La arquitectura ya no puede ser pensada como un objeto aislado, ajena a las redes técnicas que sustentan la vida contemporánea —un escenario que exige diferentes lecturas y enfoques. Es en este contexto que, en marzo, el tema mensual de ArchDaily se centró en La Tecnosfera: Arquitectura en la intersección de la tecnología, la ecología y los sistemas planetarios, un tema amplio e inevitablemente complejo. A partir del concepto de tecnosfera, acuñado por el geólogo Peter Haff para describir el conjunto de artefactos producidos por la humanidad, se delinea un panorama en el que la vida contemporánea se muestra profundamente entrelazada con máquinas, datos y redes de energía.

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Existe un gesto ancestral en dar forma a la tierra. Mucho antes de que la arquitectura se constituyera como disciplina, el barro ya era moldeado por las manos y transformado por el fuego, convirtiendo la materia en bruto en utensilio doméstico y objeto cultural. En la historia de este oficio, las fábricas de cerámica marcan la transición del saber manual a la producción en serie, ampliando su escala sin romper por completo con su origen material. Dispersas por diferentes territorios, estas estructuras registran la relación entre técnica, paisaje y tiempo. Con el paso de las décadas, sin embargo, muchas de ellas terminaron por perder su función original, siendo reemplazadas por procesos más tecnológicos o fagocitadas por el desarrollo urbano a su alrededor, pasando a ocupar un estado intermedio entre la permanencia y la obsolescencia.

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¿Puede la arquitectura construirse a partir de la comida? Entre el fuego que calienta, los aromas que se esparcen y los cuerpos que se reúnen en torno a la mesa, la aparente banalidad de los actos de cocinar y comer se revela como una danza coreografiada de apropiación y pertenencia espacial. Son gestos que organizan rutinas, generan vínculos y transforman el entorno construido en un lugar vivido. La cocina —doméstica, comunitaria o urbana— deja, así, de ser solo un espacio funcional para afirmarse como un territorio de encuentro.

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Símbolos del desarrollo tecnológico y de la densidad urbana, los edificios en altura, tal como los conocemos hoy, surgieron a finales del siglo XIX, principalmente en los Estados Unidos, como respuesta al crecimiento acelerado del comercio urbano y a la necesidad de expandir las ciudades sin ocupar más territorio. El término rascacielos, por ejemplo, fue acuñado en la década de 1880 y originalmente se refería a edificios de entre 10 y 20 pisos —una altura impresionante para la época.

Sin embargo, la idea de construir verticalmente es mucho más antigua de lo que sugieren los rascacielos de acero y vidrio. Mucho antes de la revolución industrial, algunas sociedades ya experimentaban con formas de urbanización vertical como solución a las limitaciones de espacio, la defensa territorial o la adaptación ambiental.

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En 2025, el mercado global de salud animal movilizó alrededor de 70.000 millones de dólares, y se proyecta que esta cifra se duplique para 2033. Detrás de este número, sin embargo, ocurre también una transformación silenciosa en el espacio construido, siendo el hospital veterinario un claro ejemplo de ello. Este programa, que durante décadas ocupó la parte trasera de clínicas improvisadas y anexos de tiendas de mascotas, ha ido adquiriendo un lenguaje y una identidad propios. Es la consolidación arquitectónica de un vínculo que ya supera los 15.000 años.

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Desde hace algún tiempo, se ha vuelto común preguntarnos de dónde viene lo que consumimos. Revisamos etiquetas, buscamos productores locales e investigamos las cadenas de producción en un intento por comprender el impacto de nuestros hábitos, ya sea en nuestra propia salud o en el planeta.

En el campo da arquitectura, sin embargo, esta pregunta sigue siendo relativamente marginal. Muchas veces sabemos quién diseñó un edificio, conocemos sus acabados, el fabricante de sus carpinterías, la marca de sus revestimientos e incluso su rendimiento energético, pero casi nunca nos preguntamos de dónde provienen las toneladas de materia que hicieron posible su existencia.

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Cuando entramos a un museo, recorremos un centro histórico o revisamos la lista de bienes protegidos de un país, rara vez pensamos en el proceso detrás de esas decisiones. ¿Quién decidió, en nuestro nombre, que estos objetos, lugares, arquitecturas, merecían ser conservados y difundidos, mientras otros son descartados?

