Entre 1977 y 1983, el Teatro Nacional de Praga experimentó una transformación significativa con la inauguración del Nová Scéna, un "hermano moderno" del tradicional teatro neorrenacentista. Durante muchos años, el Nová Scéna albergó al famoso Laterna Magika, considerado el primer teatro multimedia del mundo. Esta experiencia innovadora combinaba representaciones clásicas con efectos visuales generados por computadora, ofreciendo una acción dramática que destacaba en el imponente edificio de vidrio, un ícono de la era comunista y símbolo del poder político de la época. En reconocimiento a su importancia, este edificio formó parte del festival Open House Praga en 2024, un evento anual que invita al público a explorar y apreciar el valor de la arquitectura.

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La primera villa olímpica de la historia se construyó para los Juegos Olímpicos de Verano de 1924 en París. Antes de eso, los/las atletas se hospedaban en hoteles, albergues, escuelas, cuarteles e incluso en los barcos en los que viajaban a las ciudades sede. Pierre de Coubertin, cofundador del Comité Olímpico Internacional (COI), fue el ideólogo de la villa inaugural al percatarse de que resultaba económicamente más viable alojar a los/las atletas en estructuras nuevas y temporales que en hoteles, al tiempo que las villas también podían fomentar un sentido de comunidad entre los/las competidores/as internacionales.

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Muy probablemente, la mayoría de nosotros ya se ha imaginado viviendo en un castillo en algún momento de la vida, ya sea en la infancia arrullada por los cuentos de hadas, o bien en la edad adulta estudiando sobre la monarquía europea. Considerando esta fascinación, ¿qué pensaría si tuviera la posibilidad de comprar su propio castillo? Por 370 mil dólares, esto era posible en Turquía a mediados de 2014. Serían 325 metros cuadrados de puro lujo, con torres azuladas y escaleras de caracol. El único detalle es que al lado de su castillo habría otros 731 idénticos. ¿Pero a quién le importa la exclusividad ante la posibilidad de vivir un cuento de hadas de Disney?

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“Un baño es un lugar donde todos son iguales, no hay ricos ni pobres, viejos ni jóvenes, todos somos parte de la humanidad”. Esta reflexión fue compartida por Wim Wenders, exponente del Nuevo Cine Alemán y director de la película Días perfectos (2023), al ser cuestionado sobre los memorables escenarios de su obra más reciente. Los baños públicos de Tokio fueron elegidos por Wenders para construir una narrativa que ofrece profundas reflexiones sobre la soledad, la sencillez y la belleza de la vida cotidiana.

La historia gira en torno a Hirayama, un hombre de mediana edad que trabaja como limpiador de baños públicos en Tokio. Su vida es sencilla y rutinaria, pero colmada de pequeños placeres y momentos de contemplación. Un cotidiano humilde que contrasta con la arquitectura tecnológica, colorida e innovadora de los baños públicos en los que el protagonista pasa el día trabajando.

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El contacto con la naturaleza ha ganado cada vez más protagonismo tanto en la teoría como en la práctica arquitectónica de los últimos años, especialmente tras la pandemia de COVID-19, que evidenció la relevancia de los ambientes naturales como espacios de sanación. Este período sacó a la luz diversos estudios científicos que destacaron el impacto positivo de los espacios verdes en el bienestar humano, ya sea en lugares de trabajo, residencias o áreas urbanas. Ante la evidencia científica de tantos beneficios, resulta clara la urgencia de integrar elementos naturales en los proyectos hospitalarios, creando ambientes que ofrezcan un apoyo esencial para quienes enfrentan desafíos físicos o mentales.

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Los silos desempeñan un papel significativo entre las estructuras remanentes de la era industrial, tanto por las tecnologías aplicadas como por su imagen en el paisaje urbano. Su forma cilíndrica, construida generalmente en concreto armado, respondía eficazmente a las demandas y desafíos que conllevaba la industrialización, ofreciendo una solución resistente y económica para el almacenamiento de productos. A lo largo del siglo XX, con la incorporación de nuevas dinámicas y logísticas, principalmente debido al traslado de actividades desde los centros urbanos hacia áreas de expansión, muchas de estas estructuras fueron desactivadas.

Sin embargo, aunque su carácter hermético pueda parecer un obstáculo para su adaptación a nuevas funciones, lo que se ha observado en las últimas décadas son iniciativas que valorizan estas estructuras, integrándolas a la dinámica urbana y destacando su importancia como parte de la memoria colectiva local.

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La imaginación y la formulación de políticas son inseparables. Primero se debe imaginar un futuro deseable para que luego seja posible concebir políticas que puedan concretarlo. En la arquitectura, en particular, imaginamos el futuro constantemente —una actividad intrínseca al verbo proyectar—, y esta familiaridad con el acto nos hace responsables de dictar rumbos y reglas que podrán contribuir o no con el curso del planeta.

