Imaginar un orden social diferente resulta más sencillo cuando se sitúa lejos de aquel que ya existe. En América Latina, esa distancia ha sido a menudo territorial. Diversas zonas de la región han sido tratadas, una y otra vez, como lugares donde un nuevo mundo podría comenzar. Sin embargo, estos lugares nunca estuvieron vacíos.
En el ámbito de la arquitectura, esta idea tiene un punto de partida familiar: el plano. Visto desde arriba, un territorio puede parecer una hoja en blanco, lista para un eje o una cuadrícula. A nivel de suelo, sin embargo, ese mismo territorio ya está lleno de personas y de los senderos que recorren.
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Interior de la Asamblea Nacional de Burkina Faso. Imagen cortesía de Kéré Architecture.
"Toma tus supresores de sueños". La frase inicial en Pumzi de Wanuri Kahiū, dirigida a la protagonista, Asha, impone la orden de cortar lazos con futuros esperanzadores y memorias ancestrales de pasados compartidos para obligarla a concentrarse en el presente perpetuo de la heterotopía enclaustrada de la Comunidad Maitu. La toma aérea de Maitu revela una estructura estéril, similar a un dron, con una esfera panóptica en su centro donde el comportamiento humano normal se medicaliza. La distribución se articula en torno a sistemas de reciclaje de ciclo cerrado tan eficientes como los de un organismo autosuficiente, diseñado para escapar del entorno tóxico de una Tierra enferma, donde cada tubería y pasillo están diseñados para recolectar los desechos humanos para la generación de agua, absorbiendo así las funciones de la naturaleza y del Estado por igual. La arquitectura de la comunidad traduce a la perfección el mensaje de la película a través de su materialidad física.
En el folclor, el cine y el arte, se repite un mismo movimiento: la arquitectura traduce un "más allá" —ya sea ancestral, espiritual o especulativo— en una forma que puede verse o habitarse. Las siguientes secciones trazan esa traducción desde las Tumbas de Kasubi hasta Kizazi Moto, y demuestran que ese otro lugar es, en realidad, una forma de interpretar el presente.
El arquitecto y educador chino Liu Jiakun ha sido anunciado como el ganador del Premio Pritzker de Arquitectura 2025, el más alto reconocimiento en el campo de la arquitectura. Fundador de Jiakun Architects (1999), Jiakun es reconocido por su habilidad para fusionar elementos tradicionales chinos con el diseño contemporáneo y por su compromiso con la equidad social en el entorno construido. Nacido en Chengdu, China, donde aún vive y trabaja, se convierte en el segundo arquitecto chino en recibir este galardón, después de Wang Shu en 2012. De este modo, Jiakun se une a una distinguida lista de laureados recientes, como Riken Yamamoto (2024), David Chipperfield (2023) y Francis Kéré (2022). La ceremonia de entrega del premio se celebrará en los próximos meses en el Louvre Abu Dhabi, diseñado por Jean Nouvel, con un lanzamiento mundial en video en otoño, seguido del Simposio y Conferencia de los Galardonados 2025 en mayo.
Después de recibir el prestigioso León de Plata por su contribución a la Bienal de Arquitectura de Venecia 2023, el artista radicado en Brooklyn, Olalekan Jeyifous, no parece frenar. Actualmente, mientras prepara su participación en la próxima Trienal de Arquitectura de Sharjah, también celebró recientemente la apertura de "Climate Futurism", una exposición colectiva que destaca el poder y la eficacia de los métodos y procesos de los artistas para imaginar un futuro más equitativo. Además, está trabajando en un monumento público en honor a la ex Representante de los Estados Unidos, Shirley Chisholm, como parte de la iniciativa "She Built NYC" de la ciudad de Nueva York, entre otros proyectos.
La Ley de la Polaridad también es válida en relación con la sociedad humana y las culturas: de hecho, todo tiene un opuesto. Las contraculturas han estallado como condenas a “los caminos del mundo”. Un movimiento contracultural es capaz de expresar el ethos y las aspiraciones de una población durante un tiempo específico, y a medida que se va explorando acerca de nuevos estilos de vida, la arquitectura de apoyo evoluciona para saciar los ideales utópicos de las nuevas sociedades. De esta manera, la arquitectura resulta ser un producto de la cultura para la que está diseñada.
La ciudad en el espacio. Image Cortesía de Ricardo Bofill Taller de Arquitectura
Corría el año 1968 cuando Ricardo Bofill Taller de Arquitectura publicaba una suerte de manifiesto en reacción a las acuciantes demandas de una sociedad en constante transformación. La idea de la Ciudad en el Espacio veía la luz por primera vez y se proclamaba como una arquitectura absoluta capaz de resolver todas las complejidades de su contemporaneidad a través de un modelo único abierto, flexible y tridimensional.