Por lo general, los/las profesionales especialistas son quienes tienen el poder de decisión, ya sean historiadores/as, museólogos/as, arquitectos/as o geógrafos/as. Sin embargo, ¿con base en qué se toman estas decisiones? ¿Cabría la complejidad de la historia en una lista de verificación? O, de manera aún más elemental, ¿en qué versión de la historia se están basando estas decisiones?

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En un momento en que satélites orbitan el planeta, cables submarinos sustentan la circulación global de datos y algoritmos organizan la vida cotidiana, una pregunta emerge en el campo de la arquitectura: ¿en qué escala estamos, realmente, proyectando hoy en día?

Si antes el proyecto se articulaba principalmente en torno a condiciones locales o regionales, hoy se encuentra atravesado por cadenas que comienzan en la extracción de recursos, pasan por sistemas industriales y se extienden por infraestructuras planetarias muchas veces invisibles que operan de forma continua e interdependiente.

Es en este desplazamiento donde la arquitectura pasa a operar como mediadora de un campo mucho mayor: la tecnosfera.

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Como una de las primeras etapas en la elaboración de un proyecto arquitectónico, el estudio de la legislación vigente en el terreno es de suma importancia para el éxito de la propuesta. A través de cálculos y restricciones, las leyes de zonificación presentan límites a considerar en el diseño que, en consecuencia, impulsan a los/las arquitectos/as a pensar en soluciones inteligentes, lidiando de manera práctica y creativa con tales limitaciones.

Estos parámetros son dictados por el poder público y tienen como objetivo frenar, mantener o acelerar el crecimiento urbano de determinada porción de la ciudad. Son normas que establecen directrices para la ocupación del suelo delimitando el porcentaje de área construida, retiros, distanciamientos, permeabilidad del terreno, entre otros.

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Mucho se habla hoy en día sobre la importancia de los procesos de diseño colaborativo que involucran la creación conjunta, consolidando un contexto en el que hay cada vez menos espacio para el trabajo individual y mucho más para la lógica de lo colectivo, de la cocreación. Por lo tanto, la idea de la obra creada única y exclusivamente por el/la arquitecto/a ya se entiende como una distorsión de la compleja realidad que rodea la concepción de un proyecto, yendo más allá del equipo técnico para integrar también a la comunidad y a sus usuarios/as.

La precisión técnica aliada a la preocupación ambiental y un carácter exploratorio e investigativo hacen de Carla Juaçaba una de las grandes representantes de la arquitectura latinoamericana en la actualidad. Carioca, nacida en 1976, Carla Juaçaba asistió a la Universidad de Santa Úrsula y atribuye a esta institución de enseñanza gran parte de su estilo experimental e interdisciplinario. No es casualidad que durante su formación acadêmica sus grandes maestros inspiradores hayan sido el arquitecto Sergio Bernardes y la artista plástica Lygia Pape, lo que dejaba entrever seu interés por las múltiples ramificaciones disciplinares que pueden componer la arquitectura. En este sentido, aún durante sus estudios universitarios, Carla trabajó en conjunto con la arquitecta Gisela Magalhães, de la generación de Oscar Niemeyer, en proyectos de escenografía y expografía.

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El diseñador Paul Smith, la banda británica Radiohead y el director de cine sueco Ingmar Bergman parecen no tener nada en común, salvo por ser constantemente citados como grandes inspiraciones para el arquitecto paulistano Isay Weinfeld. Una gama multidisciplinaria de influencias que dice mucho sobre su personalidad y, en consecuencia, sobre sus obras.

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La obsesión de Buckminster Fuller por las formas geodésicas las inscribió en la historia de la arquitectura. La apariencia esférica y el complejo entramado estructural foram objeto de diversas apropiaciones y escalas a lo largo de los años, y una de las obras más icônicas es la Biosfera de Montreal, el pabellón de los Estados Unidos para la Exposición Mundial de 1967, diseñado por el propio arquitecto. Estas estructuras surgieron de su interés en la eficiencia material, la integridad estructural y la modularidad, aspectos que, ya en la década de 1960, el arquitecto entendía como primordiales para lo que se esperaba de una intervención sostenible y fácilmente replicable.

