La novena edición de la Trienal de Arquitectura de Oslo se desarrolla en un escenario que ya encarna muchas de las preguntas que plantea. La iglesia de Sofienberg, un edificio de ladrillo gótico del siglo XIX que actualmente se transforma de lugar de culto en centro cultural, funciona como sede principal de una edición organizada en torno a una interrogante central: "¿Y si la naturaleza es lo primero?" Del 17 de septiembre al 1 de octubre de 2026, seminarios, debates, talleres y exposiciones examinarán qué podría significar este cambio de prioridades para la arquitectura, desde el uso de los recursos hasta la relación de los edificios con sus ecosistemas circundantes.

La promesa original del BIM (Building Information Modeling) iba mucho más allá de la representación tridimensional de un edificio. Su ambición consistía en convertir el modelo en una estructura de información coordinada, en la que la geometría, los componentes, los sistemas y los datos permanecieran conectados a medida que evolucionaba el proyecto. Así, los cambios en un elemento se reflejarían en los planos, secciones, alzados y tablas de cantidades correspondientes; las interferencias entre las distintas disciplinas podrían identificarse antes de la construcción; y la información asociada a los componentes del edificio acompañaría al proyecto a lo largo de las distintas etapas de su ciclo de vida.

Construir una ciudad desde cero no es tarea fácil. Nunca lo ha sido y nunca lo será. La sola idea de crear algo que de otro modo se desarrollaría y crecería gradualmente exige recursos, organización y, sobre todo, mano de obra. Así ocurrió en 1958, cuando la Meseta Central de Brasil se convirtió en uno de los mayores sitios de construcción del siglo XX para la edificación de Brasilia. Decenas de miles de candangos (migrantes provenientes principalmente del nordeste de Brasil, muchos de ellos sin capacitación técnica previa) llegaron para levantar una capital entera en poco más de tres años, bajo el lema del entonces presidente Juscelino Kubitschek de alcanzar "cincuenta años de progreso en cinco". La arquitectura de Oscar Niemeyer y el plano de Lúcio Costa no habrían sido posibles sin dar por sentado que había suficiente mano de obra disponible y dispuesta a soportar salarios bajos y condiciones extremadamente duras para transformar el hormigón y las curvas en un símbolo nacional.

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Entre los siglos XVIII y XIX, viajar por Roma, París, Venecia, Florencia y otras ciudades europeas se consideraba una parte esencial de la formación de quienes recién se graduaban en arquitectura. En una época en la que el acceso a fotografías y publicaciones era sumamente limitado, estos viajes constituían la principal vía para experimentar la arquitectura de cerca. A principios del siglo XX, Le Corbusier reinterpretó esta tradición a su manera: a los 23 años, se embarcó en el Voyage d'Orient, recorriendo los Balcanes, Estambul y Atenas, y creando cuadernos de viaje a los que regresaría a lo largo de toda su vida.

Las imágenes de las bancas en el parque High Line de Nueva York se difundieron por todo el mundo cuando el proyecto se inauguró en 2009. Surgiendo en diagonal a partir de la misma materialidad y modulación del pavimento, estas piezas pasan de manera fluida del concreto a la madera, evocando las vías del tren que alguna vez ocuparon el lugar. Para resistir décadas de exposición a la intemperie, el proyecto requería una especie de madera de durabilidad excepcional, por lo que se seleccionó el ipé, proveniente de la Amazonia brasileña. Su lento crecimiento produce una madera dura, densa y de baja porosidad, naturalmente resistente al desgaste, la humedad y el deterioro biológico. Sin embargo, la elección desató controversia en su momento debido a las preocupaciones sobre la certificación del manejo forestal de la madera. Esta perspectiva más amplia transforma nuestra manera de pensar sobre los materiales: su origen sigue siendo importante, pero también lo es qué ocurre una vez que la vida útil del edificio llega a su fin.

