La arquitectura informal es el modo predominante de urbanización en las ciudades de rápido crecimiento e industrialización en todo el mundo. En Delhi, la ciudad más poblada de la India, la mitad de sus habitantes vive en asentamientos informales. Lagos, con una población que supera los 22 millones de personas, también registra un 60% de residentes viviendo en asentamientos informales. Este patrón se repite en El Cairo, Johannesburgo, Kinshasa y otras ciudades del Sur Global que enfrentan desafíos similares de desigualdad y escasez de vivienda. A medida que su población crece y la urbanización avanza, la exploración de esquemas de arquitectura informal para atender la demanda de vivienda asequible y servicios básicos no hará más que aumentar. Si bien el propósito principal del diseño es dotar de estructura, las lecciones de la arquitectura informal ofrecen pautas sobre cómo los/las arquitectos/as pueden responder a este tipo de dinámicas.
Camerún cuenta con un rico patrimonio arquitectónico de templos de culto católico. Estas edificaciones abarcan diversos estilos, desde diseños contemporáneos y exploraciones con ladrillo de terracota hasta influencias arquitectónicas góticas y bizantinas. A partir de la llegada de misiones y comunidades coloniales en 1890, se construyeron numerosos edificios religiosos con la participación de las poblaciones locales. Estas obras no solo contribuyeron al desarrollo de la fe cristiana, sino que también funcionaron como espacios de intercambio de ideales arquitectónicos entre las comunidades locales y extranjeras.
Durante este periodo, en Camerún se exploraron las corrientes gótica y bizantina —que habían alcanzado su apogeo en Europa— para la creación de estos templos. Ambos movimientos fueron puestos en diálogo con las prácticas constructivas locales y hoy en día representan el patrimonio histórico de las catedrales del país.
El 3 de febrero se inauguró la edición de este año de la Bienal de Lagos en la Plaza Tafawa Balewa, un lugar emblemático que en 1960 fue el escenario de las celebraciones de la independencia de Nigeria. En su cuarta edición, esta feria de arte mantiene su objetivo de utilizar el arte para reactivar monumentos históricos que han perdido relevancia, ya sea en su uso funcional o en su significado simbólico para la población de la antigua capital.
Las ediciones anteriores de la Bienal han explorado diversos aspectos de la arquitectura de la ciudad, su significado de representación, sus implicaciones políticas, la soberanía, la propiedad, las nociones de pertenencia y su relación con el público. Este año, el tema "Refugio" lleva esta exploración aún más lejos en la Plaza Tafawa Balewa. Los y las curadores Kathryn Weir y Folakunle Oshun destacan que este eje temático impulsa a la plaza a cuestionar el concepto de Estado-nación. Asimismo, reúne a artistas y profesionales de la arquitectura de diversas disciplinas para explorar enfoques alternativos en la construcción de comunidades renovables y la promoción de la justicia climática.
Las crecientes exigencias de eficiencia energética, funcionalidad técnica y confort interior en los edificios exigen el desarrollo de construcciones de envolventes edilicias más eficientes. La envolvente actúa como mediadora entre el exterior y el interior de un edificio. En el panorama de la arquitectura contemporánea, desempeña múltiples funciones para mejorar el rendimiento de la edificación. Estas funciones incluyen, entre otras, los sistemas de control del edificio, el suministro de energía (como gas y electricidad) y la calefacción, ventilación y aire acondicionado (HVAC). Son estos elementos los que determinan principalmente la funcionalidad, eficiencia y seguridad de los espacios habitables. Dado que la naturaleza de las envolventes depende en gran medida de estas instalaciones técnicas, ¿cómo pueden servir de marco principal para el desarrollo del diseño arquitectónico?
La pregunta "¿cómo podemos controlar la luz natural en los espacios interiores?" es fundamental en la arquitectura. La radiación solar directa y sin regulación puede causar molestias, como fatiga visual y ganancias térmicas indeseadas. Por lo tanto, resulta crucial controlar su ingreso de manera eficaz. Algunas soluciones de diseño incluyen la instalación de dispositivos de sombreado, la planificación de la orientación espacial y el desarrollo de volumetrías que favorezcan la luz natural indirecta. También pueden emplearse tratamientos para ventanas, como películas protectoras o acristalamientos que reflejen el calor.
