¿Y si la mejor forma de jugar no fuera la más segura? Durante décadas, las ciudades han construido parques infantiles limpios, coloridos y fáciles de supervisar. Sin embargo, estos espacios—diseñados más para tranquilizar a los adultos que para despertar la curiosidad de los niños—suelen despojar al juego de lo que lo hace realmente transformador: el riesgo, la imprevisibilidad y la autonomía. Los crecientes estándares de seguridad, la reducción del espacio público y la comercialización del equipamiento han limitado aún más las posibilidades de la exploración independiente. Desde un solar en ruinas en la Copenhague de los años 40 hasta los paisajes de hormigón en el Ámsterdam de la posguerra, arquitectos, urbanistas y activistas se atrevieron a desafiar la idea de que el juego debía ser limpio y controlado. Sus propuestas poco convencionales—hechas de materiales sueltos, formas abstractas y recursos improvisados—ofrecieron a los niños la libertad de construir, demoler, explorar y ensuciarse.

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En la histórica Stone Town, la principal ciudad de Zanzíbar, Tanzania, la historia de un edificio de cine y su inminente restauración refleja tanto el pasado de la ciudad como la narrativa de las salas de cine en general. El inicio del siglo XX fue testigo del auge en la construcción de cines, que alcanzó su punto máximo a mediados de siglo antes de entrar en decadencia frente a la competencia de los complejos multisala y la televisión doméstica. Aunque muchos fueron demolidos o modificados de forma irreversible, otros tantos quedaron abandonados, convertidos en cápsulas del tiempo de una época pasada. Estos edificios ofrecen un retrato de los estilos y métodos arquitectónicos de su tiempo, al tiempo que recuerdan el papel fundamental que desempeñaron en sus comunidades. Restaurar y adaptar un cine como el Majestic representa un reconocimiento de su valor patrimonial y comunitario.

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Los y las arquitectos/as de hoy en día trabajan en múltiples mundos: desde el diseño de mobiliario, paisajes y manzanas urbanas hasta la creación de sets de filmación, fotografías y videos. Se dedican a restaurar y readaptar edificios existentes en lugar de construir de cero, al tiempo que escriben, investigan y publican. Hay quienes diseñan espacios virtuales para videojuegos o especulan sobre hábitats en el espacio exterior y bajo el agua. También hay quienes se involucran directamente con la sociedad a través de la política, el activismo o proyectos comunitarios. Muchos/as experimentan con la biología, prueban nuevos materiales y asumen el rol de científicos/as. Los y las arquitectos/as están descolonizando las viejas narrativas y descarbonizando la industria de la construcción; al entrelazar sus pasiones personales con los desafíos sociales y ambientales más urgentes, logran expandir las fronteras de la profesión y ampliar su alcance.

Ante tantos cambios en la profesión, especialmente en los últimos años, cabe preguntarse: ¿Cómo está evolucionando el rol del/de la arquitecto/a en respuesta a las crisis globales y a las cambiantes necesidades de la sociedad? ¿De qué manera puede la interdisciplinariedad ampliar el alcance y el impacto de la práctica arquitectónica? ¿Y qué habilidades, más allá del diseño tradicional, se están volviendo esenciales para los y las arquitectos/as en el mundo actual?

Los parques infantiles son instrumentos espaciales a través de los cuales la sociedad proyecta sus expectativas sobre la infancia, poniendo a prueba los límites entre control y autonomía, exposición y protección. Regulan cómo los niños se relacionan con el espacio, con los demás y con sus propios cuerpos, codificando —muchas veces de manera invisible— normas sociales, miedos y aspiraciones. En este sentido, los parques infantiles no son espacios periféricos de ocio; son construcciones políticas moldeadas por ideologías específicas sobre qué es la infancia y cómo debería desarrollarse. Desde 1989, el derecho al juego ha sido reconocido formalmente en la Convención de las Naciones Unidas sobre los Derechos del Niño, afirmando que el juego es una parte fundamental del desarrollo humano. Diseñar un parque infantil no consiste solo en trazar líneas en un plano o instalar equipamiento en un parque; es definir las condiciones bajo las cuales el juego es permitido, imaginado o restringido.

