America: O mais recente de arquitetura e notícia

Este artigo foi originalmente publicado em Common Edge.

A fascinação de Christopher Payne por fábricas vem de décadas. Como estudante de arquitetura na Universidade da Pensilvânia na década de 1990, Payne teve a sorte de conseguir um emprego de verão na Inspeção de Edifícios Americanos Históricos, dentro do Serviço Nacional de Parques. "Eles enviavam equipes de estudantes de arquitetura, historiadores e fotógrafos para documentar todo tipo de projeto", diz ele. "Documentamos silos de grãos em Buffalo, pontes de ferro fundido em Ohio, uma usina elétrica no Alabama e parques nacionais em Utah. Essa experiência incutiu um profundo apreço pela arquitetura industrial". Após a formatura, trabalhou por vários anos como arquiteto na cidade de Nova York antes de fazer a transição em tempo integral para a fotografia. Seus livros publicados incluem New York’s Forgotten Substations: The Power Behind the Subway (Subestações Esquecidas de Nova York: A Energia por Trás do Metrô); Asylum: Inside the Closed World of State Mental Hospitals (Asilo: Dentro do Mundo Fechado dos Hospitais Psiquiátricos Estaduais); North Brother Island: The Last Unknown Place in New York City (Ilha North Brother: O Último Lugar Desconhecido em Nova York); e Making Steinway: An American Workplace (Fazendo Steinway: Um Local de Trabalho Americano). No mês passado, Payne ministrou a Palestra Memorial Ralph Caplan, da School of Visual Art, e pouco depois, entrei em contato com ele para falar sobre seu livro mais recente, Made in America, seu longo caso de amor com fábricas e o processo fotográfico.

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Sameer Makarius nasceu no Cairo em 1924. Em 1933, emigrou com sua família para Berlim. Aos dez anos, seu pai lhe deu uma câmera com a qual ele iniciou sua história na fotografia. Após o início da Segunda Guerra Mundial, em 1940, eles se mudaram para Budapeste, onde ele completou seus estudos secundários, começou sua formação artística e estabeleceu uma relação com os protagonistas da vanguarda local. Em 1946, ele retornou ao Egito, passando por Zurique. Lá, ele organizou uma exposição de arte moderna húngara com o apoio de Max Bill. De volta ao Cairo, trabalhou com arte para publicidade e também para um escritório de arquitetura e construção.

Sua obra plástica chegou ao Rio da Prata alguns anos antes dele, por meio de sua companheira Eva Reiner, que já vivia na Argentina com sua família. Em 1948, ela emprestou uma de suas obras para a exposição de arte MADI, organizada no estúdio do escultor alemão Martin Blaszko. Depois de se casar com Eva no Egito, em 1952, eles viajaram juntos para Paris, onde trabalharam como designers de estampas. Finalmente chegaram a Buenos Aires em abril de 1953, a cidade que se tornaria seu local de residência permanente. Sua jornada migratória foi marcada pelo drama da guerra e, ao mesmo tempo, durante esses deslocamentos, Makarius construiu uma rede de relacionamentos em torno da fotografia, das artes visuais e da arquitetura, o que lhe permitiu projetar seu trabalho em diferentes territórios e formatos.

Este artigo foi originalmente publicado no Common Edge.

A aprovação do pacote de mudanças climáticas do governo Biden, a chamada “Lei de Redução da Inflação”, previsivelmente se dividiu em linhas partidárias, com os republicanos caracterizando o projeto como um ato de gastos imprudentes do governo, que certamente aumentará os impostos e alimentará ainda mais a inflação. Mas será que esse ato realmente significa imprudência nos gastos? A legislação autoriza 430 bilhões de dólares em gastos, sendo a maior parte — mais de 300 bilhões de dólares — destinada a créditos fiscais. Outros gastos e iniciativas destinados a estimular a economia de energia limpa e a redução das emissões de carbono. O projeto de lei também permite que o Medicare negocie preços de alguns medicamentos caros com empresas farmacêuticas. O projeto de lei é parcialmente financiado por um imposto mínimo de 15% sobre grandes corporações e um imposto especial de consumo sobre empresas que recompram suas próprias ações. Dado o escopo do problema e os crescentes custos futuros da inação climática, esta legislação é um primeiro passo extremamente modesto, mas muito necessário.

Após dois anos de suspensão devido à pandemia de COVID-19, o Prêmio Mies Crown Hall Americas anunciou que 10 projetos desenvolvidos por escritórios emergentes nas Américas foram selecionados para o MCHAP.emerge 2022.