No obstante, existen estrategias innovadoras para controlar la luz natural de manera más eficiente mediante paneles de acristalamiento avanzados como Kalwall 175CW. Esta unidad de acristalamiento aislante translúcido es compatible con la mayoría de los sistemas de muros cortina de otros fabricantes. Al manipular la translucidez del material acristalado, es posible influir en el confort visual y térmico de los espacios. Al mismo tiempo, esto puede realzar la arquitectura de las obras modernas, aportando un valor estético y emocional sustancial.
Situado en el municipio de Leogang, en la provincia de Salzburgo (Austria), el Priesteregg Premium Eco Resort se asienta sobre una meseta a 1100 metros de altitud. Inaugurado en 2009, el complejo consta de 15 chalets y tres villas, rodeados de frondosos pinos de montaña, rosas alpinas y arbustos de arándanos. Este entorno ofrece un espacio de relajación y vistas impresionantes a las montañas de Leogang Steinberg, al macizo de Steinernes Meer con el Hochkönig, y a los Alpes de esquisto de Kitzbühel.
El desarrollo del complejo ha estado influenciado por el uso tradicional de las tierras agrícolas, lo que ha dado lugar a un enfoque conservacionista. Esto incluye conceptos de energía sostenible, el apoyo a los productores regionales y el uso de materiales naturales en todo el recinto. En las tres villas, el estudio W2 Manufaktur y el/la arquitecto/a Ulrich Stöckl han diseñado interiores que fusionan el estilo alpino rústico con el lujo moderno, incorporando productos de Dornbracht. Cada villa combina de manera singular materiales y elementos naturales con una variedad de griferías y accesorios de la marca.
Alero Olympio (1959-2005) fue una arquitecta y constructora conocida por un enfoque profundamente ecológico de la arquitectura. Nacida en Ghana, dividió su práctica profesional entre su país natal y Escocia. Se enfocó en un trabajo que priorizaba a las personas y asumió un compromiso sincero con la sostenibilidad social y ambiental, privilegiando el uso de materiales de origen local.
Su legado arquitectónico abarca desde obras construidas como el Instituto Kokrobitey hasta su defensa de las construcciones de tierra, investigaciones sobre productos forestales sostenibles y mucho más. Sin embargo, existe un vacío en los archivos institucionalizados de su obra, lo que ha impulsado los esfuerzos actuales por construir un registro exhaustivo de sus contribuciones. En este sentido, la conferencia anual de 2024 de Womxn in Design and Architecture (WDA), organizada por la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Princeton, realizó un aporte significativo. El evento incluyó exposiciones, seminarios y mesas de discusión que reflexionaron sobre el legado de Alero Olympio y examinaron las perspectivas arquitectónicas que su obra sigue ofreciendo.
Las viviendas modulares son casas construidas parcial o totalmente en una fábrica. Este proceso consiste en la creación de una serie de "módulos" tridimensionales que se entregan en el sitio siguiendo un patrón espacial predeterminado para luego ensamblarse en un producto terminado. Estas viviendas se han convertido en soluciones populares ante las crisis de vivienda, ya que pueden producirse un 50% más rápido y emiten la mitad de contaminación.
Sin embargo, la procedencia local de los materiales utilizados es un factor significativo que otorga carácter a las viviendas, ya que transmite un sentido de lugar, cultura, historia constructiva y artesanía local. Esto plantea interrogantes sobre su papel en la vivienda modular: ¿pueden utilizarse materiales locales en la producción de casas en fábrica? ¿Es posible combinarlos con una estructura modular y uniones temporales? ¿Cuáles son las limitaciones de construir viviendas modulares en los contextos locales del Sur Global?
La presencia de edificios abandonados es cada vez más notoria en muchas ciudades africanas. Limbo Accra, un estudio de diseño espacial, se cimienta en la experimentación en torno a la reparación, reutilización y transformación de estas estructuras. El estudio considera estos edificios como una tipología arquitectónica única que abarca hitos urbanos clave, desde la abandonada Casa de la Independencia en Lagos hasta la inconclusa torre del aeropuerto en Acra, entre otros. Los perciben como grandes oportunidades para el espacio público moderno y como sitios simbólicos para la justicia espacial. Mediante técnicas como la fotogrametría, Limbo Accra ha estado creando un archivo digital de estos edificios, colaborando con artistas y profesionales del diseño para proponer nuevas perspectivas de futuro para ellos. ArchDaily tuvo la oportunidad de conversar con Dominique Petit-Frère, quien cofundó Limbo Accra, sobre el carácter colectivo de estos edificios, el enfoque de Limbo Accra para su transformación y los desafíos que implica la reutilización adaptativa de estas estructuras.
