cotidiano. El libro combina una visión histórica, una taxonomía gráfica y una crítica de diseño sobre once tipos de señalización, abarcando desde letreros de prohibición hasta los de farmacias, y todo lo que se encuentra en medio. Cada capítulo desvela el razonamiento y la lógica detrás de cómo y por qué nuestro entorno construido se encuentra señalizado de esa manera, desde los letreros más sencillos hasta los de mayor escala.

El libro ofrece un nuevo marco conceptual e histórico para el estudio de la obra de Kocher, reubicándola dentro de la historia de la arquitectura moderna estadounidense. La labor de Kocher como diseñador independiente ha recibido muy poca atención crítica. El libro dedica varios capítulos a esta faceta poco conocida de su práctica, lo resitúa como uno de los principales protagonistas de la historia de la arquitectura moderna estadounidense y revela la profunda relación entre sus diseños y las tradiciones domésticas existentes en el país. El concepto de lo vernáculo de Kocher incluía no solo los distintos tipos residenciales de la América colonial y de la temprana época republicana, sino, lo que es más importante, otros tipos de artefactos habitacionales de transición. Este libro busca aportar pruebas sobre la intención de Kocher de utilizar estos artefactos vernáculos, junto con los conceptos de prefabricación e industrialización inherentes a ellos, como base para construir una nueva arquitectura nacional en la que injertar la tradición modernista europea.

Las ciudades son hiperobjetos culturales infinitos que contienen capas de historia, vida contemporánea, materiales, capital, infraestructura y sueños futuros de lo que está por venir. A veces llamamos a estos sueños "planes de diseño urbano": dibujos bidimensionales destinados a capturar nuestras aspiraciones para el futuro de un lugar. Sin embargo, estos planes suelen ser imágenes estáticas o, peor aún, masas edificadas sin personas, narrativas o siquiera referencias a las historias contextuales.

El/la arquitecto/a Andrew Frontini transforma la monografía arquitectónica en un vehículo narrativo para revelar con franqueza el funcionamiento interno del proceso creativo del/de la arquitecto/a a medida que se cruza con las necesidades en constante evolución de nuestra sociedad. Once inserciones narrativas se integran en el cuerpo de la monografía, ofreciendo una experiencia de lectura paralela: una que va más allá de la pulida fotografía arquitectónica y los dibujos seleccionados para revelar las lecciones conmovedoras, a menudo absurdas y ocasionalmente dolorosas, que acompañaron la gestación de cada proyecto. Cada edificio tiene una historia que contar y, en conjunto, estas historias trazan el camino que puede seguir la carrera de un/a arquitecto/a. Poblado de contratistas astutos, leyendas inspiradoras del diseño (como la fallecida Cornelia Oberlander), burócratas inflexibles, socios senior obstinados, mentores, estudiantes, rivales y colaboradores de todo tipo, el camino de Frontini navega por revoluciones tecnológicas, economías precipitadas y amenazas sociales que desafían la noción misma de lo que la arquitectura debe ser. Con franqueza, humor y una filosofía de diseño fundamentalmente abierta a las sugerencias, Frontini convierte su experiencia personal en un conjunto de reflexiones universales que seguramente informarán, inspirarán y consolarán a arquitectos/as (y a los/las curiosos/as de la arquitectura) en cualquier etapa de su trayectoria.

Una mirada fascinante al pasado industrial de Gran Bretaña, evidenciado a través de sus edificios y ricamente ilustrado con intrincados dibujos lineales.

La industria de la construcción contemporánea es adicta a los nuevos materiales en una era que exige prácticas más inteligentes. La industria del hormigón por sí sola representa el 8% de las emisiones globales de CO2, con una atención alarmantemente escasa hacia la inevitable obsolescencia de dicho material. Estos edificios están destinados al vertedero, donde el hormigón ocupa la gran mayoría de esa masa. THE CANNIBAL’S COOKBOOK extrae soluciones de una práctica antigua conocida como mampostería ciclópea: una técnica que consume inteligentemente los escombros del parque edificado para generar nuevas estructuras. Este libro contextualiza dichas prácticas, descifra los misterios integrados en sus geometrías crípticas y ofrece una serie de recetas que pueden adaptarse, automatizarse y aplicarse en la actualidad. ¿Se encuentra la clave para reciclar nuestros materiales de construcción encerrada en los crípticos muros de mampostería ciclópea, sospechosos de haber sido construidos por gigantes primordiales? THE CANNIBAL’S COOKBOOK desafía las prácticas inadecuadas que rodean al hormigón al aprender de los mitos y leyendas del canibalismo arquitectónico.

