El modernismo tiene una larga historia en Marruecos. Debido a su cercanía con Europa y a su condición de protectorado francés, el país se mantuvo a la par de los avances arquitectónicos de este movimiento. Su relativa paz tras la Segunda Guerra Mundial consolidó aún más este papel, atrayendo a arquitectos y arquitectas de Europa que buscaban un laboratorio para desarrollar nuevas ideas. Los y las arquitectas del Marruecos independiente adoptaron el modernismo al asumir la tarea de construir la infraestructura de una nueva nación. El arquitecto Jean-François Zevaco, nacido en Marruecos de padres franceses, ejerció su profesión a lo largo de estos periodos formativos, desarrollando su propia y expresiva versión de la arquitectura moderna.
En la histórica Stone Town, la principal ciudad de Zanzíbar, Tanzania, la historia de un edificio de cine y su inminente restauración refleja tanto el pasado de la ciudad como la narrativa de las salas de cine en general. El inicio del siglo XX fue testigo del auge en la construcción de cines, que alcanzó su punto máximo a mediados de siglo antes de entrar en decadencia frente a la competencia de los complejos multisala y la televisión doméstica. Aunque muchos fueron demolidos o modificados de forma irreversible, otros tantos quedaron abandonados, convertidos en cápsulas del tiempo de una época pasada. Estos edificios ofrecen un retrato de los estilos y métodos arquitectónicos de su tiempo, al tiempo que recuerdan el papel fundamental que desempeñaron en sus comunidades. Restaurar y adaptar un cine como el Majestic representa un reconocimiento de su valor patrimonial y comunitario.
Liminal Air Space-Time por Shinji Ohmaki, Noor Riyadh 2025. Imagen cortesía de Noor Riyadh
Noor Riyadh 2025 llevó instalaciones lumínicas a gran escala a espacios públicos de toda la capital de Arabia Saudita, transformando temporalmente nodos de transporte, distritos históricos y hitos urbanos emblemáticos en entornos iluminados. Del 20 de noviembre al 6 de diciembre de 2025, Riad se convirtió en una galería a escala urbana de luz, movimiento y percepción cambiante. La quinta edición del festival presentó 60 obras de 59 artistas provenientes de 24 países, incluyendo más de 35 nuevos encargos que respondieron al tema "En un abrir y cerrar de ojos". A través de la luz, concebida tanto como medio como concepto, las instalaciones reinterpretaron el paisaje arquitectónico de la capital —en rápida evolución— y reflejaron cómo cambia la percepción en espacios configurados por el patrimonio y el desarrollo urbano ambicioso.
Los seres humanos y las mascotas comparten desde hace mucho tiempo un vínculo profundo e inseparable; hoy en día, la forma en que convivimos con ellos/as cobra cada vez mayor relevancia. Más allá de ofrecer compañía, las mascotas suelen considerarse hoy compañeras de vida que brindan un sólido apoyo a la salud mental y al bienestar emocional. Sin embargo, no solo importa la conexión emocional: la manera en que diseñamos y curamos los espacios de cohabitación con ellos/as juega un papel fundamental en la configuración de relaciones espaciales significativas entre los seres humanos y sus compañeros/as animales.
Ya sea a través de mobiliario diseñado a medida o de soluciones integradas de manera más fluida, como nichos empotrados y cavidades en las paredes, se está prestando cada vez más atención a cómo podemos coexistir mejor con las mascotas en nuestros hogares. Este cambio refleja mucho más que una simple cuestión de afluencia económica o de tenencia de mascotas; señala una evolución más amplia del concepto de compañía, arraigada en el apoyo mutuo, la salud emocional y los entornos compartidos.
El nuevo edificio del Instituto de Educación Secundaria de Muskiz (Vizcaya), diseñado por el estudio BAT Architecture, se ha convertido en un referente de la arquitectura sostenible para centros educativos. Diseñado bajo los estándares Passivhaus y construido con madera contralaminada (CLT), el proyecto conjuga innovación, confort y respeto por el medio ambiente.
En esta fórmula, la fachada ventilada cerámica de Faveker, diseñada a medida a partir de su sistema GA16, desempeña un papel fundamental. Esta piel cerámica, precisa y luminosa, no solo mejora la eficiencia energética del edificio, sino que también le aporta una personalidad arquitectónica singular que dialoga con el entorno natural circundante.