Como una propuesta de diseño para la nueva sede de la empresa Soprema en Estrasburgo, Francia, los arquitectos de Vincent Callebaut Architectures han proyectado una utopía ecológica de 8.225 metros cuadrados. El edificio, llamado Semaphore, se describe en el programa como una "oficina flexible y verde para compañeros de trabajo nómades" y está enfocado en la agricultura urbana y el bienestar de los empleados.
Como edificio eco-futurista, Semaphore se inspira en la biomimética con el fin de ser un hito de inspiración, además de comportarse como referente de toda la gama de productos de aislamiento, impermeabilización y ecologización de Soprema. El diseño es un prototipo ecológico de la ciudad verde del futuro, que busca lograr una simbiosis entre seres humanos y naturaleza.
The Twelve Ideal Cities- 1971. Image via Fondazione MAXXI
En la década de 1960, Cristiano Toraldo di Francia y Adolfo Natalini, dos estudiantes de arquitectura afincados en Florencia de veintitantos años, decidieron emprender la importante tarea de diseñar una nueva forma para que los ciudadanos del mundo habitaran la tierra. Impulsados por las posibilidades de las novelas de ciencia ficción y el deseo de prescribir el diseño para resolver los problemas de su época, el dúo, que se autodenominó Superstudio, buscó reinventar continuamente su papel en lo que significa ser arquitecto. Su solución fue la creación de una cultura "anti-diseño" como un medio para proporcionar comentarios sobre la política, el capitalismo y el urbanismo, mediante la creación de ideas en las que todos tienen un espacio funcional que se libera del tiempo, el lugar y la necesidad de objetos excesivos.
A medida que las fuerzas que moldean nuestro entorno construido cambian, involucrando ahora la tecnología, las redes y los sistemas complejos, los profesionales de la arquitectura necesitan poder visualizar y proyectar más que espacios físicos: necesitan ser capaces de producir narraciones y ficciones que indiquen cuales son las mejores maneras de operar dentro de los nuevos y cambiantes paisajes sociales. En este contexto, la arquitectura especulativa parece nunca haber sido más crítica. Este artículo examina de cerca los medios que actualmente se cuestionan las condiciones del entorno construido y exploran nuevas posibilidades arquitectónicas.
Argigram es un proyecto que indaga sobre las posibilidades de desarrollar un futuro en versión nacional, desarrollado en formato expositivo entre el 23 de Julio y el 8 de Septiembre en el Museo de Arte Contemporáneo de Mar del Plata (MAR). La exposición, curada por Martin Huberman, se centró en la producción de nueve ciudades para el período 2050-2100 en las cuales diversos arquitectos y arquitectas provenientes de la Argentina tuvieron la posibilidad de estudiar y ensayar relaciones territoriales, tensiones estéticas y desarrollos culturales para reclamar la soberanía creativa y cultural del futuro argentino.
Estados Unidos es uno de los países que más ha brindado oportunidades para desarrollar algunos de los edificios más icónicos en la historia de la arquitectura, permitiendo a los profesionales dejar su huella y su propio estilo arquitectónico. Sin embargo, algunas de las ideas más ambiciosas vienen con precios muy altos que no siempre se pueden pagar por lo que, por más emocionantes que puedan llegar a ser, tanto edificios, como puentes y torres no pudieron evolucionar más que en planos archivados.
Superstudio y Archigram fueron los pioneros de las distopías que tuvieron se popularizaron en 1960, fecha en donde se vivió una crisis que desgarró las economías mundiales, posicionando a Italia en un momento histórico de auge y caída que albergaba los sueños y la desesperación.
Amancio Williams con maqueta del proyecto para Tres hospitales en Corrientes. Image Cortesía de Archivo Williams - Director Claudio Williams
Usualmente cuando se habla de la arquitectura de Amancio Williams, se coloca el foco de estudio en sus edificios construidos, en la cara tangible de su profesión. Además de un gran arquitecto, era investigador, creador, vanguardista y visionario. Estudioso de las posibilidades técnicas de su época, volcaba su desarrollo teórico y su pensamiento en el campo arquitectónico como si se tratara de un laboratorio.
Esto queda en evidencia en los proyectos que Amancio desarrolla para las viviendas en el espacio (1942), la sala para el espectáculo plástico y el sonido en el espacio (1942), el aeropuerto de Buenos Aires (1945) el edificio suspendido de oficinas (1946) y la primera ciudad en la Antártida (1980), que abordaremos a continuación.
