Una de las cualidades definitorias de los interiores contemporáneos es la flexibilidad. Las oficinas, los centros educativos, los hoteles y los espacios culturales necesitan ser adaptables. Requieren espacios que puedan expandirse, dividirse, abrirse y cerrarse según las diferentes actividades, sin sacrificar el confort o la acústica. Por lo tanto, la manera en que se subdivide un espacio ya no es una decisión secundaria, sino un componente central del rendimiento arquitectónico.
Diseñar un interior es, en muchos sentidos, un ejercicio de orquestación. Del mismo modo que un director de orquesta coordina instrumentos, timbres, ritmos e intensidades para componer una pieza coherente, el/la arquitecto/a reúne materiales, color, luz, textura y proporción para definir la calidad espacial y la atmósfera de un entorno. Ninguna de estas decisiones opera de manera aislada: la elección de una superficie influye en cómo se refleja la luz; un material determinado puede definir cómo envejece un espacio con el tiempo; a su vez, el color afecta directamente la percepción de la escala.
Los materiales derivados de la madera, como los tableros de partículas decorativos, los tableros de MDF o los laminados, pueden entenderse, por lo tanto, como algo más que simples acabados. De fabricación industrial, combinan la selección del diseño, la textura de la superficie y el soporte técnico, definiendo tanto su apariencia como la manera en que un espacio responde al uso, la luz y el paso del tiempo. Factores como la estabilidad dimensional, la facilidad de mantenimiento y la resistencia al desgaste se vuelven parte integral de las decisiones de diseño, especialmente en interiores expuestos a un uso intensivo.
Fundada por Oliver Thomas, la ATN Summit es la primera conferencia insignia de Archi-Tech Network, que marca cinco años desde que la plataforma comenzó como una iniciativa comunitaria para compartir conocimientos prácticos sobre arquitectura. El encuentro, que se llevará a cabo los días 18 y 19 de marzo de 2026 en Londres, la ATN Summit reúne a profesionales de la arquitectura, la tecnología y la innovación del sector para explorar cómo las tecnologías emergentes están transformando la práctica profesional. Diseñada como un evento de alta producción impulsado por ideas, la cumbre refleja la evolución de ATN desde una conversación informal en línea hacia una plataforma global comprometida activamente con el futuro del entorno construido.
Al funcionar con solo cinco notas, la escala pentatónica establece un sistema musical estable e intuitivo en el cual la claridad estructural permite la variación sin riesgo de una disonancia excesiva. A partir de esta estructura consolidada, que constituye la base de innumerables estilos musicales —sobre todo de la música popular—, el blues introdujo una inflexión decisiva al incorporar notas adicionales a la escala. Sin entrar en tecnicismos excesivos, se trata de sutiles desviaciones tonales, de pequeñas disonancias asociadas a menudo con un sonido más melancólico, conocidas como blue notes. Ejecutadas de manera fugaz en lugar de como acentos enfáticos, tensionan brevemente el sistema, aportando expresividad y profundidad al mismo tiempo que mantienen intacta la estructura subyacente.
Si en la música la escala de blues opera mediante una sutil desviación que «condimenta» la estructura de base, un principio similar puede identificarse en la arquitectura. Aunque las comparaciones entre diferentes lenguajes artísticos siempre resultan delicadas, es posible reconocer proyectos que encuentran su fuerza expresiva no en la ruptura, sino en inflexiones localizadas introducidas dentro de sistemas claros, ya sea de modulación, sustracción, materialidad o tipología. Los desplazamientos y asimetrías localizados funcionan como tensiones internas que no comprometen la coherencia del conjunto, revelando cómo la expresividad puede surgir de la desviación controlada más que de la excepción permanente.
La arquitectura educativa sigue siendo un campo fértil para la exploración de proyectos no construidos, ofreciendo una perspectiva sobre cómo los entornos de aprendizaje pueden evolucionar a la par de los cambiantes valores sociales, ecológicos y pedagógicos. En esta edición de proyectos no construidos, enviados por la comunidad de ArchDaily, las propuestas seleccionadas reúnen una serie de proyectos que examinan escuelas, bibliotecas, guarderías y centros académicos como marcos espaciales para el cuidado, el conocimiento y el desarrollo colectivo. En lugar de entender la educación como un programa fijo albergado en edificios individuales, estas propuestas conciben los espacios de aprendizaje como entornos adaptables moldeados por el paisaje, el clima y la interacción humana.
