La galería rinde homenaje a uno de los nombres más importantes del arte contemporáneo internacional
La muestra rescata dibujos producidos en las décadas de 1960, 1970 y 1980, y reúne grabados y objetos poco conocidos por el público, como Fiat Lux, obra presentada una única vez por el artista carioca en 1979, durante apenas 24 horas
Anita Schwartz Galeria de Arte anuncia Cildo Meireles: recorrido y presencia, un homenaje al mayor exponente del arte conceptual brasileño. La muestra —que se inaugurará el 4 de junio a las 19 h— rescata una selección de dibujos producidos en las décadas de 1960, 1970 y 1980, además de grabados de 2009 inspirados en dibujos de la década de 1960. Junto a las obras gráficas, se han reunido algunos objetos a pequeña escala, elementos de instalaciones simbólicas de su producción en el plano tridimensional.
«La exposición destaca una vertiente menos conocida, pero de gran relevancia en el proceso creativo del artista. La práctica del dibujo impregna la producción de Cildo desde su infancia y ha desempeñado un papel importante en su trayectoria. Y ya han pasado más de seis décadas», observa Cecília Fortes, consultora artística de la galería.
Dibujar se convertiría en una forma de expresión y reflexión, un medio para detallar ideas y, también, la principal fuente de ingresos del artista carioca hasta casi 1990. La venta de dibujos a amigos y coleccionistas permitió que Cildo se dedicara a su carrera artística y realizara proyectos más complejos, por los cuales se volvería mundialmente conocido.
«El dibujo es la primera percepción visual. En una segunda etapa es necesario volver al dibujo, detallar. Acompaña este proceso de detallar una idea. Pero su función es captar esa cosa que pasó como un relámpago, que aún no tiene forma, color, tamaño». (Cildo Meireles, en entrevista publicada en el catálogo de la exposición Algum desenho [1963-2005], editado por el CCBB-RJ en 2005)
En una entrevista con el crítico Frederico Morais, cuenta que a los nueve años, viviendo en Belém do Pará, ganó algo de dinero en la escuela vendiendo dibujos. Tras mudarse a Brasilia, ya en la escuela secundaria, siguió practicando. Fue la forma que encontró de estar más cerca de lo real y mostrar a sus compañeros su manera de pensar. En 1963, a los 15 años, comenzó a frecuentar el Ateliê Livre de la Fundação Cultural del Distrito Federal, dirigido por el artista peruano Felix Alejandro Barrenechea. Allí ejercitó el dibujo de observación y con modelo vivo. En esa misma época, ingresó al curso de cine del CIEM, una escuela experimental vinculada a la Universidad de Brasilia.
Fue en esa ocasión cuando pasó por la ciudad una exposición del acervo de arte africano de la Universidad de Dakar, en Senegal, que reunía esculturas y máscaras. La muestra ejerció una fuerte influencia en la formación del artista, quien se sintió estimulado a enfrentar cualquier superficie con el fin de resolver el problema de la representación, la figura transportada a otro plano. En 1964, un momento de gran adversidad en el país con el inicio de la dictadura militar, el curso de arte de la Fundação Cultural fue cerrado, pero Cildo continuó frecuentando el taller de Barrenechea. Desde entonces, la práctica del dibujo lo acompaña, y ya han pasado más de seis décadas.
Entre las obras seleccionadas para la muestra en Anita Schwartz se encuentran dibujos libres de diferentes temáticas y formatos: algunos inspirados en las máscaras africanas mencionadas anteriormente; otros, siguiendo un lenguaje narrativo con nichos alusivos a los de las historietas, con situaciones que se desarrollan de forma arbitraria. También hay composiciones abstractas con predominio del color, dibujos que mezclan pinceladas redondeadas y trazos que evocan situaciones de dolor y violencia y, además, escenas específicas guardadas en la memoria del artista.