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La rica historia de Italia, evidente en sus monumentos y ciudades, ha creado un contexto único para la renovación arquitectónica. Los/las arquitectos/as italianos/as suelen abrazar este patrimonio entablando un diálogo entre lo antiguo y lo nuevo, en lugar de aspirar a una transformación total. Este enfoque evita deliberadamente el estilo imitativo; en su lugar, se utilizan materiales contemporáneos como el acero, el vidrio y la madera nueva para enmarcar y destacar la piedra y el ladrillo históricos preexistentes. Esta yuxtaposición transforma los materiales originales, que dejan de ser simples elementos estructurales para convertirse en piezas decorativas y narrativas de primer plano. El resultado es una experiencia estratificada donde la historia del espacio permanece visible, garantizando su preservación en lugar de su eliminación a causa de la reforma.

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La policromía como diseño espacial: la integración del color en la arquitectura

De superficies a sistemas: la paleta de Le Corbusier en las instalaciones modernas

El surf es, sin duda, uno de los deportes más fascinantes y visualmente atractivos. Una coreografía fluida que combina fuerza y delicadeza, como una danza sobre las olas, reúne a entusiastas en todos los océanos del mundo. Sin embargo, detrás de esta imagen de libertad y conexión con la naturaleza, el deporte también alberga contradicciones. Por un lado, es un símbolo de la vida al aire libre y del respeto por el océano; por el otro, está marcado por disputas territoriales por las olas y por una huella ambiental que rara vez recibe la misma atención que su estética. En tiempos de crisis climática, esta paradoja resulta aún más evidente. El surf depende directamente de la salud de los ecosistemas marinos, precisamente los más afectados por la contaminación y el calentamiento global. Esta tensión ha impulsado a una nueva generación de shapers, así como de profesionales de la arquitectura y del diseño de materiales, a buscar alternativas —desde espumas de origen vegetal y recicladas hasta la reutilización de residuos industriales— para volver a conectar este deporte con su dimensión ecológica.

Los entornos de trabajo y de aprendizaje han experimentado profundas transformaciones en las últimas décadas. En las oficinas, los cubículos y las salas compartimentadas han dado paso a distribuciones abiertas y colaborativas. En escuelas y universidades, las aulas tradicionales de configuración rígida, pizarrones y filas de bancos han sido reemplazadas por espacios más dinámicos, flexibles e interactivos. En ambos contextos, el objetivo era fomentar la integración, la creatividad y el intercambio constante. Sin embargo, esta apertura también ha planteado nuevos desafíos: el aumento de las distracciones, la sobrecarga sensorial y la dificultad para encontrar momentos de concentración o introspección. Mientras más barreras se eliminen en favor de la fluidez y la colaboración, más fundamental se vuelve ofrecer momentos de quietud, intimidad y equilibrio sensorial para quienes necesitan autorregularse. El desafío es tanto espacial como psicológico, lo que plantea una pregunta fundamental para la arquitectura: ¿cómo podemos propiciar la conexión y el repliegue, la actividad y el silencio, al mismo tiempo?

En medio de las arterias congestionadas por el tráfico de Los Ángeles, donde los automóviles han dominado las calles durante mucho tiempo, se cuestiona el futuro de la movilidad urbana. Esta reorientación no se centra simplemente en eliminar los automóviles o introducir nuevas tecnologías, sino en concebir la ciudad como un sistema integrado en el que las personas, los lugares y los vehículos coexistan en equilibrio. Los automóviles ya no son el centro incuestionable de la vida urbana; por el contrario, se les aborda como un componente más de una red de transporte multimodal más amplia. Hoy en día, el diseño busca priorizar las necesidades y experiencias humanas por encima de la hegemonía vehicular.

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La sobreprovisión puede entenderse como una estrategia arquitectónica desde la perspectiva de la resiliencia, que consiste en hacer que los espacios sean adaptables a los cambios, las reinterpretaciones y las necesidades futuras. Sin embargo, ¿podría la sobreprovisión ofrecer también una perspectiva productiva para replantear el diseño espacial? ¿Existen paralelismos en la teoría o la práctica de la arquitectura que se alineen con este concepto, tal como lo han explorado figuras notables en el discurso sobre el espacio?