Los hoteles se conciben cada vez más como algo más que simples lugares de alojamiento. A medida que las expectativas en torno a los viajes se transforman, los/las arquitectos/as abordan los proyectos de hospitalidad como oportunidades para explorar nociones de contexto, experiencia e identidad. Ya sea integrándose en paisajes remotos o insertándose en entornos urbanos densos, estas propuestas examinan cómo la arquitectura puede moldear la experiencia de los/las huéspedes a través de la organización espacial, la selección de materiales y la conexión con el lugar. Así, el hotel se convierte en una estructura no solo para el descanso, sino también para la interacción con el entorno, con los demás y con el diseño mismo.
Cada mes, el equipo editorial de ArchDaily cura una selección de proyectos no construidos bajo una tipología o temática común. Presentadas por firmas de todas las escalas y de diversas partes del mundo, estas propuestas representan la diversidad de enfoques dentro de nuestra comunidad global de arquitectura. La selección de este mes se centra en hoteles, que van desde las escultóricas Pistachio Villas en Ubud, hasta el modular Dubai Edition Hotel y Terra Dionysia en Santorini, arraigado en sus viñedos. En conjunto, reflejan un amplio espectro de pensamiento arquitectónico en torno a la hospitalidad, desde la integración paisajística y las referencias culturales hasta cuestionamientos sobre la densidad y el espacio público. Las postulaciones están abiertas para todos/as.
Museum of Emotions es un concurso internacional de diseño anual que desafía a los y las participantes a explorar hasta qué punto la arquitectura puede utilizarse como una herramienta para evocar emociones. El programa requiere el diseño de un museo conceptual con dos salas de exposición: una diseñada para inducir emociones negativas y otra para inducir emociones positivas. Quienes participen tienen libertad para elegir cualquier sitio de su agrado, real o imaginario, así como la escala del proyecto. El significado de 'positivo' y 'negativo' queda abierto a la interpretación: ¿Qué dos emociones podría contrastar un/a diseñador/a? ¿Cómo podría un/a arquitecto/a concebir espacios que provoquen miedo, ira, ansiedad, amor o felicidad?
Museum of Emotions es un concurso 'silencioso': es decir, los y las participantes deben comunicar sus ideas sin texto, utilizando únicamente imágenes. No se permite ningún tipo de texto, ya sean descripciones de diseño, anotaciones o incluso etiquetas de diagramas.
Coding Plants: un arrecife artificial y archivo de algas vivas. Cortesía de Terreform ONE
Esta selección curada de proyectos de la Bienal de Arquitectura de Venecia 2025 explora cómo los/las arquitectos/as y diseñadores/as están replanteando la relación entre el entorno construido y el agua en respuesta a la crisis climática global. Ante el aumento del nivel del mar y la creciente frecuencia de fenómenos meteorológicos extremos, el agua ya no es una amenaza lejana, sino una condición de diseño inmediata. En lugar de resistirse a ella, estos proyectos analizan cómo la arquitectura puede coexistir con las fuerzas naturales, adaptarse a ellas e incluso regenerarse a través de estas. En conjunto, sugieren una transición hacia el trabajo con los elementos, reconociendo al agua no como un límite para la construcción, sino como un participante activo en la configuración de los entornos del futuro.
La visita a museos y galerías ha sido durante mucho tiempo una experiencia altamente curada. Se guía al público visitante a través de una secuencia de salas cuidadosamente orquestada, con obras seleccionadas meticulosamente para relatar una narrativa específica, con el apoyo de señalética, gráfica, escenografía e iluminación calibrada. Incluso las exposiciones que rara vez cambian —las colecciones permanentes— suelen apoyarse en una sólida voz curatorial —dirigida por artistas o curadores/as de renombre— para definir la postura institucional e influir en la interpretación.
