智利建筑师斯米连·拉迪奇·克拉克（Smiljan Radić Clarke）荣获2026年度普利兹克建筑奖。该奖项被誉为建筑领域的最高荣誉之一。此番授奖旨在表彰拉迪奇通过材料实验、空间感知以及对景观与文脉的审慎回应所展开的建筑探索。拉迪奇出生于智利圣地亚哥并在此生活和工作，他领导着创立于1995年的斯米连·拉迪奇·克拉克建筑事务所。作为继2016年亚历杭德罗·阿拉维纳之后第二位获此殊荣的智利建筑师，他加入了历届杰出得主之列，包括2025年的中国建筑师刘家琨、2024年的山本理显、2023年的戴卫·奇普菲尔德以及2022年的迪埃贝多·弗朗西斯·凯雷。
拉迪奇的建筑实践游刃于一个独特的领域：在这里，对空间的现象学体验先于理性的阐释。他的作品往往呈现出一种静谧、纯粹的气质，拒绝轻易落入言语的解构，转而引导到访者通过身体的游走、氛围的营造以及直觉的感知去体验空间，而非单纯依赖形式上的表达。
与此同时，他的作品对材料的物质存在感表现出敏锐的洞察，将工业构件与未经雕琢或就地取材的元素并置，创造出既精确又极具触感的建造体。纵观其设计，建筑结构时常呈现出一种临时性、脆弱感或轻盈锚固于大地的姿态，这表明他有意接纳不确定性与瞬时性。他的建筑推崇具身临在感、材质智慧，以及一种微妙却充满力量的脆弱美学。
我们致力于创造蕴含情感共鸣的体验，以此促使人们驻足，重新审视这个常常对他们漠然置之的世界。 — 斯米连·拉迪奇
自1995年在圣地亚哥创立事务所以来，拉迪奇刻意保持着紧凑的实践规模，在跨越不同尺度的项目开发中，始终坚守着对实验性与地域特异性的追求。其作品涵盖私人住宅、文化机构、艺术装置以及公共建筑，往往以其对景观、光影和结构的精妙回应为特征。尽管其多数项目根植于智利本土，拉迪奇亦凭借海外委任项目与展览赢得了国际赞誉，其中包括2014年伦敦蛇形画廊展亭。随着时间推移，他的实践已拓展至装置、展览及跨界合作，将建筑学的探讨延伸至传统建筑类型学之外。尽管享誉全球，拉迪奇依然选择以圣地亚哥为核心开展工作，维系着一种立足于细致观察而非大规模制度化量产的建筑实践。
斯米连·拉迪奇于1965年出生于圣地亚哥，成长于一个交织着移民史与文化漂移的家庭背景中。他的祖父母来自克罗地亚布拉奇岛，外祖父母家族则来自英国。在这样的家庭环境下，归属感被理解为一种后天的建构，而非先天的继承。拉迪奇常将这一经历视为其成长轨迹中的关键，塑造了他将身份认同视为一种“组装过程”而非固定状态的认知。
他曾就读于智利天主教大学建筑系，随后赴威尼斯建筑大学（IUAV）游学，他将这段经历视为其学术与思想发展的基石。在职业生涯初期，拉迪奇便与雕塑家马塞拉·科雷亚（Marcela Correa）展开了持久的对话，后者的艺术创作深刻影响了他的建筑思维，两人亦合作了多个项目。1997年，他们共同在维尔切斯建造了“奇卡住宅”（Casa Chica），这一早期实验彰显了拉迪奇将建筑同时视为实体建造与概念探索的志趣。移民背景、艺术对话以及对景观的细致审视，这些早期影响持续塑造着他此后建筑实践的发展方向。
斯米连·拉迪奇的作品立于反叛的形式语言、材质探索与文化记忆的交汇处，他摒弃了对确凿性的无端宣示，转而尊崇脆弱性。 — 2026年普利兹克建筑奖评委会致辞
缄默的建筑
拉迪奇的建筑往往呈现为一种无法即刻用言语表达的空间体验。他的建筑并非展现某种固化的形式语言，而是邀请人们通过氛围、游走和感知去阐释。位于维尔切斯的“直角诗篇之屋”堪称这一路径的典范。该住宅置身于茂密的森林景观中，通过厚重的墙体与精心布局的开窗捕捉着光影与时间的推移，将居住行为转化为一种沉思式的观察。