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En 2014, cuando el/la periodista del periódico británico The Guardian –Ben Quinn– abrió los ojos de la ciudadanía de todo el mundo ante las prácticas hostiles de diseño urbano, acuñando lo que se conocería como el fenómeno de la “arquitectura hostil”, no se esperaba una repercusión tan grande. Salieron a la luz innumerables estrategias de diseño urbano que coartan la participación ciudadana y segregan su apropiación de la ciudad, elementos que restringen ciertos comportamientos y dificultan el acceso y la presencia de determinados sectores de la sociedad. Códigos de conducta dictados por el diseño urbano que van en contra de todo lo que se estudia sobre el urbanismo de ciudades democráticas y hospitalarias, tal como plantean Jan Gehl y Jane Jacobs.

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“Y formó el Señor Dios al hombre del polvo de la tierra, y sopló en su nariz el aliento de vida; y el hombre fue hecho un ser viviente. Y plantó el Señor Dios un jardín en el Éden, al oriente, y puso allí al hombre que había formado. Y el Señor Dios hizo brotar de la tierra todo árbol agradable a la vista y bueno para comer”.

Así es retratado el Jardín del Edén en el primer livro de la Biblia, el Génesis, que describe el origen del universo y el lugar paradisíaco donde Adán y Eva fueron colocados. Tal paraíso, a pesar de estar poco caracterizado en las palabras originales, ha poblado durante siglos la imaginación de los fieles y demás entusiastas del tema. Las escenas de este lugar idílico, reforzadas por las pinturas y esculturas creadas a lo largo del tiempo, presentan un paisaje considerado ideal, una naturaleza edénica, expresada muchas veces a través de un colorido vibrante y sin contornos –como un cuadro de Monet–, enfatizando probablemente la representación del mundo espiritual, donde la imagen se percibe a través del contraste de colores, luces y sombras.

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A principios de este año presencié una situación intrigante. Acompañé, a través de un/a colega de la arquitectura, la negociación para la contratación del proyecto arquitectónico de una vivienda unifamiliar. La propietaria del terreno, una profesora de la red pública, buscó ayuda profesional para construir su tan soñada casa, estimada en aproximadamente 60 metros cuadrados. Se trataba de un terreno desafiante, con recortes particulares y una topografía muy pronunciada que se compensaba con la vista hacia la ciudad. El presupuesto limitado y el perfil de la propietaria indicaban que esta sería la versión costera de la famosa Casa Vila Matilde de Terra e Tuma.

Muy lejos del estado estadounidense de Tennessee, el movimiento Memphis surgió en Milán en la década de 1980 y revolucionó el diseño. Sus colores llamativos, patrones exagerados y estampados discordantes tenían el propósito de derribar el status quo del minimalismo de la época, desafiando también, con sus formas puramente estéticas y ornamentales, el diseño funcionalista postulado por la Bauhaus.

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La estrategia de elevar las casas del suelo ganó popularidad en la década de 1920, cuando Le Corbusier anunció las estructuras sobre pilotis como uno de los cinco puntos de la arquitectura moderna. Esta fue una gran contribución, principalmente en el ámbito urbano, ya que permite la creación de un espacio libre con mayor conexión entre el espacio público de la calle y el privado de la edificación. Su icónica Villa Savoye es un ejemplo paradigmático del uso de pilotis que preservan el terreno natural y, como afirma el propio Le Corbusier, posa la casa sobre el césped como un objeto, sin alterar nada. Asimismo, los pilotis también sirvieron como estrategia para el flujo de vehículos, lo que puede apreciarse en la —igualmente emblemática— Casa de Vidro de Lina Bo Bardi y sus esbeltos tubos de acero. Dispuestos en una modulación de cuatro módulos de ancho por dos de profundidad (correction: the source says "cinco de profundidade", so let's stick to five: "cinco de profundidad"), estos mantienen la casa como una caja transparente que flota en medio de la naturaleza, respetando el terreno y favoreciendo el confort térmico de la edificación al permitir la libre circulación del aire.

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