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¿Qué significa el lujo cuando los productos están diseñados para una rápida obsolescencia? Grabado en vivo en la Semana del Diseño de Milán 2026 en colaboración con INDX|GLOBAL, el octavo episodio del podcast Room For Dreams reúne a los/las arquitectos/as Priyanka Mehra, Simran Boparai, Ashmit Singh Alag y Adreesh Chakraborty para analizar la evolución y, a menudo, las contradicciones en la relación entre exclusividad, sostenibilidad y una artesanía con propósito.

Existe una gran diferencia entre mirar la imagen de un edificio y experimentar el espacio que representa. La atmósfera de un lugar, moldeada por su luz, sonidos, materialidad y relación con el paisaje circundante, ha pertenecido durante mucho tiempo al ámbito de la experiencia física. Hoy en día, las tecnologías de renderizado en tiempo real están comenzando a reducir esa brecha, permitiendo explorar y experimentar los proyectos antes de que sean construidos.

Mucho antes de que un edificio se construya, este existe como dibujos, maquetas físicas, perspectivas, fotografías y, más recientemente, renders fotorrealistas. Cada nueva herramienta de representación en la historia ha buscado comunicar no solo la apariencia de un proyecto, sino también la experiencia de habitarlo.

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Parte de la arquitectura regional más innovadora del mundo nunca llega a los titulares, sencillamente porque nadie cuenta su historia. Para el sexto episodio del podcast Room For Dreams, grabado en vivo en la Semana del Diseño de Milán 2026 en colaboración con INDX|GLOBAL, Claire Brodka de designboom, a cargo de la conducción, analiza este preciso cuello de botella junto a los/las arquitectos/as Niroop Reddy, Sujit Nair y Aman Aggarwal, rastreando cómo la histórica falta de narrativa arquitectónica ha eclipsado una revolución de diseño a gran escala que se está gestando en el subcontinente indio.

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El acelerado auge de una estética globalizada y homogénea está obligando a los creadores y creadoras a enfrentarse a una realidad crítica: las tendencias de diseño trascienden las fronteras geográficas con total facilidad, pero la identidad local está pagando el precio. El quinto episodio del podcast Room For Dreams aborda una investigación directa sobre si un mercado sin fronteras está borrando silenciosamente la diversidad del diseño. Grabado en vivo en la Semana del Diseño de Milán 2026 en colaboración con INDX|GLOBAL, la conductora Claire Broadka de designboom conversa con Sachi Gupta, Shilpi Sonar, Krithika Subrahmanian y Sumit Dhawan para analizar la realidad de los creadores y creadoras sin fronteras.

Comunicar una idea utilizando únicamente lo esencial es un desafío mucho mayor de lo que suele parecer. Desde los haikus japoneses hasta las depuradas esculturas de Constantin Brâncuși, muchas expresiones artísticas han buscado condensar el máximo significado con el mínimo de elementos. Esta economía formal no es una señal de escasez, sino de intensidad: cada trazo, cada palabra, cada silencio adquiere peso. Hay algo intrínsecamente atractivo en aquello que se presenta como simple y bien resuelto, ya sea un texto que no desperdicia palabras, un/a tenista que se mueve con gestos decididos o una melodía que resulta a la vez directa e inesperadamente profunda.

Ese mismo principio, que trasciende diversos lenguajes artísticos, resuena con fuerza en el diseño contemporáneo. Al reducirse a lo esencial, el mobiliario o los objetos cotidianos revelan una belleza que surge de la precisión y trasciende su función. Un claro ejemplo de esto es HUM, la nueva colección de grifería desarrollada por el diseñador Philippe Malouin para QuadroDesign, en la que un simple gesto se transforma en un lenguaje completo.

La Premiación IABsp, uno de los galardones más esperados y competitivos de la arquitectura brasileña, reveló ayer, 7 de diciembre, a los ganadores de 2018 en 14 categorías. A lo largo de los años, desde su primera edición en 1968, la premiación del IABsp se ha consolidado como una importante plataforma de crítica, reconocimiento y difusión de la producción de la arquitectura y el urbanismo nacional, promoviendo el intercambio de ideas y nuevas soluciones entre los/las arquitectos/as brasileños/as.