同样内敛的特质也体现在圣地亚哥智利前哥伦布艺术博物馆的扩建设计中。拉迪奇的介入主要发生于既有殖民时期庭院的地下。通过开凿出一座由顶部采光的地下展厅，该项目让文物和历史的延续性成为主角，展现出一种主动退后以彰显空间体验的建筑姿态。而在由一栋受损的20世纪初住宅改造而成的 NAVE 演艺中心中，拉迪奇保留了原有结构，同时在内部嵌入了全新的排练与表演空间。由此创造出的空间与其说是一个完成度极高的实体，不如说是一个为艺术创作与集体聚会提供无限可能的弹性舞台。
材质的智慧
材料实验在拉迪奇的作品中占据着核心地位，其建造过程常常揭示出工业预制与原生材质之间意想不到的关联。在康塞普西翁的比奥比奥地区剧院（Teatro Regional del Bío-Bío），覆于钢结构之上的半透明聚碳酸酯外立面在白天过滤着日光，在夜晚则沿着河岸散发出柔和的光芒。这座建筑证明了公共建筑无需依赖传统的纪念性，亦能实现极高的空间张力。
在圣地亚哥的双百年纪念公园，Mestizo 餐厅探索了另一种截然不同的材料策略。在此，一个由巨大采石场原石支撑的水平屋顶横向延伸于景观之中，兼具遮蔽物、地平线与公共姿态的多重角色。沉重巨石与纤细结构构件的并置消融了建筑与地形之间的界限。拉迪奇设计的伦敦蛇形画廊展亭进一步拓宽了这种材料间的对话。一个半透明的玻璃纤维外壳仿佛悬浮在肯辛顿花园的草坪上，奇迹般地搁置在一圈巨大的承重石块之上。该项目将地质的厚重与工业的轻盈融为一体，创造出一种既古老又具临时感的结构。
脆弱性与临时纪念性
在拉迪奇的诸多项目中，建筑有意呈现出一种不稳定或临时性的姿态，将脆弱性视为一种空间状态予以接纳，而非遮蔽。为圣地亚哥第22届智利建筑双年展创作的气动装置“Guatero”通过一个由气压支撑的结构诠释了这一方法。其半透明的薄膜将看似娇嫩的形式转化为一个沉浸式环境，光线、声音和运动在其中不断重塑着内部的氛围。
其早期作品便已显露出这种敏锐度。位于美里皮亚的“碳屋”（Carbonero House）由木材和黑色网纱筑成，风、阴影和声音得以穿透其多孔的外围护结构，消解了建筑与自然景观之间的边界。而在智利中部海岸的“皮特住宅”（Pite House）中，建筑嵌入在岩石地形中，通过层层退台和挡土墙勾勒出太平洋的广袤地平线。在这些案例中，拉迪奇展示了建筑如何将暴露感转化为亲密感，从而创造出既具庇护感又具临时性的空间。
拉迪奇更广泛的作品序列进一步展现了他建筑探索的多样性。位于奥伊金斯区的维克米拉胡酒庄（Vik Millahue Winery）横向延伸于山谷景观之中，通过一系列稳定周围地形的混凝土挡土墙，将生产设施和公共空间融为一体。智利维尔切斯的“直角诗篇之屋”（2013年）则呈现出截然不同的住宅尺度，通过厚重的墙体和精心定位的开窗组织起居住行为，将光线、宁静以及周围的森林框景入室。诸如为伦敦亚历山大·麦昆（Alexander McQueen）2022春夏时装秀设计的透明穹顶以及装置“Guatero”等临时性装置，则探讨了充气结构在营造氛围上的潜力，将气压与光线转化为独特的空间体验。这些项目证明了拉迪奇一以贯之的学术兴趣：将建筑视为介于景观、气候与人类居住之间的中介框架。