La galería contó con la colaboración de Antônio Carlos Barreto en la captación de obras como la emblemática serie Espaços Virtuais: Cantos, iniciada como dibujo en 1967 y exhibida en forma de grabado. En ella, el artista analiza el fenómeno de la perspectiva y la virtualidad a través del módulo euclidiano de espacio (tres planos de proyección frontal, lateral y horizontal), y sus desdoblamientos Volumes Virtuais y Ocupações, constituidos por líneas y dos o tres planos de soporte que, partiendo de la pared, crean ambigüedades espaciales. Además de los dibujos y grabados, se presentan múltiples coleccionables; muchos hacen alusión a sus grandiosas instalaciones.
Camelô remite a los recuerdos de infancia del artista, quien solía frecuentar el centro de la ciudad de Río de Janeiro con su padre. En aquel entonces, observaba la presencia de vendedores ambulantes que ofrecían objetos muy simples como alfileres, varillas de camisa y marionetas de cartón y plástico. Aquella situación lo intrigaba: ¿cómo podían esas personas sobrevivir vendiendo artículos tan insignificantes? Años después, de ese recuerdo surgiría el múltiple Camelô, o vendedor ambulante, que vende paletas de cuello en una mesa y alfileres marcados con las iniciales del artista en la otra.
Dados es la primera obra de la serie Objetos semânticos, de 1970, en la cual el artista presenta trabajos donde el objeto y el título establecen una relación de significados y resignificados, jugando con paradojas, ironías y contrasentidos. Los diferentes sentidos de la palabra se confrontan con el objeto, creando fricciones entre aquello que se imaginaba entendido y lo que se presenta.
Esfera invisível trata de una existencia constituida por inexistencias y sugiere la presencia de una forma que se manifiesta por la ausencia de materia. En el espacio interior de un cubo aparentemente macizo de aluminio, dos hemisferios cóncavos de igual medida se encuentran, creando un espacio vacío con forma de esfera. Se configura entonces la idea de una esfera que solo existe en la imaginación del espectador. Tales caras recortadas solo pueden verse cuando el cubo se abre, momento en el que las partes se separan y la esfera invisible deja de existir.
Fiat Lux hace referencia a la instalación O Sermão da montanha: Fiat Lux, presentada por Cildo una única vez en 1979, durante apenas 24 horas, en la Galería Candido Mendes, en Río de Janeiro. La obra, que suscitaba la atmósfera de miedo y violencia del periodo de la dictadura militar, consistía en un gran bloque compuesto por 126 000 cajas de fósforos de la marca Fiat Lux, instalado en el centro de la sala, rodeado por ocho espejos con frases extraídas del texto bíblico del Sermón de la Montaña: capítulo 5, del Evangelio de San Mateo, versículos 3 al 12. En torno al bloque central, actores contratados que simulaban ser policías de civil circulaban por el espacio, vigilando la obra. El suelo de la sala fue cubierto por lijas negras que amplificaban el sonido de los pasos de quienes circulaban, contribuyendo a la atmósfera de tensión generada por la posibilidad de explosión de la instalación.
El múltiple Glove Trotter, impresión digital en placa de acero inoxidable, trae un registro de la obra original del mismo nombre: la instalación Glove Trotter, 1991, en la cual esferas de diferentes tamaños, colores y materiales, recolectadas por el artista a lo largo de los años, se disponen sobre una tarima y se cubren con una malla metálica, como las que protegían los cuerpos en las luchas de la Edad Media, unificando el conjunto en un paisaje lunar. El título crea un juego de palabras entre la expresión «globe trotter» (individuo que viaja por el globo constantemente) y la palabra «glove» (guante, en inglés), referencia al material que cubre las esferas e impide su desplazamiento. La concepción de la obra parte de cuestiones clásicas de la escultura, como volumen, peso y gravedad, incorporando también referencias de otros contextos, como la geografía y la astronomía.
OVOS – versão I – 1ª edição (1970-2018) es un múltiple producido para la celebración de los 70 años del Museo de Arte Moderno de São Paulo. Desde finales de la década de 1970, Cildo Meireles se apropia de sistemas de medida para subvertirlos. El artista percibió que los sistemas de medida crean identidad entre los miembros de grandes colectividades, que los utilizan como patrón común. Al subvertir tales sistemas y patrones, instiga la reflexión sobre las convenciones que nos unen como comunidad. En OVOS, seis objetos que imitan huevos adquieren pesos diferentes, creando un extrañamiento para quien los manipula, pues se espera que huevos semejantes tengan pesos semejantes. El mismo extrañamiento suscitado por la gran instalación Eureka/Blindhotland, 1970-75, en la cual Cildo juega con cuestiones como el peso y el volumen de los objetos, distorsionando los sentidos del observador.