En la China rural, una ola informal de construcción, impulsada por las transformaciones económicas y sociales de los últimos 40 años, ha vuelto irreconocibles a algunas aldeas. El auge constructivo resultante, que se desarrolla en un contexto de escasa regulación, ha generado densidades más propias de las zonas urbanas. Paralelamente, la disponibilidad de nuevos materiales y métodos de construcción industrial ha dado lugar a notables experimentos híbridos en los que los/las autoconstructores/as rurales adaptan, modifican, injertan, dividen y envuelven las tipologías tradicionales. Estas soluciones inesperadas e innovadoras abordan algunos de los temas más pertinentes de la arquitectura contemporánea.
As Found Houses sostiene que la evolución diversa de lo vernáculo forma parte de la práctica cotidiana de la vida de los/las habitantes de las aldeas. El libro documenta sorprendentes decisiones de diseño en la arquitectura doméstica de la China rural y constituye un recurso para reflexionar sobre nuevas formas de convivencia.

Este libro es la obra de toda una vida de Michele Saee. Una colección de proyectos —construidos, no construidos, conceptuales y experimentales— que abarca más de tres décadas. Incluye
más de 50 proyectos en diversas ciudades, países y continentes, todos con programas, escalas y dimensiones distintas, situados en emplazamientos que van desde las laderas de Tempio, en Cerdeña (Italia), hasta los Campos Elíseos en París (Francia), pasando por el frente costero del Pacífico en California (EE. UU.), un condominio de apartamentos en torres de reciente construcción en Pekín y un nuevo acuario en Shanghái (China). Este libro aborda el viaje de descubrimiento de un arquitecto: un ejercicio emocional y fluido sobre la vida, el amor, el trabajo y la arquitectura.
Los proyectos se presentan a partir de su diseño original y su desarrollo individual. Se incluyen bocetos a mano y digitales, dibujos y estudios de maquetas de las distintas etapas de su desarrollo. El libro abarca desde la concepción
de los proyectos en sus etapas iniciales hasta el proceso de creación. La obra muestra con claridad la forma de trabajar de Michele y su exploración personal para establecer su filosofía y lenguaje arquitectónico.

''A mis padres siempre les costó castigarme.
Mientras mi hermano golpeaba la puerta pidiendo salir, yo me sumergía en mi propio mundo y pasaba horas soñando y dibujando. Mi primer contacto con la arquitectura fue a los 10 años, cuando mis padres comenzaron una obra. Me encantaba observar aquellos dibujos a tinta china que, poco a poco, cobraban forma y se transformaban en nuestra casa. A los 13 años ya no tenía dudas: quería ser arquitecto.'' - Gui Mattos

Más que un simple pozo excavado en la tierra para extraer agua, se trata de edificios completos que descienden varios niveles bajo tierra; son espacios para ser recorridos y ocupados, que cumplen funciones prácticas, sociales y rituales. A menudo, son tan monumentales y ornamentados como una iglesia, y esto es intencional. Son una fuente de agua, un espacio de reunión y un templo a la vez, pero en lugar de elevarse hacia el cielo, descienden bajo la superficie. Crean una experiencia espacial sin igual, en la que se está bajo tierra pero se permanece conectado con el sol y el cielo. Hoy en día, permanecen en gran medida abandonados y olvidados, en diversos estados de conservación o, más frecuentemente, de deterioro.