除了建成作品外，拉迪奇的实践还延伸至展览以及与艺术家、文化机构的合作。其项目曾展出干诸多国际展览，包括：东京间美术馆的“Global Ends”展览（日本东京，2010年）；广岛市当代美术馆的“Un Ruido Naranjo”展览（日本广岛，2012年）；与马塞拉·科雷亚合作在东京爱马仕之家画廊举办的“The Wardrobe and the Mattress”展览（日本东京，2013年）；奥地利布雷根茨美术馆的“Bus Stop for Krumbach”项目（奥地利布雷根茨，2013年）；以及东京TOTO间美术馆的“Smiljan Radić: BESTIARY”个展（日本东京，2016年）。他的工作赢得了多项国际荣誉，包括被智利建筑师协会评为“35岁以下最佳建筑师”（智利，2001年）、奥里斯奖（克罗地亚，2015年）、美国艺术暨文学学会颁发的阿诺德·W·布鲁纳纪念奖（美国，2018年）以及基多泛美建筑双年展大奖（厄瓜多尔，2022年）。他分别于2009年和2020年起担任美国建筑师学会荣誉会员及克罗地亚科学与艺术院荣誉院士。
2026年普利兹克建筑奖评委会向拉迪奇致敬，以表彰其通过实验性、材质探索以及对空间情感维度的深刻关注，拓展了建筑学科的边界。评委会主席由亚历杭德罗·阿拉维纳担任，评委包括：巴里·伯格多尔、德博拉·伯克、史蒂芬·布雷耶、安德烈·科雷亚·多拉戈、安妮·拉卡顿、哈希姆·萨尔基斯、妹岛和世，以及担任常务董事的玛努埃拉·卢卡-达齐奥。
2026年普利兹克建筑奖评委会辞
设立普利兹克建筑奖，旨在表彰那些展现出卓越才华、远见和奉献精神的建筑师，他们的作品随着时间的推移，通过建筑艺术，为人类和建成环境做出了深刻而持久的贡献。斯米连·拉迪奇的作品以最激进、最本质的形式体现了这些价值。
要用言语来传达他建筑作品的质感本质上是困难的，因为在他的设计中，他诉诸那些能被即刻感知却难以付诸言语的体验维度——犹如对时间本身的感知：能被瞬间识别，却在概念上难以捉摸。
他的建筑并非被简单地构想为视觉构件；相反，它们需要肉身的临在。斯米连·拉迪奇建筑的第一个基本悖论在于，它建立了一个极具个人化、近乎内省的切入点，却并未走向孤立与退缩。恰恰相反，这种始于个体相遇的体验，最终拓展为更广泛的集体共鸣。这或许正是真正艺术的本质：它将我们每个人作为独立的个体来对待，进行一对一的对话，同时又将我们推向共同的本源——一个超越种族、性别或文化的本源之地。在这样一个极化与去人性化的时代，这种力量显得尤为重要，这或许也正是这位建筑师真正的价值所在。他的作品可以毫不犹豫地被形容为具有深刻的原创性：将建筑艺术实践为一种持久的尝试，旨在重新建立起每个人与更深层次本源的连接。需要强调的是，这绝不应被误解为乡愁或历史复古主义。他对建筑表象的剥离，根植于激进的实验，以及对惯例、先例和常规路径的无情质问。这里蕴含着另一个悖论：他反传统的设计方法起初可能显得异同、出人意料——甚至带有些许叛逆——然而，这种反范式的姿态绝非带来疏离与隔阂，反而让人感到清新与前所未有。它传递出一种确凿无疑的、与全新事物邂逅的震撼体验。
通过不着痕迹的联系和流线布局，拉迪奇的建筑为使用者提供了多样化的舞台，供其在其中行动、互动，甚至去改变在其中上演的叙事。对体量的精湛组合以及对尺度的精准把控，为日常生活注入了一丝纪念性，无论是在个体层面还是公共层面上。在拉迪奇的建筑中，纪念性通过脆弱感、轻盈感和明显的不稳定性被重新阐释，这并非仅靠尺度实现，而是通过氛围、材料张力和空间浓度达致。这使得散步、等待、聚会等日常行为获得了自身的尊严与意义，而不必屈从于某种宏大的意识形态叙事。通过这种极具民主色彩的路径，纪念性被重新归还给普通人的日常体验，而非仅留给那些特殊的非凡时刻。