Al mismo tiempo, las áreas de almacenamiento de museos y galerías suelen mantenerse por separado: a menudo dentro del mismo edificio pero bajo un acceso estrictamente controlado, y con frecuencia en instalaciones externas dedicadas a tal fin, como el Centro de Conservación del Louvre. Estas zonas se han concebido tradicionalmente como espacios altamente controlados, no solo en términos de acceso, sino también en relación con el clima, la humedad, el orden del archivo, los protocolos de manipulación, el mantenimiento y la conservación. Por temor a robos y a que se alteraran los requerimientos espaciales, ambientales y de secuenciación del archivo, el almacenamiento ha sido históricamente un tanto reservado, sirviendo principalmente a investigadores/as académicos/as y profesionales del arte bajo solicitud previa. Rara vez el público general logra obtener una visión completa de las obras resguardadas por una institución determinada.
Al fusionar técnicas vernáculas con la experimentación contemporánea, el paisaje arquitectónico de México se define a través de un diálogo continuo entre la tradición, la materialidad y la modernidad. Siendo el quinto país con mayor biodiversidad del mundo, la arquitectura mexicana busca responder a una vasta diversidad de entornos naturales, climas y tradiciones culturales, todo ello dentro de un territorio marcado por contrastes singulares. Como reflejo de una evidente dualidad, es capaz de encarnar la exclusividad y, al mismo tiempo, actuar como un catalizador para la transformación social.
Durante los últimos años, el equipo de curaduría de proyectos de ArchDaily ha vuelto a visitar obras de arquitectura que considera merecedoras de una mirada más profunda. A través de una publicación de Instagram llamada 'Project Review' (Reseña de proyecto), describe lo que considera el o los atributos principales de la obra. Al profundizar en las historias de los proyectos y en los elementos que los hacen verdaderamente inspiradores, destaca iniciativas que de otro modo podrían pasar desapercibidas y las estudia de cerca, con especial atención a la localidad y el contexto. El resultado es un conjunto de obras diversas, a menudo ubicadas en zonas rurales o suburbanas, que cumplen una función pública o poseen un significado histórico.
Si bien se incluyen algunas viviendas, la mayoría de las reseñas se orientan hacia centros culturales, bibliotecas, espacios de trabajo o entornos comerciales. Cabe destacar también que muchas de estas obras provienen de Asia, con algunos proyectos clave de la China rural. La selección es sumamente diversa en cuanto a materialidad y lenguaje de diseño; no obstante, todos los proyectos proponen soluciones arquitectónicas innovadoras y narrativas cautivadoras.
Centro Jafar en el Dubai College. Imagen cortesía de Godwin Austen Johnson
Fundada en los Emiratos Árabes Unidos en 1989 por su presidente, Brian Johnson, y dirigida actualmente por el director general Jason Burnside, Godwin Austen Johnson se nutre de una herencia de diseño británico que se remonta a 1847 y ha contribuido al desarrollo del entorno construido de Oriente Medio durante más de tres décadas. Su equipo de 110 profesionales de diversas nacionalidades, con sede en Dubái, Abu Dabi, Sharjah y el Reino Unido, trabaja de manera interdisciplinaria, combinando el rigor técnico, el análisis contextual y las metodologías digitales dentro de un proceso de diseño colaborativo.
El Centro Nacional de Atletismo en Budapest marca un hito de gran relevancia en la regeneración urbana y la innovación arquitectónica. Ubicado en un antiguo emplazamiento industrial a lo largo del Danubio, este proyecto transformador revitaliza una zona industrial abandonada para convertirla en un dinámico núcleo para el deporte, la recreación y el encuentro comunitario. Diseñado por Marcel FERENCZ, de NAPUR Architect Ltd., con un diseño de paisaje creado por S-TÉR y varios cientos de piezas de mobiliario de VPI Concrete, el Centro constituye una piedra angular para conectar el norte de Csepel con la ciudad e impulsar el desarrollo urbano.
El período de inscripción para el Concurso MICROHOME 2025 está llegando a su fin. El certamen ofrece un fondo de premios de 100,000 EUR para celebrar soluciones de vanguardia y sostenibles para viviendas compactas. Patrocinado por Kingspan, este concurso global invita a arquitectos/as, diseñadores/as y mentes creativas a redefinir el concepto de la vivienda a pequeña escala.
Visita la página del concurso para inscribirte antes de la fecha límite del 13 de febrero de 2025.