Esta cuestión adquiere una relevancia particular en el diseño residencial, especialmente en regiones como Hong Kong o Tokio, donde la exigencia de maximizar el espacio constituye una norma tanto cultural como práctica. Con frecuencia, a los/las diseñadores/as se les encomienda la tarea de "aprovechar cada centímetro" para almacenamiento o funcionalidad, lo que refleja una tendencia de los/las habitantes a acumular pertenencias de manera desproporcionada en relación con sus espacios habitables. 

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El término bóveda en arquitectura se refiere a una estructura arqueada autoportante que forma un cielo o cubierta, capaz de crear de manera eficaz un espacio amplio y libre de columnas. Mientras que las bóvedas de mampostería tradicionales transfieren las cargas a muros y contrafuertes, las versiones contemporáneas se definen de manera más amplia como cualquier cielo que sigue la línea de la cubierta, generando un interior alto y curvo. Estos cielos modernos suelen estructurarse con materiales como hormigón, madera o acero, los cuales aportan la flexibilidad estructural necesaria para lograr el dramático efecto de una bóveda sin sus limitaciones históricas. La bóveda de arco de medio punto, en particular, parece haberse convertido en una de las formas predilectas del último tiempo por su geometría simple y elegante, así como por su capacidad para adaptarse a una gran variedad de estilos residenciales contemporáneos.

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En la preservación de la arquitectura, existen diversos enfoques posibles: desde tratar un edificio como un monumento estático, restaurándolo meticulosamente in situ al punto de limitar el acceso público, hasta estrategias adaptativas más flexibles que reprograman y modifican los espacios interiores conservando al mismo tiempo elementos arquitectónicos clave como la materialidad y la forma estructural. Sin embargo, un método se destaca, tanto por su ambición como por su controversia: desmantelar deliberadamente un edificio —ladrillo por ladrillo—, etiquetar y documentar meticulosamente cada pieza, y almacenarla hasta que surja un nuevo sitio, propósito o narrativa. Para luego volver a ensamblarlo, posiblemente para un uso completamente diferente. Aunque el contexto original se pierda, esta estrategia busca preservar el significado cultural a través de la transformación en lugar del estatismo. Esta es la historia de Murray House en Stanley, Hong Kong.

Construida originalmente en 1846 como alojamiento para oficiales militares británicos en el distrito de Central, Murray House fue uno de los primeros ejemplos de arquitectura neoclásica en Hong Kong, un vestigio único y perdurable del pasado colonial de la ciudad. Sus robustas columnatas de granito y su fachada simétrica se erigieron como un símbolo de permanencia clásica. Durante la ocupación japonesa de Hong Kong en 1941, la función del edificio se reconfiguró para albergar el centro de mando de la policía militar japonesa. Sobrevivió a la guerra y continuó albergando diversos departamentos gubernamentales durante las décadas de la posguerra.

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Dos estudiantes se sientan a un pupitre de distancia. Uno/a sobresale en ciencias; el/la otro/a tiene dificultades. Quien tiene éxito recibe elogios; quien se queda atrás, críticas. Mientras un/a estudiante gana confianza, el/la otro/a, poco a poco, la pierde. Es fácil asumir que la diferencia radica en el esfuerzo, la crianza o la capacidad innata. Sin embargo, ¿y si el verdadero factor determinante fuera el aula misma? Imagine que el/la estudiante que se retrasó en el aprendizaje se sentaba, día tras día, en un pupitre afectado por el deslumbramiento de ventanas mal ubicadas. Al tener asignado un asiento fijo, no podía moverse. Con el tiempo, esa pequeña pero constante distracción se convirtió en desinterés, y la apatía terminó por erosionar su confianza. Una reacción en cadena provocada no por la falta de empeño, sino por el diseño.

En la arquitectura contemporánea, el diseño de hoteles ya no se define únicamente por el lujo y el alojamiento. Por el contrario, se está convirtiendo en una plataforma para explorar cuestiones de identidad, ecología y significado cultural. Más allá de ofrecer habitaciones y servicios, los hoteles actuales buscan crear experiencias inmersivas que conecten a quienes viajan con las tradiciones, los paisajes y las comunidades locales. En esta selección curada de proyectos de hospitalidad no construidos, enviados por la comunidad de ArchDaily, propuestas especulativas y ganadoras de concursos ofrecen un vistazo al futuro del sector, donde la sostenibilidad y la narrativa son tan fundamentales como el confort y el estilo.