A través de diversas geografías —desde las laderas del Mediterráneo y los patios de Europa Central hasta ciudades tropicales y modelos de campus distribuidos—, las propuestas exploran distintas respuestas arquitectónicas para la educación contemporánea. Estas abarcan desde jardines de infantes a escala infantil, organizados en torno a árboles y claustros, hasta bibliotecas concebidas como paisajes cívicos, edificios académicos centrados en la biodiversidad y escuelas imaginadas como sistemas urbanos peatonales.
Los entornos de trabajo contemporáneos prometen colaboración; sin embargo, cada vez les resulta más difícil ofrecer espacios para la privacidad. En una era dominada por las distribuciones de planta libre, los pequeños espacios acústicos como las cabinas telefónicas y los módulos de concentración se han vuelto esenciales para mantener la productividad y la privacidad. No obstante, la paradoja de los "conflictos de reserva" combinados con "espacios subutilizados" ha convertido estas áreas en un desafío operativo. El interrogante, por lo tanto, radica en cómo los espacios de trabajo pueden equilibrar la eficiencia, la productividad y las experiencias individuales de los/las usuarios/as dentro de entornos cada vez más complejos.
A medida que los requisitos técnicos de las envolventes de los edificios han evolucionado, el comportamiento frente al fuego se ha convertido en un criterio clave en el diseño de fachadas ventiladas. Ante este escenario, los análisis ya no se centran únicamente en la reacción individual de los materiales, sino también en la respuesta conjunta de toda la envolvente ante posibles escenarios de propagación exterior del fuego.
Ola Hassanain es una arquitecta y artista sudanesa que trabaja en los Países Bajos y que expondrá en la Bienal Panafricana de Arquitectura en Nairobi, Kenia, a finales de 2026. Estos tres lugares relatan la relación del entorno construido con el agua, ilustrando las continuas batallas entre las fuerzas amorfas de la naturaleza —los ríos y los mares— y los intentos humanos por moldearlas y controlarlas. En la mayoría de los casos, se trata de iniciativas de extracción. Las catástrofes ocurren como resultado de los excesos de estas acciones, de su mala gestión, o de una combinación de ambos factores.
La arquitectura residencial sigue ofreciendo un terreno fértil para la exploración de proyectos no construidos, revelando cómo los/las arquitectos/as responden al sitio, al clima y a las preexistencias a escala doméstica. En esta edición de No Construido, enviada por la comunidad de ArchDaily, los proyectos seleccionados reúnen una serie de propuestas que reconsideran la vivienda no como un objeto aislado, sino como un sistema espacial moldeado por su entorno. Estas obras posicionan a la arquitectura como un marco de negociación entre el suelo, la materia y el habitar, emergiendo a menudo de forma directa de las condiciones del sitio.
A través de geografías diversas, desde Kerala y Cartagena hasta Amán, Tromsø y Zwolle, los proyectos demuestran respuestas variadas a la arquitectura doméstica. Entre ellos se encuentran viviendas urbanas compactas organizadas mediante una estratificación vertical, casas con patio parcialmente enterradas en el terreno, residencias adaptadas a pendientes pronunciadas y transformaciones tipológicas condicionadas por normativas urbanísticas. Algunos proyectos exploran secuencias espaciales lineales arraigadas en proporciones tradicionales, mientras que otros organizan la vida doméstica en torno a atrios o vacíos excavados que regulan la luz, la ventilación y la privacidad. En su conjunto, estas propuestas analizan cómo la casa puede estructurarse a través de la sección, el material y el comportamiento ambiental en lugar de priorizar la expresión formal.
En 2012, Cities Without Ground: A Hong Kong Guidebook ofreció una de las documentaciones más claras de una condición que muchos/as habitantes experimentan de manera intuitiva pero rara vez nombran: la dependencia de Hong Kong de un urbanismo elevado en un segundo nivel. Mediante dibujos y una cartografía minuciosa, el libro capturó cómo las redes peatonales de la ciudad se elevan sistemáticamente por encima de la calle—separando a los peatones del tráfico, extendiendo el frente comercial más allá del nivel del suelo y lidiando con una topografía montañosa donde la circulación "plana" suele ser una hazaña de la ingeniería. Desde su publicación, estos sistemas no han hecho más que ganar protagonismo—not solo por su enorme complejidad espacial, sino por la forma en que redefinen el espacio público como algo continuo pero selectivo, conectivo pero curado.