Durante la posguerra del siglo XX, el Sur Global experimentó una fuerte influencia de arquitectos y arquitectas del extranjero, a quienes los gobiernos locales solían invitar para aportar su experiencia y visión. Buscados como símbolos de modernidad, los edificios diseñados por los llamados "arquitectos estrella" elevaron la imagen de las naciones. Décadas más tarde, a medida que las industrias locales desarrollan mayores capacidades, el deseo de contar con talento extranjero persiste. ¿Es esto un resultado natural de la globalización o la presencia continua de profesionales de la arquitectura de origen internacional en el Sur Global es una dependencia persistente?
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Generación de conceptos arquitectónicos impulsada por IA. Imagen cortesía de AIRI Lab
A medida que las herramientas de inteligencia artificial irrumpen en las industrias creativas, la arquitectura se encuentra en un momento crucial: cómo adoptar sistemas que potencien el pensamiento de diseño sin erosionar la autoría ni el oficio. Para comprender cómo está respondiendo la profesión, AIRI Lab encuestó a profesionales del diseño y líderes de oficinas como LWK+P, MVRDV, Gensler, Büro Ole Scheeren, CUBE, HUAYI, entre otras. Sus respuestas revelan una perspectiva matizada y pragmática: la IA es una colaboradora más que un sustituto.
El Desarrollo Orientado al Transporte (DOT) es una estrategia de planificación urbana integral orientada a crear barrios densos, transitables y vibrantes en torno a nodos de transporte público. Al integrar de manera fluida espacios residenciales, comerciales y recreativos a poca distancia de las estaciones de tránsito, los proyectos de DOT buscan reducir la dependencia del automóvil, aumentar la afluencia de usuarios y usuarias en el transporte público y estimular el desarrollo económico local. Las agencias gubernamentales desempeñan un papel fundamental en el apoyo a estos desarrollos mediante reformas de zonificación, la flexibilización de los coeficientes de edificabilidad, la venta de derechos de aire y la facilitación de asociaciones público-privadas para asegurar capital destinado a la infraestructura pública. Si bien el DOT ha ganado fuerza a nivel global, Asia Oriental cuenta con algunos de los ejemplos más exitosos. Por el contrario, los esfuerzos por replicar estos modelos en contextos diferentes —como la ciudad de Nueva York— ponen de relieve la importancia de adaptar los principios del DOT a las condiciones locales, las características geográficas y las necesidades de la comunidad.
Estados Unidos es un país con una vasta historia, cuyos edificios conservan legados de épocas pasadas. Debido a su valor cultural, estas estructuras son ampliamente celebradas y protegidas; sin embargo, también suelen estar exentas de ciertos mandatos de eficiencia energética. A medida que las ciudades avanzan hacia el cumplimiento de sus objetivos climáticos, estos mandatos están bajo escrutinio. Quienes defienden la conservación patrimonial argumentan que los edificios históricos merecen protección frente a remodelaciones potencialmente perjudiciales. Por otro lado, los/las defensores/as de la sustentabilidad destacan la necesidad de implementar mejoras de eficiencia energética en todos los sectores del entorno construido. El desafío radica en alcanzar un equilibrio entre estas prioridades en conflicto: garantizar la conservación del patrimonio y, al mismo tiempo, asumir la responsabilidad ambiental.
La arquitectura brutalista en los Estados Unidos constituye un monumento al optimismo colectivo de la posguerra y una reafirmación de la autoridad de los gobiernos locales y federales. Concebidas como la encarnación de la fuerza y la eficiencia, las estructuras brutalistas fueron adoptadas rápidamente como el lenguaje arquitectónico de las instituciones cívicas y gubernamentales a mediados y finales del siglo XX en el país. Monolitos imponentes de concreto expuesto se levantaron por todo el país, proyectando una imagen de permanencia institucional al tiempo que provocaban debates sobre su impacto social y psicológico.
En los Estados Unidos, casi el 10% de la población infantil padece asma, una afección cuyas tasas son significativamente mayores en las zonas urbanas del país. Sin embargo, en una comunidad a las afueras de Atlanta con una población de más de 300 niños y niñas, no se ha registrado un solo caso de esta enfermedad. Esto obedece al diseño. La mayoría de las ciudades y vecindarios del país no están diseñados con la biología humana en mente, una omisión que contribuye a la creciente prevalencia de enfermedades cardiovasculares y trastornos de salud mental. ¿Estaremos tratando las afecciones crónicas como problemas puramente médicos, cuando en realidad podrían ser síntomas de un mal diseño?