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El sector de la Arquitectura, Ingeniería, Construcción y Operación (AECO) viene atravesando, en las últimas décadas, un proceso de transformación digital sin precedentes. Desde la época en que los proyectos se representaban exclusivamente en papel —una realidad que perduró hasta principios de la década de 1980—, el área ya ha superado hitos importantes con la adopción del CAD (Diseño Asistido por Computadora) y, más recientemente, del BIM (Modelado de Información de Construcción). Ahora, se impone una nueva transición que promete ser aún más profunda. La Inteligencia Artificial (IA), que hasta hace poco parecía restringida a laboratorios o conceptos futuristas, comienza a ocupar un lugar práctico y estratégico en la manera en que diseñamos, construimos y gestionamos nuestros edificios y ciudades.

La arquitectura de jardines de infantes se ha distinguido desde hace tiempo por ser un ámbito donde convergen el diseño y la imaginación. A diferencia de la mayoría de las tipologías de edificios, estos espacios se conciben no solo para brindar refugio y funcionalidad, sino también para dar forma a las primeras experiencias de curiosidad, juego e interacción social. A lo largo de la historia, el diseño de estos centros ha evolucionado a la par de los cambios pedagógicos, transitando desde inicios modestos y utilitarios hacia entornos sumamente intencionados que estimulan tanto el aprendizaje como el asombro. En este contexto, la arquitectura se convierte en algo más que un simple telón de fondo: pasa a ser un educador silencioso, capaz de potenciar el desarrollo emocional, cognitivo y físico.

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Los niños y las niñas perciben el espacio de manera diferente a las personas adultas. Para ellos y ellas, el mundo aún no se ha racionalizado en función y circulación, sino que se experimenta a través de la emoción y la curiosidad. Mientras que las personas adultas suelen recorrer las habitaciones por hábito, la infancia las habita desde la inmediatez. Un haz de luz solar se convierte en un acontecimiento. La curva de un pasillo invita a deambular. El sonido de los pasos sobre la madera o la suavidad de una tela bajo la yema de los dedos no son un fondo, sino información. Aquello que las personas adultas pueden descartar como momentos periféricos media silenciosamente su sentido de seguridad, autonomía, pertenencia y posibilidad. La arquitectura es una oportunidad para que la pedagogía se materialice físicamente.

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La trayectoria de Susanna Moreira en la arquitectura estuvo marcada desde un inicio por su participación en la teoría y la investigación arquitectónica durante sus estudios de grado. Nacida en Salvador, Brasil, también ha vivido y estudiado en Milán y São Paulo; experiencias que han enriquecido su comprensión de las intersecciones dinámicas entre el arte, la arquitectura y los entornos urbanos. Estos intereses interdisciplinarios continúan guiando su enfoque curatorial y su trabajo editorial.

En su rol como curadora de proyectos de ArchDaily para los países de habla portuguesa, Susanna busca proyectos que aporten contribuciones significativas al discurso arquitectónico. Valora la originalidad, la calidad y la relevancia, cuestionando constantemente qué lecciones puede ofrecer una obra en términos de materiales innovadores, técnicas constructivas o enfoques conceptuales. En una era de sobrecarga informativa, considera que una curaduría meticulosa es fundamental para generar confianza, enriquecer el aprendizaje y destacar el trabajo que realmente sobresale.

El modelo de Diseño y Construcción (Design-Build) es un método de ejecución de proyectos cada vez más atractivo, que ofrece beneficios como un mayor control, reducción de riesgos, eficiencia de costos y plazos de entrega más cortos. En el centro de este enfoque se encuentran el trabajo en equipo y la colaboración, lo que contrasta drásticamente con el método tradicional de diseño independiente y licitaciones a precio cerrado por parte de los contratistas. Este modelo motiva de forma natural a todos los participantes a buscar maneras de aumentar la productividad y la calidad, garantizando la equidad y la transparencia en los costos.

El juego trasciende su dimensión recreativa y se convierte en un acto social que anima a los niños a aprender, interactuar, ser creativos y vincularse con su entorno espacial. Como señala Johan Huizinga en Homo Ludens, es un elemento fundamental de la cultura, donde los niños crean vínculos y exploran formas de coexistencia. De este modo, cuando la arquitectura de los espacios de juego excluye ciertos cuerpos o modos de participación, la experiencia colectiva se fragmenta y pierde parte de su significado. Así, diseñar con la inclusión en mente implica reconocer que el valor real del juego reside en su potencial de ser compartido por todos.

