O departamento de Conservação e Restauro da Alhambra de Granada trabalha na área do muro da ravina de Fuentepeña, situado no setor conhecido como ‘Cuesta del Rey Chico’, para consolidar um dos trechos que desabaram na madrugada da última sexta-feira, 8 de fevereiro.

A informação foi divulgada pelo Patronato da Alhambra e do Generalife em sua conta oficial no Twitter. Segundo detalhou o diretor do órgão, Reynaldo Fernández Manzano, o muro foi erguido em 1915 pelo arquiteto e conservador da Alhambra, Modesto Cendoya. O muro foi construído com materiais muito precários que, com o passar do tempo, acabaram se deteriorando de forma gradual. Por essa razão, a demolição e reconstrução da estrutura já estavam previstas. Diante do desabamento repentino, o serviço de Conservação e Proteção irá reconstruí-lo com os materiais originais em uma primeira fase para, posteriormente, realizar o projeto integral.

Após receber 216 propostas de 39 países, o concurso internacional de ideias ‘Viewpoint of the Fjords’ (VOF), organizado pela arquideas, divulgou os projetos vencedores. O VOF busca proporcionar um novo espaço de contemplação para visitantes, localizando-se no entorno do fiorde Geirangerfjord, na região próxima a Homlungsaetra, na Noruega. A competição busca fomentar valores como a implantação adequada na paisagem, além de critérios de sustentabilidade e aproveitamento energético.

O júri foi composto por Peter L. Wilson, Atxu Amann, Magüi González, Svein Lund e pelos/as quatro vencedores/as do concurso anterior da arquideas (BaBH San Francisco). Após uma primeira fase de avaliação, na qual se destacaram 15 propostas finalistas, foi necessária uma segunda etapa de julgamento para, finalmente, selecionar as 5 menções honrosas e as 3 propostas vencedoras.

Estes são os projetos vencedores do concurso:

Juan Navarro Baldeweg gostava de imaginar sua obra dentro de uma sala onírica, onde as silhuetas de seus edifícios são percebidas recortadas sobre um horizonte de fugas visuais e em cujo centro de confluência encontra-se o espectador. Ambicionando, além disso, que suas exposições, se não antológicas, sejam pelo menos acumulativas, convidando o espectador a vagar e traçar, entre suas peças, trajetos afins que as encadeiam como elos de um mesmo meio expressivo ou de diferentes gestos formais.

Diante da retidão das atitudes classicistas e da síntesis moderna em torno das linguagens artísticas, Navarro Baldeweg, para o desconhecimento de muitos, defende o cultivo simultâneo de diversas disciplinas, às vezes contrapostas, e distintas artes. Um mover-se sem preferências nem fronteiras no amplo espectro das práticas artísticas que, em seu momento, prenunciava procedimentos hoje amplamente difundidos, como o nomadismo e as poéticas do “entre”. Esse nomadismo não nasce de uma atitude oportunista, mas sim de um impulso criador, de um olho inquieto, de um olhar educado… Em suma, do trabalho de um artista total.

A família de José Antonio Coderch [1913-1984] entregou o importante acervo do arquiteto catalão ao Museu Reina Sofía de Madri. Com isso, o famoso museu madrilenho busca seguir o caminho iniciado por outros museus de arte contemporânea, como o MoMA de Nova York ou o Pompidou de Paris. Essas instituições já contavam com departamentos voltados ao universo da arquitetura, razão pela qual o Reina Sofía tem como objetivo ampliar seu acervo, abrangendo tanto movimentos arquitetônicos quanto profissionais que marcaram a arte da construção. Toda essa iniciativa vem sendo promovida, há alguns anos, sob a direção de Manuel Borja-Villel à frente do museu.

O arquivo, que se encontrava em um depósito na residência de um dos filhos de Coderch, é composto por 9.800 documentos, organizados em 875 pastas e datados entre 1941 e 1978. Nele, estão incluídos plantas e croquis de seus projetos arquitetônicos; desenhos, fotografias e clichês de suas obras, além de fotos de família; correspondência profissional; faturas e recibos de cada projeto, bem como revistas, livros, publicações e maquetes; retratos do arquiteto, alguns de seus inúmeros prêmios e objetos pessoais. 