No es común hablar ampliamente sobre estas ideas en arquitectura, aunque más de una vez hayamos recaído en ellas. Diagnóstico, felicidad, rehabilitación, vacío, tristeza, miedo, salud, paciente, salvar…palabras que se repiten una y otra vez integrándose de forma cada vez más coherente conforme lo vas leyendo, y se va transformando en un discurso que nos convence de estas utopías arquitectónicas. No se trata de quiénes están detrás de esta propuesta, más bien se trata de qué logran para la arquitectura y la sociedad, a través de esta unión multidisciplinaria que se consigue desde sus distintos enfoques –sea desde la filosofía, la escultura, la ilustración–, todos medicina para el alma. En el fondo, son una crítica con el mejor estado de ánimo de los años 50.
En estos proyectos convergen diálogos de espacio y tiempo: que el edificio pueda trasladarse de lugar, que su atmósfera pueda evocar otra época. Una filosofía basada en curar las ciudades a través del desapego y la felicidad. Ningún edificio le pertenece a un territorio del todo, ningún espíritu es inherente a una época en sí. Como sus proyectos escultóricos, uno nace en Nueva York, otro se queda en Perú y otro termina en Brasil. Con la feliz estética cincuentera que pretenden traer de vuelta y viralizar en la expresión de sus ilustraciones contemporáneas. Aquí les presentamos el discurso de DAD y tres proyectos que ponen en práctica sus principios.
No se diga más, pues felizmente nos lo cuentan a detalle.
Cortesía de Centro Cultural Universitario Tlatelolco
Del 26 de noviembre del 2016 al 2 de abril del 2017 se presentó la exposición La ciudad está allá afuera. Demolición, ocupación y utopía en el Centro Cultural Universitario Tlatelolco, que reunió en 35 proyectos y más de 150 objetos a diversas disciplinas como el arte contemporáneo, arquitectura, urbanismo, cinematografía, música y biología.
La fotógrafa de arquitectura y paisaje Jade Doskow publica por primera vez su proyecto fotográfico, de ocho años, de los sitios post-utópicos de las Ferias Internacionales, titulado: Lost Utopias. Desde 2007, el proyecto ha capturado la arquitectura y el paisajismo restante de ferias internacionales en 26 sitios en América del Norte y Europa en gran formato de 4 "x 5".
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Imagen del libro “Ciudades Jardín del Mañana” de Ebenezer Howard.
Construir ciudades en los terrenos que resultaron destruidos en la Primera Guerra Mundial fue una propuesta anunciada como la ciudad del futuro por Le Corbusier bajo el nombre de la Ciudad Radiante que contribuiría a la creación de una mejor sociedad. Si bien este plan maestro se presentó por primera vez en 1924, nunca se concretó, pero sí influyó en la construcción de viviendas de alta densidad.
Al igual que este plan, a lo largo de la historia hay varias propuestas para levantar las denominadas ciudades del futuro que tampoco fueron construidas, tal como se menciona en un reciente artículo publicado en el blog iO9, dedicado a cubrir temas de ciencia y cultura. En esta publicación se presentan 10 planes que se consideran como errores utópicos, pero que de una u otra manera inspiraron algunas propuestas de planificaciones futuras.
En el momento de su estreno, “Aeon Flux” fue duramente criticada, sobre todo por el público en general, como una mala adaptación de la serie de animación de su mismo nombre y por ofrecer una trama típica y escenas de acción sin mucha coherencia, las que en aquel entonces respondían en gran medida a la influencia que “The Matrix” había implantado al inicio de la década. Ofreciendo un análisis posterior es muy difícil debatir dichas apreciaciones, pudiendo rescatar quizás algunas actuaciones, pero por sobre todo, recalcar el gran trabajo gráfico y de arte que se realizó para la ambientación de la película.
A priori el argumento del filme obligaba a representar a una sociedad futura del siglo XXV, que tras un desastre no especificado, se veía confinada a vivir en un territorio delimitado y de apariencia paradisíaca. De los mayores aciertos fue el no caer en nociones fantasiosas, de arquitecturas imposibles y de tecnologías que desafían la lógica, sino plasmar la realidad del futuro con elementos ya existentes dentro de nuestra realidad actual.
.jpg?1605822515 "\"Ex-Tensión de la superficie\" de Jonathan Craig, Luis Arjona, Marco Nieto y Philip Elmore. Imagen cortesía de Arch Out Loud. Imagen cortesía de Arch Out Loud")
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