Este ano, um dos artistas mais atuantes no campo de sobreposição entre a arte e a arquitetura moderna brasileira, Athos Bulcão, completaria 100 anos. Athos dedicou parte considerável de sua obra tentando unir a tradição da azulejaria a uma proposta aplicada à arquitetura moderna - e conseguiu, seus trabalhos pontuam alguns dos edifícios mais emblemáticos do modernismo brasileiro, notadamente em Brasília.
Tema de uma instalação artística de Isaac Julien intitulada Stones Against Diamonds, de 2015, a arquiteta ítalo-brasileira Lina Bo Bardi terá agora sua trajetória representada no cinema com o filme Ghost of Lina Bo Bardi, do mesmo diretor.
PAVILHÃO JAPONÊS DO PARQUE DO IBIRAPUERA RECEBE A EXPOSIÇÃO BANCOS INDÍGENAS DO BRASIL
A Galeria Jaqueline Martins apresenta a primeira edição do projeto 1:1, com um trabalho inédito de João Loureiro.
Micrópolis e Fundação Municipal de Cultura apresentam:
O trabalho de Patricia Golombek é um estudo de arquitetura desenvolvido em diferentes pontos de vista. Analisando elementos estruturais e soluções arquitetônicas realizadas por diferentes arquitetos de diferentes partes do mundo.
A artista, que é arquiteta por formação, busca destacar, através de seu trabalho, a linguagem na qual o arquiteto se comunica e o processo de criação de suas obras.
Você já se questionou como é pensado o projeto de uma exposição? Ou como ele articula-se na montagem do conteúdo exposto?
Historicamente, o que hoje conhecemos como Museu iniciou-se como um lugar para a reunião de peças e objetos organizados por tipologia, como nos é revelado ao observamos imagens dos chamados gabinetes de curiosidades ou quarto das maravilhas, onde se organizava uma multiplicidade de objetos e espécies raras (animal, vegetal e mineral) trazidas das grandes explorações ocorridas no século XVI e XVII.
Séculos mais tarde, tais coleções começaram a ganhar força e antigos palácios transformaram suas circulações em extensas e contínuas galerias, onde apenas seus hóspedes e moradores tinham acesso. Posteriormente, no século XIX, o surgimento de pavilhões dedicados essencialmente à exposição de artefatos trouxe proximidade à ideia mais próxima do que hoje são os museus. Costumamos publicar diversos projetos de museus. Mas além da arquitetura destes, você já observou como a expografia atua de modo importante? Listamos a seguir alguns dos conceitos-chave dos projetos expográficos.
No mais recente vídeo da série Time-Space-Existence, o PLANE — SITE apresenta o aclamado artista conceitual Lawrence Weiner e suas ideias sobre a relação entre pessoas e objetos, linguagem como gesto, e como tornar a arte acessível ao público. Lawrence Weiner é conhecido por sua arte tipográfica aplicada a elementos do ambiente construído e descreve como a própria arquitetura pode se tornar um espaço alternativo para a arte contemporânea.
Este artigo foi originalmente publicado na Metropolis Magazine como "How a Small Mexico City Exhibition Fueled a Debate About Preservation and Power."
É um dia cinza no bairro de Narvarte na Cidade do México e as rajadas de vento anunciam a chuva iminente. A presença do Centro SCOP, um gigantesco complexo modernista abandonado, faz com que este cenário pareça ainda mais sombrio. O edifício é uma obra prima - inclusive intimidante - do modernismo mexicano: um enorme conjunto de edifícios em concreto aparente projetado pelo arquiteto Carlos Lazo, os quais cobrem uma área de mais de um hectare com suas dezenas de murais coloridos e vibrantes.
Em seu auge, o edifício chegou a abrigar mais de 3.000 trabalhadores da Secretaria de Comunicações e Transportes (SCT). Hoje, salvo o solitário segurança na guarita, o conjunto encontra-se completamente vazio.
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Inaugurado no dia 29 de abril, o Sesc Avenida Paulista contou em sua abertura com uma instalação projetada pelo arquiteto e designer Guto Requena.
O projeto foi intitulado Empatias Mapeadas e consiste em uma escultura paramétrica interativa, com luzes que pulsam e caixas de som que mixam e emitem os sons dos batimentos cardíacos dos participantes que tocam a obra.