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Todos los materiales provienen de algún lugar y forman parte de una cadena de extracción, suministro, producción y eliminación que, según su escala, deja huellas más o menos significativas en el medio ambiente. En arquitectura, solemos abordar este recorrido desde la perspectiva de la circularidad de los materiales, considerando cómo pueden reincorporarse a los ciclos de producción en lugar de convertirse en desechos. Pero al ampliar la mirada hacia lugares inesperados, emergen sistemas paralelos donde los subproductos de una industria se transforman en recursos para otra. Este enfoque ha encontrado un terreno fértil en los residuos orgánicos convertidos en biomateriales, siendo uno de los ejemplos más recientes el trabajo de Fahrenheit Works. En su instalación From the Tagus to the Tile, reutilizan conchas de ostra desechadas por los sistemas alimentarios para reinterpretar los emblemáticos azulejos de Lisboa.

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Fundado en Shanghái en 2016, el estudio Atelier Tao&C abarca en su práctica el diseño en diversas áreas y escalas: desde una luminaria hasta un barrio, desde el interior de una vivienda urbana mínima hasta la renovación de una antigua casa de campo, y desde tiendas locales hasta comunidades juveniles. En paralelo a nuestra práctica profesional, nos enfocamos en temas de investigación como la renovación de edificios existentes y la organización de objetos en los espacios habitables.

Nuestros proyectos no están limitados por la tipología ni la escala. En cada proceso de diseño, prestamos especial atención a la escala, la tectónica, la proximidad y la intimidad, así como a la reconciliación entre el pasado y lo inmediato. A través de la exploración y comprensión de las tipologías, buscamos revelar las potencialidades de cada sitio.

Nuestro método de diseño consiste en retirarse al interior, permitiendo que el espacio crezca desde adentro y trascienda los límites, construyendo conexiones en los intersticios a menudo ignorados entre la arquitectura y el interiorismo. Buscamos crear un sentido de escala global, delicado y adecuado, tanto interior como exterior, mediante formas fundamentales, relaciones proporcionales claras y cambios inesperados de sección. Asimismo, buscamos descubrir materiales locales y métodos constructivos directos y cotidianos para transformarlos en una expresión profunda de la artesanía y el detalle, permitiendo que la vida se desarrolle con toda su complejidad dentro de la simplicidad.

Las obras del estudio han sido recopiladas en libros de editoriales como Gestalten y Phaidon, y publicadas ampliamente en prestigiosos medios de diseño nacionales e internacionales, tales como The Architectural Review, Domus, The Plan, AIT, Azure, Wallpaper*, ArchDaily, Dezeen, Yellowtrace y Divisare, entre otros.

Sitio web:   www.ateliertaoc.com

Cuenta de WeChat:  西涛设计工作室 (Atelier Tao&C)

Instagram:  atelier_taoc

En las comunidades indígenas de América del Sur, el lugar del niño es donde él desea estar. Los bebés gatean por el suelo de tierra, se acercan a las fogatas, investigan hormigueros, experimentan el mundo con todo su cuerpo. Aprenden sintiendo: descubren límites, reconocen peligros y recogen lecciones que ningún manual podría enseñar. En el escenario urbano, por otro lado, los niños suelen estar contenidos en espacios pensados para adultos, llenos de reglas que, aunque bien intencionadas, a menudo los alejan de experiencias vitales. Ante estas diferencias culturales, no nos corresponde juzgar cuál modelo es mejor, sino, más bien, percibir que, cuando culturas diferentes se observan, siempre hay espacio para aprender.

En el ámbito arquitectónico, esta infancia vivida con rara libertad de tiempo y espacio invita a repensar la forma en que moldeamos nuestro cotidiano: ¿por qué limitar la exploración espontánea de los niños en ambientes controlados? ¿por qué crear barreras físicas y simbólicas entre ellos y el mundo natural? Y, sobre todo, ¿cómo la arquitectura contemporánea podría romper este paradigma e, inspirada por el niño indígena, crear espacios que devuelvan a la infancia su dimensión más salvaje, curiosa y plena?

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