Ubicada al norte de Dakar, cerca del aeropuerto de la ciudad, se encuentra una composición arquitectónica de volúmenes triangulares conocida como el Centro de Comercio Internacional en Dakar, Senegal. También conocida como la Foire Internationale de Dakar o FIDAK, esta estructura es un ejemplo icónico del modernismo de los años sesenta en África Occidental. Sintetiza la complejidad de las formas simples dentro de patrones espaciales vernáculos. Completado en 1974, el complejo refleja la ambición poscolonial del país y se ha consolidado como un marco espacial adaptable para importantes eventos culturales y exposiciones.
Minimaforms presenta The Order of Time en la Architectural Association School of Architecture Gallery. Se trata de una instalación inmersiva que busca conectar las preocupaciones de la física, el arte y la arquitectura al revelar el ordenamiento de los espacios y las relaciones construidas a través de la experiencia directa.
Tres instalaciones escultóricas son las protagonistas de la exposición: organizaciones esféricas desplegadas mediante lógica matemática y diseñadas para expandir el espacio dentro de cajas de luz reflectantes, ofreciendo a quienes las observan un nuevo momento inmersivo a cada paso. ArchDaily tuvo la oportunidad de conversar con Theodore Spyropoulos, artista y profesional de la arquitectura en Minimaforms y director del Design Research Lab de la Architectural Association, sobre temas vinculados a la naturaleza interdisciplinaria de la arquitectura, el proceso creativo de la instalación y cómo esta influye en la creación de espacios, edificios y ciudades.
Mientras la Bienal de Arquitectura de Venecia presenta su 18ª edición, titulada "El laboratorio del futuro", esta se centra en África como un espacio de exploración que ofrecerá un modelo de soluciones para el mundo. Según su curadora, Lesley Lokko, la Bienal explora conceptos profundamente arraigados como el clima, los derechos sobre la tierra, la decolonización y las culturas. Nos desafía a cuestionar cómo la historia de África puede ser una herramienta radical para la imaginación y nos recuerda la frase de Stephen Covey: “Vive de tu imaginación, no solo de tu historia”. El título de la bienal es, probablemente, la pregunta más ambiciosa en años. Nos obliga a revisar todos los límites de las sociedades históricas del continente, a explorar la influencia que las fronteras coloniales impuestas tuvieron sobre ellas y a examinar las identidades duales a las que dieron origen. Debemos considerar cómo estas identidades pueden ser instrumentos de creatividad y, lo que es más importante, reconocer que cada sociedad africana posee un punto de vista único. Esta perspectiva anhela la colaboración intercultural como una herramienta poderosa para la imaginación.
Los fractales son formas geométricas complejas con propiedades de dimensiones fraccionarias. Han surgido como patrones sinuosos en las fronteras de las matemáticas, la tecnología de la información y la computación gráfica. Durante los últimos 30 años, estos patrones también se han convertido en importantes herramientas de modelado en otras áreas, como la biología, la geología y otras ciencias naturales. Sin embargo, la existencia de los fractales va mucho más allá del nacimiento de las computadoras, y estos han sido observados por antropólogos y antropólogas en las sociedades africanas indígenas. Uno de ellos es Ron Eglash, un científico estadounidense que presenta pruebas de la presencia de fractales en la arquitectura, el arte, la escultura textil y la religión de estas comunidades. En su libro “African Fractals: Modern Computing and indigenous design”, sostiene que los fractales en las sociedades africanas no son meramente accidentales o intuitivos, sino que constituyen temas de diseño que evolucionan a partir de las prácticas culturales y las estructuras sociales.
A medida que se recorre la sinfonía de columnatas de madera, pantallas de follaje y cubiertas desplegadas, hacia las venas convergentes del suelo y los nervios del techo que conducen a la luz, se percibe como un espacio que siempre debió estar allí. Como parte del parque, el pabellón complementa la naturaleza que lo rodea, reflejando sus patrones, e ilumina un elemento interior principal: un conjunto concéntrico de mesas y banquetas que invitan a las personas a sentarse en el momento, entablar conversaciones y conectar entre sí. Esta narrativa cuenta la historia del Serpentine Pavilion de este año, diseñado por la arquitecta francolibanesa Lina Ghotmeh.