No obstante, esta fascinación siempre ha traído consigo una inquietud paralela. Los pasajes elevados pueden ser generosos y eficaces, ofreciendo un tránsito resguardado y una conectividad confiable. Sin embargo, también plantean interrogantes persistentes: ¿hacia dónde conducen estas rutas?, ¿quiénes logran conectarse? y ¿qué tipo de programas son convocados—o excluidos—por este nivel de circulación "privilegiado"? La ciudad del segundo nivel no solo esquiva los vehículos; también puede dejar de lado a la calle como escenario cívico. Con el tiempo, corre el riesgo de desviar la atención arquitectónica de la vida pública a nivel del suelo, eximiendo a los/las diseñadores/as de tener que negociar la escala peatonal, las fachadas y la compleja reciprocidad de la calle. En sus peores momentos, el resultado es un paisaje de conjuntos de podios y megaestructuras selladas—edificios que simulan conectividad en el Nivel 2 mientras permanecen indiferentes al barrio en el Nivel 0.
Buildner ha anunciado los resultados de su concurso Concrete Pavilion. Como parte de la serie Material Studies de Buildner, la convocatoria invitó a arquitectos/as y diseñadores/as a explorar el potencial arquitectónico del concreto a través del diseño de un pabellón experimental. Se desafió a los y las participantes a reconsiderar este material más allá de su uso convencional, investigando sus posibilidades espaciales, estructurales y sensoriales.
En un equilibrio entre estética, rendimiento y versatilidad, HIMACS se consolida como la opción de superficie sólida de preferencia para profesionales de la arquitectura y el diseño. Dando un paso más allá, toda la gama de fregaderos y lavabos estándar de HIMACS cuenta ahora con la certificación oficial de SCS, con un mínimo del 8% de contenido reciclado preconsumo. Esta certificación potencia el atractivo técnico y visual del material al ofrecer una opción más sostenible sin comprometer la calidad ni la funcionalidad.
Desde encimeras de baño con lavabos integrados hasta islas de cocina con fregaderos instalados al ras, las formas de HIMACS ofrecen un equilibrio perfecto entre estilo y funcionalidad. Cada componente se integra sin esfuerzo con la superficie de HIMACS circundante, creando un acabado continuo y sin juntas que resulta tan elegante como fácil de mantener.
Mucho antes de que la arquitectura tomara la forma de muros, techos o ciudades, esta ya reunía a las personas en torno al fuego. El simple fogón fue uno de los primeros dispositivos espaciales de la humanidad: un lugar para el calor, la comida, las historias y el ritual. A su alrededor, el espacio cobraba forma a través de la proximidad y no del cerramiento; mediante la presencia compartida en lugar de un uso prescrito. El fuego organizaba los cuerpos en círculo, fomentaba alianzas y transformaba la supervivencia en vida colectiva. Hoy en día, esta lógica ancestral persiste: la arquitectura tiene el potencial de reunir a las personas, no dictando cómo deben encontrarse, sino creando las condiciones que hacen posible el encuentro.
Este mes, ArchDaily explora El encuentro y la creación de lugar, un tema que examina la arquitectura como un marco para la inclusión, el cuidado y la pertenencia. Esta temática se alinea con la primera edición de los ArchDaily Student Project Awards, los cuales abordan el cuidado desde una perspectiva colectiva, enfocándose en espacios que fomentan mejores formas de convivencia. Más allá de los espacios de reunión emblemáticos, nuestra cobertura analiza los entornos cotidianos, desde mercados de alimentos y mesas comunitarias hasta plazas de barrio, terceros lugares, ámbitos domésticos y entornos digitales o híbridos de encuentro a distancia. En lugar de tratar el encuentro como un programa rígido, se plantea cómo el diseño espacial puede potenciar la apertura, la diversidad y la vida colectiva sin imponer formas fijas de reunión.
Hoy en día, el aprendizaje y el intercambio interdisciplinarios son más cruciales que nunca para abordar desafíos ambientales, sociales y urbanos cada vez más complejos.
Cada verano, el College of Environmental Design (CED) de la Universidad de California, Berkeley, se convierte en un laboratorio intensivo para la exploración arquitectónica, paisajística y urbana. A través de dos programas complementarios —Design + Innovation for Sustainable Cities (DISC) y los Summer Institutes—, Berkeley ofrece un plan de estudios inmersivo fundamentado en el rigor disciplinario, el intercambio intencionado y una cultura institucional compartida. En conjunto, estos programas reflejan la consolidada estructura multidisciplinaria del CED, donde la arquitectura, la arquitectura del paisaje, la planificación urbana y el diseño urbano prosperan y colaboran bajo un mismo techo.