O MCHAP.emerge reconhece o melhor projeto arquitetônico das Américas feito por escritórios em seus primeiros dez anos de operação. A Poli House de Pezo von Ellrichausen ganhou o primeiro MCHAP.emerge, em 2014. Dois anos depois, o escritório mexicano PRODUCTORA foi premiado por seu projeto para o Pavilhão para a Feira das Culturas no Zocalo, na Cidade do México. No último ciclo, realizado em 2018, o projeto do espaço público de um conjunto habitacional na Cidade do México, Comum-Unidade de Rozana Montiel, foi eleito o vencedor.

O Prêmio Mies Crown Hall Americas (MCHAP) anunciou os 48 projetos finalistas selecionados pelo júri do MCHAP 2022. Dos projetos indicados, foram escolhidos 38 para a categoria MCHAP e 10 para a categoria MCHAP.emerge. O quarto ciclo de prêmios considera obras construídas concluídas nas Américas entre janeiro de 2018 e dezembro de 2021, indicadas por uma rede anônima de especialistas e profissionais internacionais.

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O Prêmio Mies Crown Hall Americas anunciou a lista completa de jurados para sua quarta edição, presidida por Sandra Barclay da Barclay and Crousse Architecture. Também anunciou as 200 obras construídas na América do Norte e do Sul indicadas para o MCHAP 2022 e os 50 projetos indicados para o MCHAP.emerge 2022.

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Antes mesmo que o estilo colonial se estabelecesse nos Estados Unidos—como em muitas outras colônias do novo mundo—já haviam edifícios sendo construídos. Digamos que antes do “colonial” havia a arquitetura do imigrante. Como um exercício de sobrevivência, a arquitetura do imigrante é aquela feita com aquilo que se tem à mão, com o que se pode encontrar e com o principal objetivo de ter um teto sobre o qual protege-se dos perigos do desconhecido. Depois de um certo tempo e distanciamento, é comum romantizarmos sobre o estilo de arquitetura colonial do país em que crescemos, afinal, somos todos imigrantes não é mesmo? Edifícios simples e honestos, representativos de quem somos e de onde viemos. Estruturas simétricas e de uma sobriedade avassaladora, de pequenos acréscimos e infinitos desdobramentos. Mas acontece que a arquitetura “colonial” não necessariamente é aquela construída com ânsia pelas mãos do imigrante em busca de um teto para morar.

Às portas da terceira década do século XXI, ao olharmos para o século antecedente, acreditamos que alguns debates provocarão algumas reflexões, tais: “como chegamos aqui ?” e “o que faremos agora?”.

O fim da guerra de 1812 deixou o jovem Estados Unidos da América cheio de fervor nacionalista. Nos anos seguintes, a primeira república moderna do mundo experimentou crescimento e prosperidade sem precedentes; não foi sem razão que o período passou a ser conhecido como a “Era dos Bons Sentimentos (Era of Good Feelings)”. [1] Foi nessa época de orgulho nacional desenfreado que Thomas Jefferson, um dos pais fundadores do país e seu terceiro Presidente, apresentou seu plano diretor para a Universidade da Virgínia: uma manifestação arquitetônica dos ideais iluministas e republicanos que ele ajudou a cultivar.

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A crença de que um edifício pode se misturar e se destacar ao mesmo tempo é incorporado pelo edifício do Centro de Arte Contemporânea Lois e Richard Rosenthal (CAC), localizado em Cincinnati, Estados Unidos. Embora sua volumetria pesada o faça parecer como um elemento escultórico independente e impenetrável, o Centro Rosenthal é, de fato, concebido para trazer a cidade para seu interior - para além das suas paredes e para cima, em direção ao céu. Este dinamismo inerente adapta-se bem a uma galeria que não possui uma coleção permanente, e está situado no coração de uma próspera cidade do Meio-Oeste.

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Nas últimas duas décadas, a paisagem tem sido apontada como modelo e meio para a cidade contemporânea. Durante esse tempo, uma série de práticas arquitetônicas e urbanas alternativas têm surgido em toda a América Latina. Muitas destas práticas exploraram as implicações ecológicas e territoriais para o projeto urbano. A emergência destas práticas têm coincidido com transformações sociais e políticas em muitos países em toda a região.

A Fundação Rogelio Salmona, convencida da urgente necessidade de construir cidades e uma sociedade latino-americana cada vez mais inclusiva e igualitária, decidiu em 2011 assumir o compromisso de reconhecer as obras de arquitetura que promovam espaços coletivos significativos, contribuindo com a consolidação das cidades da América Latina e do Caribe.

O Prêmio Latino-Americano de Arquitetura Rogelio Salmona: espaços abertos / espaços coletivos é o resultado de um processo de identificação, seleção, estudo das obras e premiação de uma delas por parte de um comitê de especialistas.