Muitas figuras pioneiras são inoportunas, chegam cedo demais. José Miguel de Prada Poole [1938-atualidade] não é uma exceção; pelo contrário, ocupa seu lugar na história como um dos nomes mais singulares, distantes da norma e personalistas da arquitetura do século XX na Espanha. Precursor da arquitetura baseada em superfícies pneumáticas, sem dúvida a tendência pop da época — representada por grupos como Archigram, Archizoom ou Team 10 — influenciou a caracterização de sua prática. Ele sempre se mostrou particularmente interessado no “trabalho móvel e desdobrável” das vanguardas, concretamente exemplificado naquelas estruturas capazes de dar uma resposta variável a um uso em constante mudança. Em suma, podemos considerá-lo um dos primeiros a cunhar termos como "sustentabilidade" dentro de um âmbito puramente arquitetônico: todas as suas obras minimizavam o consumo energético ou eram capazes de gerar microclimas por si mesmas. 

Após um ano de trabalho em Sintra [Portugal] — localidade declarada Patrimônio da UNESCO desde 1998 por seu extraordinário patrimônio arquitetônico e natural —, que conta com 30 mil habitantes e recebe mais de 3 milhões de turistas por ano, chega até nós o novo documentário 'FASCÍNIO', realizado pelo Left Hand Rotation e produzido pela Criaatividade Cósmica para o 'Festival Aura 2019'.

Sintra, um lugar de grande visibilidade midiática por sua arquitetura, encontra-se nos últimos anos em um processo de turistificação, como indicam seus números. É uma localidade cujo centro praticamente não possui mais residentes, em prol do turismo de massa. O documentário, realizado com um claro tom de denúncia urbana e social, será apresentado na próxima edição do 'Festival Aura 2019', a quinta do evento, que será realizada de 1 a 4 de agosto deste ano.

FINSA, pioneira na fabricação de painéis de madeira aglomerada e MDF na Península Ibérica, decidiu apostar em dois estúdios espanhóis de referência em suas áreas, o ENORME Studio e a Vitamin-arte, para a realização de uma nova instalação recentemente exposta na Milan Design Week 2019. Ambos podem ser considerados precursores da valorização do efêmero; das novas tendências que surgem neste momento de incerteza social e identitária. Dois estúdios que buscam, acima de tudo, o desenvolvimento de estratégias inovadoras capazes de se manifestar em experiências de uma espacialidade interativa quase única.

Talvez as palavras ‘Arquitetura Ficção’ não signifiquem nada se ouvidas sem um contexto que as enquadre. Esse contexto, essas palavras, são um dos desafios que a equipe do ENORME Studio se propôs a definir. Sua maneira de abordar a arquitetura, de tatear seus limites, nasce de uma atitude radical e inovadora. Seu objetivo? Muito simples: fazer ‘arquitetura sem arquitetura’. Em outras palavras, despir as modas e tendências com as quais a arquitetura de hoje se veste e mostrá-la, sem pudor algum, como o que é: uma grande mentira.

¿Como reativar a Plaza de la Vaguada dentro de um ambiente onde possamos nos vincular de uma forma distinta? ¿Como enfatizar o caráter da convivência para gerar outros campos de cumplicidade e empatia entre os/as habitantes e o entorno que os/as rodeia? ‘Acciones Extra←Ordinarias’ é um projeto de arte pública desenvolvido no Parque de La Vaguada desde junho de 2018, no âmbito do programa ‘Imagina Madrid’. Nele, a equipe artística formada por Estelle Julian, Paula Valero e C+Arquitectos, com a colaboração de Leonor Martín, pretende preencher a praça com ações; estas variam do performativo à intervenção espacial, articulando novos vínculos entre as múltiplas comunidades do distrito e devolvendo a convivialidade, o desejo e a alegria a este lugar anteriormente abandonado.

Os seres humanos são “máquinas de ver”. Exceto no caso de quem não possui essa condição, os olhos são o nosso maior produtor de informação. Posteriormente, o cérebro de cada pessoa interpreta essas imagens conforme o caso… Não se deve confundir o "olhar" com o ato de "ver" algo. O olhar, uma resposta automática e passiva, deve se converter no ato de ver, de processar todos esses bits de informação em algo concreto, tangível. Sherlock Holmes observava o lóbulo de uma orelha a fim de deduzir um parentesco; Proust, a bainha de um vestido ou a nuca para compreender profundamente uma mulher… Onde se oculta o signo? Como saber, em uma imagem, seja ela verbal, visual ou sonora, qual é a parte significante e qual é o fundo neutro e vazio, o ruído que se deve descartar?

Nossos olhos são responsáveis por captar e absorver essa informação; nosso cérebro, por tratá-la e traduzi-la; mas é a fotografia, mais especificamente a nossa câmera, que consegue retê-la, congelando-a sob a forma de foto, para que, uma vez que nossos olhos tenham deixado de olhar, comecem a ver. Como dizia Le Corbusier, de forma simples, “é preciso ver o que se olha”.

O modelo de habitação social parece uma utopia atualmente na Espanha. Sob o domínio de incorporadoras e imobiliárias, o país se vê imerso em uma política de Estado que não atende — nem nunca atendeu — ao problema da moradia. 