Robotics and Autonomous Systems 1: Integrated Approaches to Fabrication, Computation and Architectural Design presenta la investigación en diseño del programa MSD-RAS de la Weitzman School of Design de la Universidad de Pensilvania. Actualmente, los enfoques de diseño y construcción arquitectónica no logran satisfacer las necesidades sociales inmediatas y proyectadas en términos de productividad, asequibilidad y sostenibilidad, ni tampoco abordar adecuadamente las diversas condiciones presentes en nuestro entorno construido. El programa MSD-RAS busca enfrentar estos desafíos mediante soluciones de diseño a medida que son fundamentales para un enfoque crítico y creativo de la producción. Como sugiere el término "RAS", el programa busca aprovechar el potencial de la IA y los sistemas robóticos para trabajar de manera más adaptativa de lo que permite la automatización convencional. Operando principalmente a través del desarrollo de prototipos fabricados robóticamente, se presentan proyectos que incorporan enfoques personalizados de diseño computacional generativo, aprendizaje automático, herramientas robóticas, programación robótica adaptativa en tiempo real, retroalimentación de sensores, procesos de materiales y fabricación, o actividades con participación humana (human-in-the-loop). Como una reflexión gráfica sobre los primeros tres años del programa, se presentan proyectos de investigación junto con entrevistas a algunos/as de los/las graduados/as del programa, además de perspectivas sobre las interesantes trayectorias profesionales que emprendieron tras finalizar sus estudios. Los ensayos del profesorado del programa profundizan en varios temas centrales, tales como el enfoque del MSD-RAS hacia la investigación en diseño, el compromiso crítico con los procesos de fabricación industrial y la integración de flujos de trabajo semiautónomos en el diseño y la producción. Asimismo, se analiza el enfoque integrado único del programa respecto al plan de estudios y por qué este resulta propicio para la creación de trabajos colaborativos novedosos que expanden la capacidad de diseño hacia territorios y carreras inexplorados.

¿Cómo se define la grandeza en la arquitectura? Durante demasiado tiempo, las contribuciones de diversos/as diseñadores/as han sido pasadas por alto; tanto es así que su ausencia resulta notable en una simple búsqueda en línea. GREATNESS: Diverse Designers of Architecture reconoce las contribuciones, a menudo ignoradas, de los/las líderes de la industria actual. Este libro, ricamente ilustrado, combina ensayos perspicaces, estudios de casos de proyectos y perfiles de diseñadores/as, explorando el trabajo de 47 arquitectos/as y diseñadores/as contemporáneos/as. A través de enfoques innovadores, sostenibles y centrados en la comunidad, su trabajo está transformando el diseño residencial, cultural, institucional y de planes maestros. Al abordar problemas críticos como la injusticia habitacional y la discriminación inmobiliaria (redlining), GREATNESS también confronta las difíciles realidades de la historia de la arquitectura, al tiempo que celebra el potencial transformador del entorno construido. El libro subraya la importancia de las diversas perspectivas, destacando cómo la arquitectura puede fomentar la dignidad, el bienestar y el sentido de pertenencia. Con una selección de proyectos impresionantes de todo Estados Unidos y del mundo, GREATNESS sirve como un llamado a la acción para adoptar un futuro más inclusivo y equitativo.

Construimos fuentes —esos símbolos vibrantes de la vida y encarnaciones físicas de la belleza— para marcar y celebrar nuestros lugares predilectos. Este acto es un honor para todos/as y, al igual que escuchar música, se comprende a un nivel intuitivo. También construimos fuentes para conmemorar la vida. El agua es la base y el símbolo de la vida. Muchas fuentes se articulan para reconocer a alguna persona, institución o idea. Esos reconocimientos particulares se fusionan con el simbolismo más profundo del agua para transmitir eternidad a las identidades que se celebran.

Bridges as Structural Art presenta veinticinco puentes diseñados por Miguel Rosales y su firma, Rosales + Partners, Inc. La firma se caracteriza por una combinación única de sensibilidad arquitectónica, conocimientos de ingeniería y habilidades de comunicación que le permiten crear puentes icónicos, económicamente eficientes y técnicamente innovadores. Estos puentes transformadores se han convertido en un motivo de orgullo para las áreas en las que han sido construidos y en expresiones tangibles del arte del diseño de puentes.

Our Voices II: El proyecto DE-colonial presentará proyectos de descolonización que trabajan para desestabilizar e inquietar los entornos construidos coloniales. La tierra, los pueblos y las ciudades en los que vivimos siempre han sido lugares indígenas; sin embargo, en gran medida, nuestros sistemas de valores e identidades indígenas han sido ignorados o apropiados. Los pueblos indígenas siguen siendo desplazados por la gentrificación de los lugares a los que pertenecen, y los sistemas neoliberales trabajan para subyugar continuamente la participación indígena en los procesos de toma de decisiones de formas sutiles, pero potentes. No obstante, no somos, ni hemos sido nunca, ingenuos culturales. Más bien, hemos subvertido, y seguimos subvirtiendo, los sistemas de valores coloniales que se superponen a nuestros lugares de maneras importantes.