En este momento de cambio climático, derivado de la acumulación de prácticas irresponsables a lo largo de los siglos, la idea de futuro empezó a verse invadida por el miedo, una alerta que determinaría la supervivencia de nuestra existencia. La arquitectura, junto con otras disciplinas, comenzó a canalizar esfuerzos para reexaminar, reconceptualizar y reformular sus prácticas hacia el futuro que necesitamos alcanzar. Más allá de las estadísticas y las proyecciones, el enfoque de la arquitectura respecto a la acción climática trae a colación innumerables conceptos; entre ellos, la necesidad de una revisión histórica para la creación de ese futuro.

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Tras años de reinado, las líneas ortogonales y los ángulos rectos en los proyectos de interiorismo están cediendo terreno a los diseños orgánicos y las formas redondeadas. Con este cambio significativo en el lenguaje formal, se percibe cada vez más la invasión de curvas delicadas y volúmenes amorfos en las piezas de diseño, el mobiliario y los elementos decorativos. Hay quienes afirman que esta tendencia puede estar indirectamente asociada al creciente interés por la sustentabilidad y a la búsqueda de estrategias que aproximen al ser humano a la naturaleza, como el propio concepto de biofilia, constantemente presente en proyectos de diferentes escalas. Esta condición se vio reforzada además por el período de aislamiento social durante la pandemia de COVID-19, que impulsó a las personas a buscar formas de incorporar la naturaleza al interior de sus hogares para mejorar el bienestar cotidiano.

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El Día Mundial de los Wetlands (o humedales/zonas inundables) se celebra cada año el 2 de febrero con el fin de sensibilizar sobre la importancia de estos entornos. Este día también marca el aniversario de la convención sobre los humedales, adoptada como tratado internacional en 1971. Su promulgación se debe a que casi el 90% de los humedales del mundo se han degradado desde 1700, desapareciendo tres veces más rápido que los bosques. No obstante, se trata de ecosistemas sumamente importantes que contribuyen a la biodiversidad, la mitigación y adaptación al cambio climático, la disponibilidad de agua dulce, las economías mundiales y mucho más.

El concepto de sustentabilidad social está cada vez más presente en las discusiones arquitectônicas contemporáneas, a medida que la valoración de los/las usuarios/as —a través de necesidades subjetivas y no estáticas— se ha vuelto protagonista al momento de la concepción del diseño. La sustentabilidad social en la arquitectura consiste, por lo tanto, en diseñar y construir edificios y espacios urbanos que promuevan el bienestar, la inclusión y la cohesión de las comunidades. Se enfoca en la creación de ambientes que viabilicen interacciones sociales positivas, respondan a diversas necesidades y mejoren la calidad de vida general de las personas que habitan y utilizan estos espacios. Una arquitectura socialmente sustentable considera los aspectos sociales, culturales, económicos y de salud de una comunidad, con el objetivo de enfrentar los desafíos sociales y proporcionar beneficios a largo plazo a los/las habitantes.

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En 1962, el arquitecto Buckminster Fuller imaginó una ciudad flotante que liberaría a la humanidad de la dependencia de la Tierra. El proyecto hipotético consistía en enormes esferas geodésicas aéreas que levitarían naturalmente en el aire caliente calentado por el sol y que estarían ancladas en la cima de las montañas. Con la propuesta de albergar a miles de personas, las Cloud Nine de Fuller tenían como objetivo aliviar la política de propiedad de la tierra, la escasez de vivienda y ayudar en la preservación de la naturaleza.

Más de medio siglo después, seguimos lejos de concretar la idea de Fuller. Crear una estructura verdaderamente flotante en la superficie de la Tierra sigue siendo, hasta el momento, un ideal inalcanzable. Aunque los apoyos todavía se imponen como una necesidad, manipulamos su posición, su intensidad y su cantidad, desarrollando acrobacias para, al menos, aproximarnos a la idea de vencer la gravedad, ese deseo que desde hace tanto tiempo fascina a la humanidad.

+ 17

La educación y la cultura siempre se han consolidado como pilares estratégicos para promover transformaciones sociales profundas. En este sentido, la calidad de las infraestructuras físicas no es solo una cuestión funcional, sino un elemento estructurante para la implementación de políticas públicas consistentes —especialmente en territorios marcados por la precariedad urbana, desigualdades históricas y fragilidad institucional. Ante este escenario, la arquitectura escolar puede asumir un papel que va mucho más allá del salón de clases, convirtiéndose en catalizadora de la transformación social.

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En América Latina, los encuentros no nacen necesariamente de grandes gestos arquitectónicos o de planes urbanos monumentales. Emergen del entre, del espacio intermedio: el patio, la galería, la acera, el corredor compartido. Estos espacios, muchas veces considerados residuales o informales por la disciplina tradicional, son precisamente aquellos donde lo cotidiano construye vínculos.