Ao longo dos anos, promoveu-se a ideia de que alugar um imóvel era quase um crime, um desperdício de dinheiro que poderia ser investido na compra da casa própria. Boas-vindas ao maravilhoso mundo da especulação imobiliária. Com aluguéis abusivos, cujos preços são estipulados por imobiliárias ou particulares, sem qualquer tipo de regulação estatal ou provincial que os controle, o próprio sistema empurra a população a contrair hipotecas e a alimentar a incorporação privada. Se na década de 1950 mais de 50% das moradias na Espanha eram alugadas, esses números hoje estão muito distantes do declínio progressivo que nos trouxe ao cenário atual: quase 80% dos imóveis hoje são próprios, reduzindo a apenas 20% o total de habitações sob regime de aluguel.

Construir a própria casa. Este talvez seja um dos grandes desejos de muitas pessoas — não apenas de arquitetos e arquitetas, mas de qualquer um que queira ver materializada a imagem de sua casa dos sonhos. Outros, no entanto, encaram esse desejo sob a perspectiva do legado: frases como “esta casa foi construída pelo meu bisavô” são o leitmotiv que os move. Preservar a própria memória em forma de construção.

Contudo, é preciso lembrar os inconvenientes de ser o próprio promotor, de não depender do trabalho de nenhuma imobiliária. Um caminho árduo. É por isso que muitas pessoas abandonam esse sonho para evitar complicações, acabando por optar pela compra de um apartamento ou de uma casa.

Com José Antonio Corrales e Ramón Vázquez Molezún, repete-se uma situação bastante comum na arquitetura espanhola posterior a 1950: a falta de projeção internacional de talentos da arquitetura, em grande parte devido à ausência de teoria. Além disso, um caráter intrinsecamente misterioso e enigmático permeia sua obra, profundamente reforçado pela atitude de ambos em relação à própria produção. Nunca se detiveram a explicá-la. Jamais demonstraram interesse em dotá-la de fundamentação teórica. Tudo isso dificulta extraordinariamente a compreensão de sua arquitetura, deixando inúmeras perguntas sem resposta, abertas apenas à interpretação de quem se propõe a refleti-las.

Corrales e Molezún colaboraram desde 1952 em diversos projetos. Eram personalidades muito distintas. José Antonio costumava se definir como uma “pessoa mais rigorosa”, enquanto Ramón aproximava-se mais do “gaie”, dotado de um toque mais leve, quase romântico. A dupla poderia ser vista como a personificação dos dois hemisférios cerebrais: o esquerdo — visual, verbal, linear, controlado, dominante, quantitativo — em Corrales; e o direito — espacial, acústico, holístico, contemplativo, emocional, intuitivo — representando mais fielmente Molezún. Mais uma dupla para a longa história da criação: Dom Quixote e Sancho Pança, Sherlock Holmes e Dr. Watson...

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Qual é a diferença entre arquitetura sustentável e arquitetura bioclimática? Ambos os termos são frequentemente utilizados no setor, embora a base de onde surgem tenha sido descoberta muitos séculos antes (se nos referirmos à tradição vernacular da arquitetura) e os termos que os nomeiam tenham sido derivados do conceito de “desenvolvimento sustentável”, proposto pela primeira vez pela primeira-ministra norueguesa, Gro Brundtland, na 42ª sessão das Nações Unidas em 1987:

Mas qual é a diferença entre ambos? Digamos que são conceitos muito semelhantes, que variam apenas de acordo com os propósitos do/a arquiteto/a que os utiliza. Explico-me. O termo arquitetura sustentável, ou arquitetura verde, ou ecoarquitetura, ou arquitetura ambientalmente consciente... costuma ser utilizado por arquitetos/as que tentam refletir em sua obra uma base de noção climática, mas cujos únicos “gestos” são pouco influentes no que diz respeito à eficiência energética. Suas únicas preocupações acabam sendo mostrar que seu edifício é “eco-friendly” por meio de uma fachada verde ou, em vez disso, de uma cobertura verde. Na maioria dos casos, carecem de fundamentação em relação ao clima. No entanto, o segundo termo, arquitetura bioclimática (sem outros complementos), fundamenta sua razão de ser no clima. Não importa qual será a imagem final do edifício, pois todas as decisões de projeto nascem de um estudo prévio do clima — mais uma ferramenta de trabalho — e buscam seu reconhecimento e aproveitamento.