Em 1961, o arquiteto Louis I. Kahn foi contratado pela Fine Arts Foundation para projetar e desenvolver um grande complexo de artes no centro de Fort Wayne, Indiana. O ambicioso Centro de Belas Artes, agora conhecido como Arts United Center, atenderia a comunidade de 180.000 pessoas oferecendo espaço para uma orquestra, teatro, escola, galeria e muito mais. Como um Lincoln Center em miniatura, os desenvolvedores esperavam atualizar e melhorar a cidade através de uma nova arquitetura cívica. No entanto, devido a restrições orçamentárias, apenas uma fração do projeto total foi concluída. Esse é um dos projetos menos conhecidos de Kahn, que durou mais de uma década, e seu único edifício no Centro-Oeste dos Estados Unidos.
"Outras noites como tantas das cores da cidade, transformando uma esquina em obra se arte sem cessar, mas é tudo um artista que compartilha sua visão", canta Skool 77 em Color en la ciudad, e claro, a rota do grafite se transformou em um dos atrativos turísticos para solucionar diversas problemáticas em áreas vulneráveis de diversas cidades e municípios na Colômbia.
Trata-se de uma iniciativa que, além de disfrutar a contemplação de belos murais e projetos inovadores de renovação urbana, busca também despertar o espírito de empreendimento em crianças, jovens e adultos que participam na elaboração do Arte Callejero, e que através da cor, hoje devolvem esperança à população, deixando para trás as diferenças e ensinando a todos que somos iguais.
É raro encontrar artistas que, em seus trabalhos, condensem de modo tão instigante referências diversas como a Muralha Vermelha de Ricardo Boffil, as complexas ilustrações de Giovanni Battista Piranesi e ícones da cultura pop. Tishk Barzanji, artista de Londres, é um desses que consegue.
Através de suas ilustrações digitais, explora elementos da arquitetura moderna a partir de um olhar filtrado por referências que se aproximam de um universo onírico e surreal, criando composições que exprimem uma atmosfera austera e, de algum modo, inquietante.
Na década de 1920, o artista holandês Piet Mondrian começou a pintar seus icônicos quadros com grids pretos e cores primárias. Extrapolando os limites das referências recorrentes no mundo da arte, propôs uma linguagem simples composta de linhas e retângulos coloridos que tornou-se conhecida como Neo Plasticismo, o qual explorava a dinâmica do movimento através da cor e das formas. Este conjunto de telas pintadas em vermelho, amarelo e azul, configuram um dos principais elementos do movimento De Stijl do início do Século XX. Quase um século depois, as abstrações de Mondrian seguem inspirando arquitetos ao redor do mundo.
O que há por trás desta simplicidade que seque cativando artistas, designers e arquitetos depois de tanto tempo?
Os escritórios Other Architects e Retallack Thompson projetaram uma instalação site-specific no jardim de esculturas da National Gallery of Victoria em Melbourne, Austrália, para a primeira NGV Triennial - uma exposição internacional de arte e design contemporâneos. A proposta para a instalação? Um "anti-pavilhão".
O Lucas Museum of Narrative Art, projetado pelo MAD Architects, teve suas obras iniciadas em Los Angeles, Califórnia. Fundado pelo criador de "Star Wars", George Lucas, e situado na porta de entrada para o Parque da Exposição da cidade, o projeto foi concebido como uma "nave espacial futurista" em meio a uma paisagem natural.
O interior do edifício foi projetado como uma caverna expansiva e aberta, inundada de luz natural pelas claraboias. Pelo menos US $ 400 milhões em peças serão alojados no museu, incluindo mais de 10.000 pinturas, ilustrações e objetos de filmes. O primeiro pavimento e a cobertura serão designados como áreas públicas para os visitantes se exercitarem, relaxarem e "experimentarem diretamente a natureza no meio ambiente urbano".
A Sociedade Iberoamericana de Gráfica Digital (SIGraDi) é uma associação sem fins lucrativos que agrupa arquitetos, urbanistas, designers e artistas vinculados aos meios digitais. Seus objetivos principais são contribuir para o debate acadêmico sobre os meios digitais e suas aplicações, promover a produção e o avanço do conhecimento científico em geral, e impulsionar a investigação e a educação neste contexto de grande transformação tecnológica.
Formada em arquitetura e desenho urbano, Alina Sonea ilustra a natureza complexa e por vezes paradoxal das cidades que habitamos. A artista vem desde 2013 desenvolvendo uma série de detalhadas e delicadas ilustrações que mostram cenários fantásticos de densas metrópoles.