Además de las premiaciones por categoría, se concedió el premio Rino Levi, correspondiente al conjunto de la obra de un/a arquitecto/a. Este año, el homenaje fue para Rosa Kliass, por el conjunto de su obra paisajística.

Conozca a continuación a los ganadores en las distintas categorías:

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Todos guardamos el recuerdo infantil de dibujar una casita: un techo triangular, una puerta, una ventana y, al lado, un árbol. Sin embargo, la diferencia entre quienes nos dedicamos a la arquitectura y el público general radica en que seguimos haciendo estos dibujos incluso después de crecer. Por supuesto, por lo general con una técnica un poco más depurada. Así como nuestra arquitectura residencial se vuelve cada vez más compleja y completa, nuestra representación de los árboles también debería mejorar un poco (esas siluetas con forma de brócoli difícilmente convencerán a nuestros clientes o docentes). Aunque, por lo general, los árboles no sean el foco principal de la representación, desempeñan un papel crucial en la composición de la imagen: sirven para dar escala, proyectar sombras y definir propuestas de paisaje específicas.

El 18 de diciembre se anunciaron los proyectos ganadores del concurso nacional de arquitectura para la restauración y modernización del edificio monumento del Museo Paulista (MP), ubicado en el barrio de Ipiranga, en São Paulo. El concurso se lanzó el pasado 7 de septiembre, en el marco de las celebraciones del "Museu do Ipiranga em Festa". De un total de 13 trabajos inscritos, nueve fueron habilitados para participar. Como criterios de evaluación se consideraron la racionalidad, funcionalidad y factibilidad técnica; el respeto a las características materiales, estructurales, compositivas y documentales del edificio; la creatividad, solución estética e innovación del proyecto; el cumplimiento de las especificidades de uso y de las soluciones de circulación y accesibilidad; y la adopción de criterios y soluciones de diseño enfocados en la sostenibilidad ambiental.

El proyecto ganador fue elegido por un jurado compuesto por 11 miembros designados por la entidad promotora del concurso, incluyendo representantes de los organismos de protección del patrimonio federales, estatales y municipales, del Instituto Brasileño de Museos (Ibram) y de socios institucionales como el Instituto de Arquitectos de Brasil (IAB) y el Consejo de Arquitectura y Urbanismo de São Paulo.

Se ha anunciado el resultado oficial del Concurso Nacional para la Recalificación del Espacio Público del Eje Monumental de Maringá. Se trata de un área céntrica de la ciudad, comprendida entre la Plaza de la Catedral y el complejo deportivo de la Villa Olímpica. El Eje Monumental abarca, aproximadamente, 169 mil m², e incluye jardines, áreas públicas, estacionamiento de vehículos y pavimento perimetral en las fachadas. Al tratarse de un área de gran extensión, el proyecto debía presentarse en 7 tramos para garantizar la licitación y ejecución de las obras por etapas. El proyecto ganador fue elaborado por el equipo integrado por Pedro Paes Lira, Manoela Muniz Machado, Julia Marini, Laura Figueiredo y Juliette Tellier, de la oficina Natureza Urbana; con la asesoría de paisajismo de Bianca Vasone, Gabriella Ornaghi y Lilian Dazzi; y de ingeniería de Alexandre Horiye Ferreira y Felipe Macedo Barbosa.

El jurado, integrado por los/las arquitectos/as y urbanistas Haroldo Pinheiro, José Gilberto Purpur, Mario Figueroa, Orlando Busarello y Renato Leão Rego, designó a los/las siguientes ganadores/as:

El resultado del Concurso Público Nacional de Arquitectura para el Memorial a las Vítimas de Kiss fue anunciado la mañana de este martes (10/04) en una ceremonia realizada en Santa Maria. El proyecto elegido en 1º lugar por unanimidad fue el de la oficina Motta e Zene Engenharia e Arquitetura, de São Paulo (SP), representado por el arquitecto Felipe Zene Motta. En la ceremonia también se destacaron los cinco proyectos clasificados y los cinco que recibieron mención honrosa.