Bajo el título À table, la propuesta se inspira en la relación de la diseñadora con la naturaleza durante su infancia y evoca el llamado francés a sentarse juntos a la mesa, compartir una comida y entablar un diálogo. Pone en primer plano la mesa como un laboratorio de ideas, inquietudes, alegrías y conexiones, y, en esencia, reúne a las personas. Asimismo, reflexiona sobre los ideales arquitectónicos que pueden propiciar y acoger momentos de conversación colectiva.
Nuestra vida cotidiana implica una comunicación constante con la ciudad. A medida que nos desplazamos por diferentes espacios, nos planteamos preguntas como "¿Dónde estoy ahora?", "¿Hacia dónde voy?", "¿Qué estoy buscando?", "¿Para qué sirve este edificio?" y "¿Cómo experimento este espacio?". Aunque los encuentros espaciales puedan parecer intuitivos, el diseño gráfico ambiental (EGD) ofrece las respuestas al funcionar como una interfaz clave entre las personas y el entorno construido. Este campo abarca el diseño de elementos gráficos que se integran con el diseño arquitectónico, paisajístico, urbano y de interiores para lograr que los espacios sean más informativos, fáciles de navegar y memorables. El EGD consta de tres elementos principales: texto, forma y color. Mientras que el texto y las formas suelen encapsular la información gráfica, el color la proyecta, la amplifica y ayuda a comunicarla dentro de los saturados escenarios urbanos. En las experiencias espaciales, percibimos los colores en primer lugar, ya que nuestros sentidos registran principalmente sensaciones visuales. Por lo tanto, el uso estratégico del color es fundamental para que la gráfica ambiental proporcione una experiencia multinivel que integre imágenes de identidad, sentido de lugar y conexión emocional.
La protesta siempre ha sido una herramienta poderosa para generar cambios, y los espacios públicos ofrecen una plataforma para la participación social en las sociedades. En el marco del Día Internacional de la Democracia, analizamos a África, su serie de protestas emergentes durante el último año y cómo la ciudadanía de diversos países cuestiona la justicia política, exige mejores condiciones de vida a sus gobiernos y debate sobre la soberanía de sus naciones. Con manifestaciones que van desde marchas organizadas a gran escala hasta estallidos espontáneos más pequeños, los y las habitantes de estos países han ocupado los espacios públicos de maneras simbólicas y significativas para amplificar sus voces. Estos espacios abarcan plazas públicas con un profundo significado cultural e histórico, entornos de edificios políticos o zonas de protesta improvisadas, como calles y áreas abiertas. De este modo, las ciudades africanas demuestran cómo las personas se apropian de estos lugares y cómo no se puede ignorar el poder de su congregación a la hora de desentrañar la esencia democrática del espacio público.
La tierra apisonada es uno de los métodos más antiguos de construcción de muros y sigue ofreciendo un gran potencial para la edificación contemporánea con tierra. Una de las facetas de este potencial radica en la riqueza de sus colores y estratos, que se hacen visibles al retirar los encofrados, revelando un carácter estratificado. Al tratarse de un proceso que implica la compresión capa por capa de grava, arena, limo y arcilla, el aspecto resultante es una estratificación horizontal de tonos tierra, composición material y procesos de curado. Esta colorida apariencia de los muros de tierra apisonada se puede controlar y explorar mediante patrones, texturas, pigmentación y colores naturales de la arcilla, lo que ofrece la oportunidad de ampliar sus límites dentro de la arquitectura.
Históricamente, la arquitectura ha servido como un lienzo para la expresión artística. Los elementos de construcción se han adornado con guirnaldas talladas en relieve, inscripciones, murales al fresco, bustos de retratos y esculturas figurativas de estilo clásico, todo lo cual enfatiza el carácter único e intencional de cada componente. No obstante, la industrialización del siglo XIX trajo consigo un cambio de paradigma que despojó a los componentes arquitectónicos de sus elementos decorativos. En su lugar, se priorizó la búsqueda de la belleza en la estandarización y la accesibilidad económica que ofrecían los elementos de construcción fabricados en serie.
Ahora bien, ¿existe espacio para la expresión artística dentro de la producción en serie? ¿Pueden los/las artistas involucrarse en los procesos de fabricación industrial de los elementos de construcción? ¿Y de qué manera las nuevas tecnologías pueden facilitar la personalización en masa de los componentes arquitectónicos desde una perspectiva artística? Estos interrogantes nos invitan a reflexionar sobre el potencial de expresión, comunicación y reflexión que reside en la elaboración de elementos constructivos, tanto para espacios interiores como exteriores.