A lo largo de diversas geografías y generaciones, los/las arquitectos/as están repensando el concepto del hogar, equilibrando la expresión personal, la sensibilidad hacia el contexto y la claridad material. Estas propuestas residenciales contemporáneas, enviadas por la comunidad de ArchDaily, revelan cómo la vivienda sigue evolucionando tanto en calidad de declaración arquitectónica como de paisaje íntimo para la vida cotidiana. Desde lo escultórico y futurista hasta lo arraigado y vernáculo, estos proyectos exploran cómo la forma construida concilia la identidad, el entorno y el estilo de vida en un mundo cada vez más complejo.
En la Capilla de campo Bruder Klaus, diseñada por Peter Zumthor, el proceso de construcción contó con la participación directa de los y las habitantes de la pequeña aldea suiza de Mechernich. Mediante un encofrado interno de troncos de madera dispuestos verticalmente, el hormigón se preparó en pequeños lotes y se vertió de forma manual, día tras día, formando capas marcadas por sutiles variaciones en la mezcla y la aplicación. Al final del proceso, la estructura de madera se redujo a cenizas, dejando el interior de la capilla impregnado con rastros de fuego y revelando una superficie oscura y táctil. El resultado fue un espacio silencioso y profundamente significativo, donde la acción colectiva, el tiempo y la transformación material pasaron a formar parte de la arquitectura. Centrado en los recursos disponibles localmente y en técnicas manuales, este método constructivo pone de relieve cómo la elección de los materiales y del sistema de construcción puede dar forma a la experiencia de un espacio, revelar el tiempo invertido e impregnar la cultura de un lugar en la materia misma de la arquitectura. Al hacerlo, ofrece un ejemplo de cómo la construcción misma puede convertirse en un acto regenerativo que restaura el sentido, conecta a las comunidades y honra los ciclos de los materiales.
En la arquitectura contemporánea, las fachadas han evolucionado más allá de su función tradicional como coberturas protectoras exteriores —ahora actúan como potentes expresiones de identidad, creatividad y sostenibilidad. Como umbral visual de un edificio, las fachadas desempeñan un doble papel: resguardar las estructuras de los agentes ambientales y, al mismo tiempo, potenciar su atractivo estético y su carácter arquitectónico.
Del mismo modo en que el diseño de interiores refleja la personalidad de sus ocupantes, la fachada comunica la esencia de un edificio. Constituye la primera impresión y sirve como lienzo para la narrativa arquitectónica, plasmando a menudo la visión y la creatividad del/de la arquitecto/a.
Entre los Andes, la costa y la Amazonía, la arquitectura de Ecuador ha evolucionado como un reflejo de su geografía diversa, un territorio donde el clima, la topografía y la cultura convergen. A lo largo de su territorio, la arquitectura ha sido un acto de adaptación: desde las tradiciones vernáculas arraigadas en el trabajo colectivo y los materiales locales, hasta las influencias coloniales y modernistas que reconfiguraron sus ciudades. Esta diversidad ha dado lugar a distintos sistemas constructivos —desde estructuras de bambú y caña en la costa, hasta construcciones de tierra y piedra en la región andina—, conformando un archivo de diseño adaptativo que continúa influyendo en la práctica contemporánea.
Sin embargo, en la última década, la arquitectura ecuatoriana ha experimentado una transformación silenciosa pero profunda. Nuevos programas académicos y referentes internacionales han impulsado una creciente conciencia sobre el clima y la justicia social. Las y los arquitectos emergentes están redefiniendo la práctica a través de talleres, estudios colectivos y experimentación en obra que desdibujan la frontera entre el diseño y el activismo. Lejos de centrarse en la arquitectura como un objeto, esta nueva generación aborda el diseño como un proceso enfocado en la colaboración, la sostenibilidad y la identidad cultural. Sus inquietudes han desplazado el lenguaje del diseño: la pregunta ya no es qué construir, sino con quién.