A partir disso, surge o conceito de “edifício saudável”, proposto recentemente pela prestigiada Universidade de Harvard por meio de sua Escola de Saúde Pública, Harvard T.H. Chan School of Public Health. Focada em “construir comunidades mais saudáveis em todo o mundo”, a escola iniciou o programa Edifícios Saudáveis no Centro de Clima, Saúde e Meio Ambiente Global de Harvard (C-CHANGE). Um de seus principais objetivos foi sintetizar 30 anos de ciência da saúde pública para identificar o que faz com que um edifício seja “saudável”. O resultado: os 9 Fundamentos de um Edifício Saudável. Um estudo com 36 páginas que identifica os fatores e detalha como eles estão relacionados com a saúde humana. Além de definir os fatores, o estudo apresenta recomendações simples para cada um deles, entre as quais sempre se encontram a avaliação periódica de cada fator e das necessidades das pessoas que o ocupam. Em resumo, um estudo bastante simples, ainda distante de abordagens como o Well Building Standard, mas bem direcionado e que dá mais um passo no caminho certo.

Poucos nomes se ajustam tanto ao rótulo de “escritor de culto” quanto Raymond Queneau, que conta com uma minoria fanática de seguidores, quase militantes da causa: a literatura como um jogo muito sério. À primeira vista, e mesmo em uma leitura menos atenta, Exercícios de Estilo, escrito pelo francês em 1949, revela-se radicalmente diferente de uma obra literária convencional. O livro se situa, ou finge se situar, em uma espécie de terra de ninguém entre a teoria e a prática literárias, transmitindo a impressão de ter sido elaborado com base nos capítulos de um manual de estilística. Queneau rejeita qualquer esquema prévio que pudesse organizar os “exercícios” em agrupamentos temáticos, por sua complexidade gradual ou, simplesmente, por ordem alfabética. Ele sequer trabalha sobre um mesmo fragmento de partida. Em alguns momentos, prefere-se o mero jogo mecânico de transformação textual para alcançar uma sensação de puro absurdo.

Não é de surpreender que este livro de sete décadas atrás continue parecendo revolucionário e seja considerado um manual indispensável em todas as faculdades de letras. O que Queneau nos ensinou na época, essa liberdade criativa quase debochada, é algo ainda difícil de igualar hoje em dia. Por isso, esse exercício de variação, de não impor limites à imaginação, é e deve ser compatível com o trabalho com maquetes arquitetônicas. O que Queneau nos ensinava, partiendo de um texto irrelevante e transformando-o até 99 vezes, é o mesmo que qualquer arquiteto/a deveria tentar traduzir em seu trabalho com maquetes. A arte da variação e da acumulação. “Diferença e repetição”, como diria Gilles Deleuze. Trabalhar 99 vezes sobre uma mesma ideia, vê-la mudar até, em dado momento, saber enxergar nela a sua própria síntese.

Quando falamos de Le Corbusier, parte de sua obra, sobretudo as primeiras vilas nas quais trabalhou em estreita colaboração com Pierre Jeanneret, ficou conhecida pelo nome de “Villas Brancas”. É curioso que essa cor, o branco, seja associada ao nome de Le Corbusier, sem que ele possua, como ocorre com alguns pintores, uma fase “azul” como Picasso ou uma fase “de ouro” como Klint.

Quando e por que foi cunhado o termo “Villas Brancas” de Le Corbusier? Seria possível que a brancura de seus edifícios tenha sido malinterpretada, assim como ocorre com a arte grega? Essa brancura foi uma ideia muito útil para consolidar as bases do neoclassicismo em sua época, mas totalmente distante da rica paleta de cores de que desfrutavam tais obras no período helênico.

A realidade de 32 famílias deu uma guinada — literalmente — quando as moradias que ocupavam nos anos 1980 se tornaram, em 2009, uma atração turística oficial. Parte dos moradores decidiu aproveitar a circunstância realizando pequenos tours por suas residências. No entanto, apesar de todo o fluxo de turistas que costuma lotar o local, a comunidade de vizinhos permanece tão unida quanto seus cubos. 

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Quais são as dimensões exatas do Palácio Real de Madri? Quantos cômodos ele possui? Quantas portas e janelas? Todas essas perguntas surgem da necessidade de obter uma resposta. Por isso, foi exatamente isto que o Patrimonio Nacional — instituição estatal da Espanha encarregada de administrar e preservar seus edifícios históricos — propôs: criar um modelo 3D preciso do palácio com o objetivo de gerar um registro digital unificado do estado interno e externo do edifício.

Utilizando a tecnologia da Leica Geosystems, foi criado um modelo "quase milimétrico" de seus espaços internos, fachadas e coberturas: todos os cantos dos dois subsolos e seis pavimentos que compõem o edifício, totalizando cerca de 137.500 metros quadrados de área construída que exigiram mais de 2.500 escaneamentos.

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