De acordo con el jurado, la propuesta destaca por su oportuna inserción urbana e implantación en el nivel medio del terreno, su caráter simbólico y su delicadeza al ubicar su punto focal en un jardín florido en el centro de la exposición. El proyecto refuerza el sentido afectivo del lugar de la memoria, al mismo tiempo que ofrece a la ciudad una narrativa de los hechos para contribuir a la superación. La facilidad y simplicidad de ejecución y mantenimiento se ven favorecidas por la organización espacial de las funciones en una sola planta.

Conozca el resultado completo a continuación:

Cuando decimos "la mayoría" de los/las arquitectos/as, basamos nuestra conclusión en las respuestas a nuestro primer debate AD de 2018. Si bien Tim Harford, autor del libro Messy, sostiene que el desorden y un poco de confusión pueden vincularse con espacios que inspiran más creatividad, nuestros/as lectores/as tienden a discrepar. Al revisar los comentarios de nuestro artículo, la mayoría de quienes respondieron explicó que los espacios de trabajo con objetos fuera de lugar afectaban negativamente su capacidad de concentración. Muchas respuestas aludieron a que obtienen resultados más eficientes y prolíficos al trabajar en un espacio organizado. Sin embargo, esto no significa que todos/as los/las lectores/as de ArchDaily estuvieran de acuerdo; todavía existen fervientes defensores/as del "caos controlado" que insisten en que sus mejores trabajos surgen al trabajar bajo pilas de papeles o materiales.

El desafío propuesto por el concurso, dirigido a estudiantes, era descaracterizar la tipología de motel de carretera, creando um edifício que dialogara con el skyline de la ciudad de Río de Janeiro y que se enfocara en el diseño y el entretenimiento de sus huéspedes.

Según el jurado, “Muchas propuestas se concentraron en la concepción volumétrica autónoma, como si los desplazamientos de volúmenes para responder a una solución funcional pudieran dar cuenta de la complejidad necesaria para una inserción urbana. Por ello, los criterios considerados más importantes en la evaluación fueron la innovación en el programa, el correcto dimensionamiento de los flujos y las formas de interacción entre la arquitectura y los espacios libres. En este sentido, las propuestas que lograron absorber las potencialidades del lugar alcanzaron los objetivos del concurso: la creación de un Motel URBANO”.

Conoce los proyectos ganadores a continuación.

Tras uma semana de nominaciones y más de 20.000 votos, nuestros/as lectores/as eligieron sus proyectos favoritos entre cientos de obras construidas en los países de lengua portuguesa. Hoy presentamos a los finalistas del Premio Obra del Año 2018 (ODA18).

Nuestro jurado de especialistas, compuesto por nuestros/as propios/as lectores/as, realizó, una vez más, un excelente trabajo en la selección de las 15 obras. Los finalistas abarcan una diversidad notable de programas y encargos. Hay proyectos culturales, residencias de alto nivel, vivienda social, remodelaciones e infraestructura de transporte. La selección es una muestra interesante de la producción arquitectónica contemporánea en Brasil y Portugal, fuertemente marcada por la exploración de los materiales, la riqueza de nuestros contextos geográficos y los diversos desafíos que enfrentan nuestras sociedades.

Entre los 15 finalistas se encuentran 11 proyectos brasileños y 4 portugueses. Algunas oficinas repitieron su destacada participación del año 2017 y vuelven a figurar como finalistas en 2018: Studio Mk 27, Isay Weinfeld y Aires Mateus. A partir de hoy, pueden conocer cada detalle de estas obras y votar (una vez al día) por aquellas que consideren los mejores ejemplos de la arquitectura lusófona contemporánea.

¡Vota ahora!