Este artículo es parte de nuestra nueva sección de Opinión, un formato de ensayos argumentativos sobre las preguntas cruciales que definen nuestro campo profesional.
El proyecto moderno de sostenibilidad se basa en la promesa de que las tecnologías en constante evolución pueden conciliar el crecimiento urbano y económico con la responsabilidad ecológica. A juzgar por las métricas desarrolladas por las profesiones del entorno construido y las políticas adoptadas por los gobiernos, el progreso es tangible y se está acelerando: los edificios consumen menos energía por metro cuadrado que hace una generación, los vehículos emiten menos contaminantes por kilómetro y la infraestructura urbana está más integrada y es notablemente más limpia en muchas ciudades. A pesar de ello, el consumo total de recursos sigue aumentando. La sostenibilidad, tal como se practica hoy en día en las disciplinas del entorno construido, se ha convertido en una estrategia para optimizar el consumo en lugar de reducirlo. Hasta que el gremio no esté dispuesto a cuestionar la escala y la estructura de la demanda, en vez de limitarse a optimizar la eficiencia con la que esta se satisface, sus logros más celebrados seguirán quedándose cortos frente al problema que pretenden resolver.
Las instituciones culturales representan un campo activo de exploración arquitectónica no construida, lo que refleja cómo los/las arquitectos/as continúan cuestionando el papel de los edificios públicos en la configuración de la vida urbana. En esta edición de Arquitectura no construida, enviada por la comunidad de ArchDaily, las propuestas seleccionadas reúnen una serie de proyectos que abordan museos, centros de exposiciones y edificios diplomáticos como espacios de encuentro público. En lugar de tratar estos programas como tipologías fijas, estas propuestas los plantean como entornos espaciales en evolución a través de los cuales las ciudades se relacionan con la historia, el conocimiento y la representación.
A lo largo de geografías diversas, desde Wenzhou y Helsinki hasta Belgrado, Debrecen, la Ciudad de México y Núremberg, las propuestas exploran distintas respuestas a la arquitectura cultural contemporánea. Estas van desde la reutilización adaptativa de estructuras industriales e ideológicas hasta nuevos edificios integrados en frentes marítimos, parques y barrios residenciales. Mientras algunas enfatizan la continuidad con los contextos históricos, otras experimentan con estructuras más ligeras, estrategias ambientales o nuevas relaciones entre los programas interiores y el espacio público. En conjunto, ofrecen una instantánea de cómo se están reimaginando las instituciones culturales en diversas condiciones urbanas.
La arquitectura siempre ha dependido de sistemas de representación para hacer visibles las ideas antes de que existan. Sin embargo, mientras que la perspectiva lineal del siglo XV de Filippo Brunelleschi organizaba el espacio de acuerdo con la percepción humana, hoy en día los/las arquitectos/as se enfrentan a una saturación de imágenes sin precedentes. La IA genera atmósferas en segundos y los proyectos circulan continuamente mucho antes de que comience la construcción. No obstante, esta abundancia de imágenes no produce necesariamente una mayor claridad; a medida que los flujos de trabajo arquitectónicos se vuelven más rápidos y fragmentados, el material visual a veces circula desvinculado de las decisiones, limitaciones e intenciones que lo generaron. El valor real de la visualización moderna ya no radica únicamente en renderizar una imagen final, sino en cómo se comprenden colectivamente el diseño y la comunicación visual a lo largo de todo el proceso.
En el competitivo panorama del diseño actual, el Modelado de Información de Construcción (BIM, por sus siglas en inglés) ya no es solo una tendencia: se ha convertido en un requisito básico. Sin embargo, muchos despachos aún tienen dificultades para equilibrar la complejidad y el esfuerzo invertidos con el valor real que reciben a cambio. Pero ¿y si fuera posible aprovechar los beneficios del BIM sin añadir una carga de trabajo innecesaria? Explorar un enfoque *lean* (eficiente) del BIM —centrado en la eficiencia, la claridad y los resultados reales del proyecto— puede ayudar a los equipos de arquitectura a optimizar sus flujos de trabajo de diseño, fortalecer la colaboración y mantener el control creativo desde el concepto hasta la entrega.