Por último, se exhiben un reloj y un conjunto de cuatro cintas métricas de madera, objetos componentes de la grandiosa instalación Fontes, 1989-1992, que subvierte las convenciones humanas de medidas de tiempo y espacio. En la obra completa, cintas métricas de madera con diferentes unidades de medida se yuxtaponen en el centro de la sala, algunas siguiendo el sistema métrico decimal y otras el sistema de pulgadas, mientras relojes de igual tamaño, pero con posicionamiento e intervalos irregulares de los algoritmos indicativos de las horas, ocupan las paredes, con números caídos al suelo, creando un paradójico agrupamiento de objetos de igual tamaño y formato, pero que presentan medidas diferentes.
Más sobre el artista
Cildo Meireles nació en Río de Janeiro en 1948, donde vive y trabaja. Estudió con el artista peruano Félix Barrenechea en Brasilia (1963) y en la Escuela Nacional de Bellas Artes (1968), Río de Janeiro.
Realiza su primera individual (1967) en el Museo de Arte Moderno de Bahía. De 1971 a 1973, vive en Nueva York, donde había participado en la exposición Information, en el MOMA, en 1970. En 1975, fue uno de los fundadores de la revista Malasartes.
Entre otras, realiza exposiciones en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro (Brasil), 1975; Pinacoteca de São Paulo (Brasil), 1978/2006; Magiciens de la Terre, Pompidou/La Villette (Francia), 1989; Institut Valencià d'Art Modern – IVAM (España), 1995; New Museum, NY (EE. UU.), 1999; Institute of Contemporary Art, Boston (EE. UU.); Museo de Arte Moderno de São Paulo y Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro (Brasil), 2000; Tate Modern en Londres (Inglaterra), 2008, posteriormente presentada en el MACBA, Barcelona (España) y MUAC, Ciudad de México (México), 2009. Centro de Arte Reina Sofía, Palacio de Velázquez, Madrid (España), 2013, posteriormente presentada en el Museo de Arte Contemporáneo de Serralves, Oporto (Portugal) 2013-2014, Pirelli Hangar Bicocca, en Milán (Italia), 2014; National Center for Contemporary Art Cerrillos, Santiago (Chile), 2019; SESC Pompéia, São Paulo (Brasil). Participa en varias bienales, entre otras: Venecia (Italia) en 1976/2003/2005 y 2009; Sídney (Australia), 1984; São Paulo (Brasil), 1981/1998 y 2010 y Documenta de Kassel (Alemania), 1992 y 2002.
En 2008, recibió el 7.º Premio Velázquez de Artes Plásticas en reconocimiento a su trayectoria artística.
Sobre Anita Schwartz Galeria de Arte
Desde mediados de los años 80, Anita Schwartz participa activamente en la construcción y consolidación de la carrera de artistas con producciones atemporales, apoyando el desarrollo profesional y la proyección y reconocimiento de sus poéticas, a través de alianzas con galerías, museos e instituciones culturales internacionales y la participación en las principales ferias de arte contemporáneo.
En 1998, Anita Schwartz inaugura la galería de arte contemporáneo que llevará su nombre. En el año 2008, se traslada a un nuevo espacio con un proyecto firmado por el estudio Cadas Arquitetura, convirtiéndose en la galería pionera en Brasil con un edificio sede especialmente planeado. Con aproximadamente 700 m² de área distribuidos en tres plantas, ofrece un salón principal de 110 m² y una altura de techo de 7,2 m para recibir grandes muestras, instalaciones y proyectos especiales. En la segunda planta, una sala de exposiciones de 60 m² y una terraza con un contenedor destinado a videoinstalaciones, que alberga hasta 20 espectadores.