De esta cultura latinoamericana surge una lógica espacial en la que la vida cotidiana se organiza de manera relacional y extensiva. Prácticas como sentarse a la puerta de casa, ocupar la acera o jugar en la calle producen una ciudad vivida más allá de los límites formales del proyecto.

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Hace algunos años que el campo dejó de ser solo el contrapunto pictórico a las ciudades y pasó a funcionar como un laboratorio activo de nuevas relaciones entre territorio, paisaje y personas. En él, la urgencia ambiental encuentra la memoria colectiva; técnicas ancestrales dialogan con experimentaciones arquitectónicas; las comunidades locales operan como curadoras de su propio territorio. La ruralidad contemporánea emerge menos como geografía y más como cultura — inscripta en modos de vida que cuidan del medio ambiente.

Se trata de una vasta zona rural que se extiende por el planeta asumiendo distintas expresiones según el contexto — de los arrozales asiáticos a los asentamientos agrícolas africanos, de las pequeñas propiedades europeas a los latifundios y comunidades agroextractivistas de las Américas. Aún así, ¿habría algo que las une detrás de esta pluralidad? Y, sobre todo, ¿cómo revelaría la arquitectura ese vínculo silencioso?

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El centro cultural constituye una tipología arquitectónica que ha despertado un especial interés entre profesionales de la arquitectura y el urbanismo durante décadas. Ya sea por su programa multifacético, por su escala a menudo emblemática o por el potencial de transformar el contexto urbano en el que se inserta, se trata de un tipo de edificación que concentra una gran carga simbólica y proyectual. La amplia difusión de referencias internacionales — muchas de ellas firmadas por arquitectos y arquitectas de renombre — refuerza el aura de prestigio asociada a este programa, frecuentemente considerado un territorio privilegiado para la experimentación formal y conceptual. No es casualidad que los proyectos de centros culturales figuren entre los temas más recurrentes en concursos, exposiciones y talleres académicos.

Sin embargo, detrás de esta fascinación contemporánea, hay una historia compleja, en la cual la noción de espacio destinado a la cultura ha ido siendo redefinida hasta asumir las configuraciones que hoy reconocemos. Una continua actualización que invita a reflexionar no solo sobre el recorrido histórico de estos espacios, sino también sobre las posibilidades que delinearán su futuro.

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Históricamente, las primeras universidades del modelo contemporáneo fueron implantadas en Europa como instituciones orientadas a la formación de élites para servir al Estado y a la Iglesia, y no para promover la emancipación social. Con el avance del capitalismo, se consolidaron como espacios privilegiados de producción y reproducción de la cultura occidental moderna. Sin embargo, a partir de la década de 1960 —especialmente después de las revueltas estudiantiles de mayo de 1968—, el énfasis académico se volvió hacia valores relacionados con el mercado, reemplazando los ideales humanistas y críticos. Las ciencias humanas perdieron espacio, mientras que las áreas técnicas pasaron a ocupar un lugar central, muchas veces alejándose de la reflexión crítica sobre el impacto social de sus prácticas.

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Aldo van Eyck y Lina Bo Bardi fueron dos figuras subversivas. Sus visiones de colectividad y juego, aunque aplicadas en estructuras muy distintas, tenían como principal punto en común una idea de arquitectura que va más allá del diseño. Un espacio que se hace vivo por la apropiación, por el movimiento y por el intercambio. Desde los parques infantiles holandeses hasta el museo paulista, los ideales de los arquitectos se entrelazan, fortaleciendo la idea de una arquitectura donde cualquier persona se convierte en niño.

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En las comunidades indígenas de América del Sur, el lugar del niño es donde él desea estar. Los bebés gatean por el suelo de tierra, se acercan a las fogatas, investigan hormigueros, experimentan el mundo con todo su cuerpo. Aprenden sintiendo: descubren límites, reconocen peligros y recogen lecciones que ningún manual podría enseñar. En el escenario urbano, por otro lado, los niños suelen estar contenidos en espacios pensados para adultos, llenos de reglas que, aunque bien intencionadas, a menudo los alejan de experiencias vitales. Ante estas diferencias culturales, no nos corresponde juzgar cuál modelo es mejor, sino, más bien, percibir que, cuando culturas diferentes se observan, siempre hay espacio para aprender.

En el ámbito arquitectónico, esta infancia vivida con rara libertad de tiempo y espacio invita a repensar la forma en que moldeamos nuestro cotidiano: ¿por qué limitar la exploración espontánea de los niños en ambientes controlados? ¿por qué crear barreras físicas y simbólicas entre ellos y el mundo natural? Y, sobre todo, ¿cómo la arquitectura contemporánea podría romper este paradigma e, inspirada por el niño indígena, crear espacios que devuelvan a la infancia su dimensión más salvaje, curiosa y plena?

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