立于反叛的形式语言、材料探索与文化记忆的交汇处，斯米连·拉迪奇的作品在面对任何无端的确凿宣示时，毅然选择拥抱脆弱。他的建筑或许显得临时、不稳固或刻意未完工——甚至处于近乎消逝的边缘——但它们依然提供了一个坚固、乐观且静谧而令人愉悦的庇护所，将脆弱性视为鲜活生活体验的内在条件予以接纳。
它们并非牢固地锚定于大地，而是微妙地置于其上，往往轻微地悬浮于地表之上，仅在偶尔间与地面发生接触。任何对场地的永久性改动都被刻意避免，仿佛它们随时可以被移走，大地亦能恢复如初。拉迪奇受智利强大却频发地震的自然环境启发，从建造中常见的“主宰与占有”逻辑转向“共生”，将建筑呈现为场地的“访客”而非“主人”，承认景观的至高无上性，并由此将集体记忆与共享领地置于个人创作权之上。
这种建筑上的瞬时感与临时性常通过材料的选择得以表达。尽管材料因项目而异，但它们无一不是经过深思熟虑、敏锐回应文脉并因地制宜的选择。
为了强化其作品中的民主特质，拉迪奇在使用材料时——无论是工业的还是天然的，精致的还是传统上被视为边缘的——既不流于怀旧，也不单凭实用主义。相反，这些材料动摇了既有的价值层级：高雅与低俗、精致与粗砺、永久与临时在其中并存，边界模糊。这种材料上的平等映射出他空间设计上的社会开放性：在这些空间中，没有哪一类使用者拥有特权。圣地亚哥 NAVE 演艺中心屋顶上的马戏团帐篷、康塞普西翁比奥比奥地区剧院外包裹着的、在黄昏中闪烁着温暖迎宾光芒的白色薄膜，以及为圣地亚哥建筑双年展设计的巨型 Guatero 充气展亭——这些项目都演变为结构精妙却不失趣味的舞台，在其中，意想不到的肌理与色彩同同样出人意料的体量形式展开了对话。
如果说建筑塑造了人们的生活方式，那么拉迪奇的作品则创造了既令人惊叹又极其自然的空间体验。其惊艳之处，在于他能够灵活地重组、质疑并解构既定的类型学；其自然之处，则在于这些空间不仅生长自他的个人历史，也源于最终身处其中的人们的生命轨迹。在完全满足功能需求的同时，每个项目都包含着意想不到的元素：体验斯米连·拉迪奇的建筑，无异于一场好奇心被不断激发与维系的旅程。他将连贯的空间策略推向极致，以严谨的态度推进设计，旨在积极引导使用者参与其中：无需专业知识亦能“理解”空间，因为理解本就没有终点。他的作品超越了单一概念的桎梏：他所创造的空间往往是多义的，有时甚至是令人不安的，却从未被预先界定。它们拒绝被单一视角完全看透，而恰恰是这种抗拒，赋予了建筑应有的深度与复杂性。直立矗立的巨石（如圣地亚哥 Mestizo 餐厅）、仿佛不着地面的建筑（如帕普多的皮特住宅）、以及对传统笛卡尔坐标系的频繁背离（如维尔切斯的直角诗篇之屋）——所有这些都在邀请人们去阐释，而非单纯消费。
他让我们重新铭记，建筑是一门艺术，因为它触及了人类境遇的最深处；他让这门学科得以拥抱不完美与脆弱，在不确定性交织的世界中提供静谧的庇护，而无需诉诸喧嚣或哗众取宠来彰显自身价值；他创造出混合性质的建筑，折射出当代学科边界的消融，且这些建筑不代替人们发声，而是让人们在其中找到属于自己的声音。基于以上贡献，斯米连·拉迪奇·克拉克被授予2026年普利兹克建筑奖。
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本文作者为Romullo Baratto。译文由 AI 提供支持。