WORKac es una firma con sede en Nueva York fundada en 2003 por Amale Andraos y Dan Wood. La oficina siempre ha creído en "el poder de la arquitectura y el diseño para comprometerse con las preocupaciones ambientales y sociales, y para crear nuevas posibilidades para el futuro". En ese sentido, la dirección de la oficina define su enfoque de la arquitectura como una evolución constante. Para su equipo, se trata de un proceso continuo de aprendizaje, cuestionamiento y reaprendizaje, alimentado por el compromiso de la práctica con la cultura, el clima y la historia locales, así como por el discurso en los campos de la ecología, el paisaje y el urbanismo. De este modo, logran integrar estos temas con un enfoque en proyectos públicos, culturales y cívicos que buscan reinventar la manera en que las personas viven, trabajan y experimentan el mundo.
En colaboración con el fabricante de materiales de construcción Kingspan, Buildner ha lanzado MICROHOME 2026, la undécima edición de su concurso anual, que ofrece una bolsa de premios de €100,000. Esta convocatoria global invita a arquitectos/as, diseñadores/as y mentes creativas a redefinir el concepto de las microviviendas y a desarrollar soluciones sostenibles y de vanguardia para el hábitat compacto.
El arquitecto chileno Smiljan Radić Clarke ha desarrollado una obra que se resiste a las categorizaciones sencillas. Sus edificios a menudo parecen tanto antiguos como provisionales, portando una presencia monumental al tiempo que conservan una inesperada sensación de fragilidad. Piedra, hormigón, madera, tela y fibra de vidrio se combinan de formas imprevistas, produciendo arquitecturas que oscilan entre la permanencia y lo efímero. En lugar de buscar un lenguaje formal estable, el laureado con el Premio Pritzker 2026 aborda la arquitectura como un campo abierto de experimentación, donde el comportamiento material y la percepción estructural se ponen a prueba constantemente.
Durante siglos, las gallinas han vivido junto a las personas en asentamientos de todas las escalas, desde granjas rurales y aldeas hasta densos barrios urbanos. En gran parte del mundo, la cría de gallinas ha sido parte de la vida cotidiana, proporcionando huevos y carne a los habitantes, o control de plagas para las tierras agrícolas circundantes. Las estructuras construidas para albergar a las gallinas variaban según los materiales locales, el clima y las prácticas culturales, pero compartían un propósito común: crear un espacio donde las gallinas y los seres humanos pudieran coexistir. El gallinero no es una tipología arquitectónica nueva ni una respuesta contemporánea a la vida urbana; al contrario, es una forma que se ha adaptado continuamente a las cambiantes condiciones sociales, ambientales y espaciales.
La arquitectura de gran altura sigue siendo una herramienta fundamental para albergar la densidad en entornos urbanos en rápida evolución. Definida tradicionalmente por la eficiencia y la repetición, la torre se reexamina cada vez más como un sistema espacial y organizativo más complejo. En diversas geografías, los/las arquitectos/as están probando cómo las estructuras verticales pueden ir más allá de las funciones únicas para incorporar programas superpuestos, estrategias ambientales y nuevas formas de ocupación.
La siguiente selección reúne proyectos no construidos enviados por la comunidad de ArchDaily, destacando una variedad de enfoques para la torre contemporánea. Desde desarrollos de uso mixto y rascacielos residenciales hasta propuestas ecológicas especulativas, estas obras reflejan un cambio continuo en la forma en que se concibe la arquitectura vertical. Estas torres abordan cuestiones más amplias de privacidad, convivencia, adaptabilidad e integración urbana.
La figura de Titono en la mitología griega ofrece una reflexión sobre la paradoja de la permanencia. Al suplicar a Zeus la inmortalidad, olvidó pedir la juventud eterna, lo que dio lugar a una vida de envejecimiento interminable. Con el tiempo, su cuerpo se deteriora, convirtiendo la inmortalidad misma en una carga. La narración sugiere una contradicción fundamental: la permanencia, cuando se desprende de la capacidad de cambio, deja de ser una cualidad deseable. En lugar de estabilidad, produce un deterioro acumulado sin adaptación.
Históricamente, la arquitectura ha caído a menudo en la "trampa de Titono". Los materiales se especifican para resistir el paso del tiempo, los sistemas se detallan para evitar el cambio y los edificios se conciben como imágenes fijas. Sin embargo, esta búsqueda de lo estático rara vez sobrevive a la realidad de la intemperie. Entre el momento del diseño—frecuentemente asociado a representaciones precisas y controladas—y la vida útil de un edificio, las superficies inevitablemente se desgastan, cambian de apariencia y pierden su acabado inicial. El envejecimiento suele interpretarse como una pérdida, en lugar de entenderse como parte del lenguaje arquitectónico.
